시드니 오페라 하우스는 독특하고 미래 지향적인 건축물을 보유하고 있어 전 세계적으로 유명해졌습니다. 지역 주민들은 이곳을 도시의 상징적인 랜드마크 중 하나일 뿐만 아니라 시드니의 명함이라고도 불렀습니다. 이 사랑은 이 예술의 사원을 가까이서 아는 동안 즉시 그것에 대한 존경심을 키우는 여행자들과 공유됩니다. 지구상에서 가장 잘 알려진 건물 중 하나인 이 건물에는 세계 최고의 예술가들이 참여하고 있으며 매년 800만 명 이상의 방문객이 방문하고 있습니다.

1959년 3월, 주민들은 시드니 오페라 하우스 건설 착공식을 보기 위해 베넬롱 포인트 항구에 모였습니다. 미래 건물을 위한 프로젝트를 개발한 덴마크 건축가 Jorn Utzon은 청동 명판을 호주로 가져왔습니다. 그날 이 명판은 제안된 두 콘서트 홀 축의 교차점에 설치되었으며 그 순간부터 건설 작업이 진행되었습니다. 건축의 걸작이 시작되었습니다. 기념패는 오늘날에도 극장 계단에서 볼 수 있습니다. 건물의 외관을 생각해 낼 때 Jorn은 완전히 특이한 것을 만들었습니다. 그의 생각에 따르면 건물의 지붕은 여러 개의 구로 구성되어 극장의 외관에 돛을 타고 항해하는 배의 이미지를 제공했습니다. 이 솔루션을 사용하면 벽 내에서 놀라운 음향을 생성할 수 있습니다.

당초 4년 안에 공사를 완료할 계획이었으나 여러 가지 이유로 과감한 프로젝트 시행이 14년이나 늦어졌다. 많은 합병증으로 인해 원래 버전의 변경 사항에 만족하지 못한 Jorn Utzon에 대한 불만이 커졌습니다. 기분이 상한 건축가는 최종 결과를 보지 못한 채 팀을 떠났습니다. 자신의 자리에 임명된 젊은 전문가인 Peter Hall은 처음에는 프로젝트 규모에 놀랐지만 여전히 어려운 작업을 수행했습니다.
1973년에는 중요한 행사가 열렸습니다. 시드니 오페라 하우스가 문을 열었습니다. 특히 새로운 문화 메카의 시작을 공식적으로 발표하고 장인들의 놀라운 상상력과 재능을 칭찬한 엘리자베스 2세 여왕의 참석 덕분에 축하 행사는 성대하게 마무리되었습니다.

극장에는 다양한 행사를 위해 지정된 4개의 메인 룸이 있습니다. 가장 큰 것은 콘서트 홀입니다. 이곳에서는 세계에서 가장 큰 오르간 중 하나가 참여하는 매혹적인 교향곡 콘서트가 열립니다. 그 다음 수용력은 오페라홀(발레홀이라고도 알려짐)로 첫 번째 홀보다 1,000석 열등하며 벽 안에 1,500명을 수용할 수 있습니다. 나머지 2개는 400~500명을 수용할 수 있으며 드라마틱한 공연을 위한 공간이다. 각각은 극장의 일반적인 분위기를 가지고 있습니다. 빨간 벨벳 커튼과 같은 그늘의 좌석, 부드러운 빛을 쏟아내는 우아한 크리스탈 샹들리에 - 뛰어난 오페라 하우스를 위한 가치 있는 장식입니다.

이 예술의 전당의 문은 젊은이들에게도 열려 있다는 점을 기억하는 것이 중요합니다. 극장에서는 다양한 록/인디/테크노 밴드의 음악 공연은 물론 환상주의자들의 공연과 크리스마스 테마 이벤트도 개최됩니다.

시드니 오페라 하우스는 오랫동안 도시의 특징이자 호주의 상징이었습니다. 예술과 건축과는 거리가 먼 사람들조차도 우리 시대의 가장 아름다운 건물이 어디에 있는지에 대한 답을 알고 있습니다. 그러나 그들 중 프로젝트 주최자가 직면한 어려움과 동결 가능성이 얼마나 높은지 아는 사람은 거의 없습니다. 관객을 음악과 환상의 나라로 안내하는 겉으로 보기에 가볍고 경쾌한 '하우스 오브 뮤즈' 뒤에는 엄청난 투자가 숨겨져 있다. 시드니 오페라 하우스 창설의 역사는 디자인만큼이나 독창적입니다.

시드니 오페라 하우스 건설의 주요 단계

건설의 개시자는 오페라와 발레에 대한 인구의 명백한 관심을 고려할 때 도시와 전국에 좋은 용량과 음향을 갖춘 건물이 없다는 사실에 당국의 관심을 끌었던 영국 지휘자 J. Goossens였습니다. . 그는 또한 자금 조달을 시작했으며 (1954) 중앙 공원에서 불과 1km 떨어진 곳에 삼면이 물로 둘러싸인 Cape Bennelong이라는 건설 장소를 선택했습니다. 1955년에 건축 허가를 받았으나 예산 자금이 완전히 거부되었습니다. 이것이 건설이 지연된 첫 번째 이유였습니다. 기부금과 특별히 발표된 복권 수입이 약 20년 동안 모아졌기 때문입니다.

시드니 오페라 하우스 최고의 디자인을 위한 국제 공모전에서 덴마크 건축가 J. Utzon이 우승했습니다. 그는 파도를 타고 날아가는 배를 연상시키는 건물로 항구를 장식할 것을 제안했습니다. 위원회에 보여진 스케치는 스케치에 가까웠고 당시 거의 알려지지 않았던 작가는 우승할 희망이 별로 없었습니다. 그러나 행운은 그의 편이었습니다. 공공 프로젝트 건설 분야에서 흔들리지 않는 권위를 가진 건축가 Eero Saarinen 회장을 기쁘게 한 것은 그의 작품이었습니다. 결정은 만장일치로 이루어지지 않았지만 결국 Utzon의 스케치는 가장 인체공학적인 것으로 인식되었으며, 이에 비해 다른 프로젝트는 번거롭고 진부해 보였습니다. 그것은 모든 각도에서 인상적으로 보였고 물에 둘러싸인 조건을 고려했습니다.

1959년에 시작된 건설은 계획된 4년 대신 14년 동안 지속되었으며 기본 7개를 기준으로 1억 2백만 호주 달러가 필요했습니다. 그 이유는 자금 부족과 당국이 2개의 홀을 더 포함해야 한다는 요구로 설명되었습니다. 프로젝트. 원래 계획에서 제안된 쉘 구체는 이를 모두 수용할 수 없으며 음향학적 단점이 있었습니다. 대안적인 솔루션을 찾고 문제를 해결하는 데 건축가의 수년이 걸렸습니다.

변경 사항은 추정치에 부정적인 영향을 미쳤습니다. 건물의 무게 증가로 인해 시드니 항구에 건설된 기초를 폭파하고 580개의 파일을 포함하여 새 기초로 교체해야 했습니다. 이는 상업용 부지 추가에 대한 새로운 요구(투자자들이 자신의 지분을 얻기를 원함)와 1966년 주 복권 자금 동결과 함께 Utzon이 그의 경력에서 가장 중요한 작업을 포기하고 향후 호주 방문을 중단하게 만들었습니다. .

프로젝트 반대자들은 건축업자들을 낭비라고 비난했고 실제로 그들이 옳았습니다. 그러나 처음 700만 달러를 투자할 기회는 없었습니다. 당시 호주에는 플로팅 리프팅 장비가 없었으며(빔 설치를 위한 각 크레인 비용은 100,000달러였습니다) 많은 솔루션이 근본적으로 새롭고 추가 자금이 필요했습니다. 2,000개 이상의 고정된 지붕 부분이 개별 스케치에 따라 제작되었지만 기술은 비용이 많이 들고 복잡했습니다.

유약 및 지붕 재료도 외부에서 주문했습니다. 6000m 2 의 유리와 100만 개 이상의 흰색 및 크림색 타일(azulejo)이 유럽 국가에서 특별 주문으로 생산되었습니다. 이상적인 지붕 표면을 얻기 위해 기계화된 방법을 사용하여 타일을 고정했으며 전체 적용 면적은 1.62 헥타르였습니다. 가장 눈에 띄는 점은 원래 디자인에는 포함되지 않았던 맞춤형 매달린 천장이었습니다. 건축업자들은 1973년 이전에는 프로젝트를 완료할 기회가 없었습니다.

구조, 외관 및 실내 장식에 대한 설명

개관 이후 시드니 오페라 하우스는 빠르게 표현주의의 걸작이자 본토의 주요 명소로 평가되었습니다. 그의 사진은 영화 포스터, 잡지, 기념품 엽서에 등장했습니다. 거대한 (161,000톤) 건물은 조명이 바뀌면 색상이 바뀌는 가벼운 범선이나 백설 공주 껍질처럼 보였습니다. 낮에는 태양의 눈부심과 구름의 움직임, 밤에는 밝은 조명을 포착하려는 작가의 아이디어가 완전히 정당화되었습니다. 외관에는 여전히 추가 장식이 필요하지 않습니다.

내부 장식에는 목재, 합판, 분홍색 화강암 등 현지 재료가 사용되었습니다. 최대 5,738명을 수용할 수 있는 5개의 메인 홀 외에도 리셉션 홀, 여러 레스토랑, 상점, 카페, 많은 스튜디오 및 다용도실이 단지 내부에 위치해 있습니다. 레이아웃의 복잡성은 전설이 되었습니다. 시드니의 모든 사람들은 연극 도중 길을 잃고 패키지를 가지고 무대에 올라온 택배기사의 이야기를 알고 있습니다.

방문의 흥미로운 사실과 특징

주요 프로젝트의 아이디어 작성자이자 개발자인 Jorn Utzon은 2003년 프리츠커 상을 포함하여 여러 권위 있는 상을 받았습니다. 그는 또한 생애 동안 창작물이 세계 문화 유산으로 인정받은 두 번째 건축가로 역사에 기록되었습니다. 상황의 역설은 Jorn이 프로젝트 완료 7년 전 작업을 거부하고 원칙적으로 시드니 오페라 하우스를 방문하는 것뿐만 아니라 구성되었습니다. 어떤 이유로 지방 당국은 개장 당시 그의 이름을 언급하지 않았고 입구에 있는 작가 테이블에도 그를 나열하지 않았습니다. 문화계의 다른 형태의 감사).

수많은 변경 사항이 있었고 원래의 건축 계획이 부족했기 때문에 Utzon의 실제 기여를 평가하기가 실제로 어렵습니다. 그러나 개념을 개발하고 구조의 부피를 제거하고 위치 문제, 지붕의 안전한 고정 및 음향의 주요 문제를 해결한 사람은 바로 그 사람이었습니다. 호주 건축가와 디자이너는 프로젝트 완료 및 실내 장식을 전적으로 담당했습니다. 많은 전문가에 따르면 그들은 작업에 대처하지 못했습니다. 일부 조경 및 음향 개선 작업이 아직 진행 중입니다.

단지의 발견 및 개발과 관련된 다른 흥미로운 사실은 다음과 같습니다.

• 끊임없는 수요와 충만. 시드니 오페라 하우스는 연간 125만~200만 명의 관객을 맞이합니다. 야외 사진을 찍으러 오는 관광객의 수는 셀 수 없을 정도로 많습니다. 내부 견학은 주로 낮에 진행되며 저녁 공연을 관람하려면 사전에 티켓을 예약해야 합니다.
• 다기능. 오페라 하우스의 장소는 주요 목적 외에도 넬슨 만델라에서 교황에 이르기까지 중요한 인물의 축제, 콘서트 및 공연을 조직하는 데 사용됩니다.
• 관광객들에게 완전히 개방되어 있으며 복장 규정도 없습니다. 시드니 오페라 하우스는 크리스마스와 성금요일을 제외하고 일주일 내내 손님을 맞이합니다.
• 독창성에 대한 세계적 인식. 이 단지는 20세기 인간이 만든 걸작 20개에 당연히 포함되어 있으며, 이 건물은 현대 건축의 가장 성공적이고 뛰어난 건축물로 인정받고 있습니다.
• 메인 콘서트 홀에는 10,000개의 파이프로 구성된 세계 최대의 오르간이 있습니다.

레퍼토리 및 추가 프로그램

러시아 음악 팬들은 자부심을 가질 만한 정당한 이유가 있습니다. House of Muses 무대에서 상연된 첫 번째 작품은 S. Prokofiev의 오페라 War and Peace였습니다. 그러나 극장의 레퍼토리는 오페라와 교향곡에만 국한되지 않습니다. 모든 홀에서는 연극 미니어처부터 영화제까지 다양한 장면과 공연이 열립니다.

단지에 부속된 문화 협회인 호주 오페라와 시드니 극장은 세계적으로 유명합니다. 1974년부터 그들의 도움으로 새로운 국립 오페라와 연극을 포함한 최고의 작품과 공연자들이 관객들에게 선보였습니다.

개최되는 이벤트의 예상 횟수는 연간 3000회에 이릅니다. 레퍼토리에 대해 알아보고 티켓을 주문하려면 공식 웹사이트의 리소스를 활용해야 합니다. 시드니 오페라 하우스 프로그램은 끊임없이 발전하고 있습니다. 우려와는 달리 이들의 공연을 고화질로 디지털 녹화해 TV와 영화관에서 시연하겠다는 전략은 더욱 많은 관객을 끌어 모았다. 최고의 혁신상은 새천년이 시작될 때 시드니 하버 해안에서 프로덕션, 쇼, 콘서트를 열 수 있는 Forecourt 야외 공연장을 건설한 것입니다.

(한국어: 시드니 오페라 하우스)는 세계에서 가장 유명하고 쉽게 알아볼 수 있는 건물 중 하나이며, 호주 최대 도시인 시드니의 상징이자 호주의 주요 명소 중 하나입니다. 지붕을 형성하는 돛 모양의 껍질이 이 건물을 이루고 있습니다. 세상 어느 곳과도 다른 건물. 오페라 하우스는 현대 건축의 뛰어난 건물 중 하나로 인정받고 있으며 1973년부터 하버 브리지와 함께 시드니의 상징이 되어 왔습니다.

시드니 오페라 하우스는 베넬롱 포인트(Bennelong Point)의 시드니 하버(Sydney Harbour)에 위치해 있습니다. 이곳은 식민지 초대 총독의 친구였던 호주 원주민의 이름을 따서 붙여진 이름입니다. 오페라 하우스가 없는 시드니를 상상하기는 어렵지만 1958년까지는 그 자리에 일반 트램 정거장이 있었습니다(오페라 건물 이전에는 요새가 있었고 그 다음에는 트램 정거장이 있었습니다).

오페라 하우스의 건축가는 덴마크인 Jorn Utzon입니다. 모든 건설 문제를 해결하고 대량 생산, 정밀 제조 및 설치 용이성에 적합한 구형 쉘 개념의 성공에도 불구하고 주로 건물 내부 장식으로 인해 건설이 지연되었습니다. 오페라 건설에는 4년이 걸리고 비용은 AUD 700만 달러로 계획되었습니다. 대신 오페라를 만드는 데 14년이 걸렸고 비용은 1억 2백만 달러에 달했습니다!

시드니 오페라 하우스는 급진적이고 혁신적인 디자인을 갖춘 표현주의 건물입니다. 건물의 면적은 2.2헥타르입니다. 높이는 185m, 최대 폭은 120m이다. 건물의 무게는 161,000톤이고 580개의 더미 위에 세워져 있으며 해수면에서 거의 25m 깊이까지 물속에 잠겨 있습니다. 전력 공급량은 인구 25,000명 도시 한 곳의 전력 소비량과 맞먹습니다. 전기는 645km의 케이블에 걸쳐 분배됩니다.

오페라 하우스의 지붕은 2,194개의 조립식 섹션으로 구성되어 있으며 높이는 67m, 무게는 27톤 이상이며 전체 구조는 350km 길이의 강철 케이블로 고정되어 있습니다. 극장의 지붕은 직경 492피트의 존재하지 않는 콘크리트 구체로 만들어진 일련의 "껍질"로 형성됩니다. 일반적으로 "껍질" 또는 "돛"이라고 부르지만 이것이 그러한 구조의 건축학적 정의는 아닙니다. 이 쉘은 동일한 재료로 제작된 32개의 프리캐스트 리브에 의해 지지되는 조립식 삼각형 모양의 콘크리트 패널로 만들어졌습니다. 모든 리브는 하나의 큰 원의 일부를 형성하므로 지붕의 윤곽이 동일한 모양을 가지며 전체 건물이 완전하고 조화로운 외관을 갖습니다.

지붕 전체는 흰색과 무광택 크림색의 1,056,006개의 아줄레주 타일로 덮여 있습니다. 멀리서 보면 구조 전체가 흰색 타일로 이루어진 것처럼 보이지만 조명 조건에 따라 타일은 서로 다른 색상 구성을 만들어냅니다. 타일을 놓는 기계적인 방법 덕분에 지붕 전체 표면이 완벽하게 매끄러 워졌으며 수동 덮음으로는 불가능했습니다. 모든 타일은 스웨덴 공장 Höganäs AB에서 자체 청소 기술을 사용하여 제조되었지만, 그럼에도 불구하고 일부 타일은 정기적으로 청소 및 교체됩니다.

두 개의 가장 큰 조개 금고는 콘서트 홀과 오페라 극장의 천장을 형성합니다. 다른 방에서는 천장이 작은 둥근 천장 그룹을 형성합니다.

계단식 지붕 구조는 매우 아름다웠지만 건물 내부의 높이 문제가 발생했습니다. 이로 인해 홀에 적절한 음향이 제공되지 않았기 때문입니다. 이 문제를 해결하기 위해 별도의 천장을 만들어 소리를 반사하도록 했습니다. 정문과 웅장한 계단 옆에 있는 가장 작은 껍질에는 Bennelong 레스토랑이 있습니다.

건물 내부는 타라나 지역(뉴 사우스 웨일즈)에서 가져온 분홍색 화강암과 목재, 합판으로 장식되어 있습니다.

이 프로젝트로 Utzon은 2003년 건축계 최고의 영예인 프리츠커상을 수상했습니다. 수상에는 "시드니 오페라 하우스가 그의 걸작임에는 의심의 여지가 없습니다. 이는 20세기의 가장 상징적인 건물 중 하나이며 전 세계적으로 유명해진 특별한 아름다움의 이미지입니다. 도시뿐만 아니라 전국과 대륙 전체에서 "

시드니 오페라 하우스에는 호주의 주요 예술단 4개(호주 오페라, 호주 발레단, 시드니 극단, 시드니 심포니 오케스트라)가 소재하고 있으며, 기타 많은 극단과 극장이 시드니 오페라 하우스에 위치해 있습니다. 이 극장은 도시에서 가장 분주한 공연 예술 센터 중 하나로 매년 약 1,500회 공연을 개최하며 총 관객 수는 120만 명이 넘습니다. 또한 매년 700만 명 이상의 관광객이 방문하는 호주의 가장 인기 있는 명소 중 하나입니다.

오페라 하우스 건물에는 3개의 주요 공연장이 있습니다.

2,679석 규모의 콘서트 홀은 시드니 심포니 오케스트라의 본거지로, 10,000개가 넘는 파이프로 구성된 세계 최대 규모의 기계 오르간을 보유하고 있습니다.

1507석 규모의 오페라 하우스는 시드니 오페라 하우스와 호주 발레단의 본거지입니다.

544석 규모의 드라마 극장(Drama Theatre)은 시드니 극단(Sydney Theatre Company)과 기타 무용 및 극단에서 사용됩니다.

이 세 개의 홀 외에도 시드니 오페라 하우스에는 여러 개의 작은 홀과 스튜디오가 있습니다.

다이아나 담라우(Diana Damrau)는 독일의 오페라이자 콘서트 가수인 콜로라투라 소프라노이다. 다이아나 담라우(Diana Damrau)는 1971년 5월 31일 독일 바이에른 주 귄츠부르크에서 태어났습니다. 클래식 음악과 오페라에 대한 그녀의 사랑은 12살 때 플라시도 도밍고와 테레사 스트라테스가 출연한 프랑코 제피렐리의 아름다운 오페라 영화 '라 트라비아타'(G. 베르디)를 보고 깨어났다고 합니다. 그녀는 15세 때 이웃 마을인 오핑겐의 한 축제에서 뮤지컬 '마이 페어 레이디'에 출연했습니다. 그녀는 뷔르츠부르크 고등 음악 학교에서 루마니아 가수 카르멘 항가누(Carmen Hanganu)를 스승으로 사사하며 성악 교육을 받았으며, 공부하는 동안 잘츠부르크에서 한나 루트비히(Hannah Ludwig)와 에디스 마티스(Edith Mathis)와 함께 공부했습니다. 1995년 음악원을 우등으로 졸업한 다이아나 담라우는 뷔르츠부르크 극장과 2년 계약을 맺고 마이 페어 레이디(My Fair Lady)의 엘리자 역으로 전문 연극 데뷔를 했고, 피가로의 결혼(The Marriage of Figaro)에서 바르바리나 역으로 오페라 데뷔했다. 애니("마술사수"), 그레텔("헨젤과 그레텔"), 마리("왕과 목수"), 아델("다이 플레더마우스"), 발렌시엔("유쾌한 미망인"), 다른 사람. 그런 다음 만하임 국립 극장 및 프랑크푸르트 오페라와 2년 계약을 맺고 Gilda(Rigoletto), Oscar(Un ballo in maschera), Zerbinetta(Ariadne auf Naxos), Olympia(The Tales of Hoffmann) 역을 맡았습니다. 및 Queens of the Night ( "The Magic Flute"). 그녀는 1998/99년 베를린, 드레스덴, 함부르크, 프랑크푸르트 국립 오페라 하우스의 게스트로 밤의 여왕 역을 맡았고, 바이에른 오페라에서는 Zerbinetta 역으로 공연했습니다. 2000년에 Diana Damrau는 밤의 여왕 역으로 비엔나 국립 오페라에서 독일 이외의 지역에서 첫 공연을 펼쳤습니다. 2002년부터 다양한 극장에서 프리랜서 아티스트로 활동해온 그녀는 같은 해 미국 워싱턴 콘서트를 통해 해외 데뷔를 했다. 이후 그녀는 세계 최고의 오페라 무대에서 활동해 왔으며, 담라우 경력의 주요 순간은 코벤트 가든(2003, 밤의 여왕) 데뷔, 2004년 라 스칼라 극장 복원 후 개막식에서였다. 2005년 메트로폴리탄 오페라(Zerbinetta, "Ariadne auf Naxos")에서 안토니오 살리에리의 오페라 "Europe Recognized"의 타이틀 역할, 2006년 잘츠부르크 페스티벌, 뮌헨 올림픽 경기장에서 플라시도 도밍고와 야외 콘서트 2006년 여름 월드컵 개막을 기념하여. Diana Damrau의 오페라 레퍼토리는 매우 다양합니다. 그녀는 이탈리아, 프랑스, ​​독일 오페라의 클래식 소프라노 역할과 현대 작곡가의 작품, 뮤지컬 및 오페레타 경력 초기에 모두 작업합니다. 그녀의 오페라 역할의 수하물은 거의 50에 이르며 이전에 언급한 것 외에도 Marcelina(Fidelio, Beethoven), Leila(The Pearl Fishers, Bizet), Norina(Don Pasquale, Donizetti), Adina(Elisir of Love, Donizetti)가 포함됩니다. ), Lucia("Lucia di Lammermoor", Donizetti), Rita("Rita", Donizetti), Margarita de Valois("The Huguenots", Meyerbeer), Servilia("La Clemenza di Titus", Mozart), Constance and Blonde( "세라리오로부터의 납치", 모차르트), 수잔나("피가로의 결혼", 모차르트), 파미나("마술피리", 모차르트), 로지나("세비야의 이발사", 로시니), 소피(" Der Rosenkavalier", Strauss), Adele("Die Fledermaus", Strauss), Woglind("Das Rheingold" 및 "Twilight of the Gods", Wagner) 외 다수. 오페라에서의 업적 외에도 Diana Damrau는 클래식 레퍼토리 중 최고의 콘서트 연주자 중 한 명으로 자리매김했습니다. 그녀는 Bach, Handel, Mozart, Vincenzo Righini, Beethoven, Robert 및 Clara Schumann, Meyerbeer, Brahms, Fauré, Mahler, Richard Strauss, Zemlinsky, Debussy, Orff, Barber의 오라토리오와 노래를 연주하고 베를린 필하모닉, 카네기에서 정기적으로 공연합니다. 홀, 위그모어 홀, 비엔나 필하모닉 골든 홀은 물론 슈베르티아드, 뮌헨, 잘츠부르크 및 기타 페스티벌의 단골 손님이기도 합니다. 뮌헨 필하모닉 오케스트라와 함께한 Richard Strauss(Poesie)의 노래 CD는 2011년 ECHO Klassik 상을 수상했습니다. Diana Damrau는 제네바에 살고 있으며 2010년 프랑스 베이스 바리톤 Nicolas Teste와 결혼했으며 같은 해 말에 아들 Alexander를 낳았습니다. 아이를 낳은 후 가수는 다시 무대에 복귀해 활발한 활동을 이어가고 있다. 사진: 탄자 니만

Pauline Viardot, 정식 이름 Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot(프랑스어: Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot)는 19세기 프랑스 출신의 대표적인 메조소프라노 가수이자 성악 교사이자 스페인 출신의 작곡가입니다. 폴린 비아르도는 1821년 7월 18일 파리에서 태어났습니다. 스페인 가수이자 교사인 마누엘 가르시아(Maria Malibran의 자매)의 딸이자 학생입니다. 어렸을 때 그녀는 프란츠 리스트와 함께 피아노 연주 기술을 공부했고 피아니스트가 되려고 했지만 놀라운 보컬 능력이 그녀의 직업을 결정하게 되었습니다. 그녀는 유럽의 여러 극장에서 공연했으며 많은 콘서트를 열었습니다. 그녀는 Fides(Meyerbeer의 "The Prophet"), Orpheus(Gluck의 "Orpheus and Eurydice"), Rosina(Rossini의 "The Barber of Seville") 역으로 유명했습니다. 그녀의 절친한 친구인 이반 투르게네프(Ivan Turgenev)가 대본을 쓴 로맨스와 코믹 오페라의 작가입니다. Turgenev의 작품을 프랑스어로 번역한 남편과 함께 그녀는 러시아 문화의 성과를 홍보했습니다. 그녀의 성은 다양한 형태로 표기됩니다. 결혼 전 이름인 가르시아(Garcia)로 명성과 악명을 얻었고, 결혼 후 한동안 가르시아-비아르도(Garcia-Viardot)라는 이중 성을 사용하다가 어느 시점에서 결혼 전 이름을 버리고 자신을 "비아르도 부인"이라고 불렀습니다. 1837년 16세의 폴리나 가르시아는 브뤼셀에서 첫 콘서트를 열었고, 1839년 런던에서 로시니의 오델로에서 데스데모나 역으로 데뷔해 시즌의 하이라이트가 되었습니다. 몇 가지 단점에도 불구하고 소녀의 목소리는 절묘한 기술과 놀라운 열정을 결합했습니다. 1840년에 폴린은 파리 이탈리아극장(Théatre Italien)의 작곡가이자 감독인 루이 비아르도(Louis Viardot)와 결혼했습니다. 아내보다 21살 연상인 남편이 아내의 일을 돌보기 시작했습니다. 1844년 러시아 제국의 수도인 상트페테르부르크에서 그녀는 안토니오 탐부리니(Antonio Tamburini), 조반니 바티스타 루비니(Giovanni Batista Rubini)와 함께 같은 무대에서 공연했습니다. Viardot에는 많은 팬이 있었습니다. 특히 러시아 작가 Ivan Sergeevich Turgenev는 1843년 The Barber of Seville에서 그녀의 공연을 듣고 열정적으로 사랑에 빠졌습니다. 1845년에 그는 폴리나를 따르기 위해 러시아를 떠났고 결국 거의 비아르도 가문의 일원이 되었습니다. 작가는 폴리나의 네 자녀를 자신의 자녀처럼 대하고 죽을 때까지 그녀를 사랑했습니다. 그녀는 그의 작품에 대한 비평가였으며 사회와 인맥에서 그녀의 지위는 작가를 가장 잘 표현했습니다. 그들의 관계의 진정한 성격은 여전히 ​​​​논쟁의 대상입니다. 또한 Pauline Viardot는 Charles Gounod 및 Hector Berlioz를 포함한 다른 훌륭한 사람들과도 소통했습니다. 그녀의 보컬과 극적인 능력으로 유명한 Viardot는 Frédéric Chopin, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns 및 오페라 The Prophet의 저자인 Giacomo Meyerbeer와 같은 작곡가들에게 영감을 주었습니다. 그녀는 자신을 작곡가라고 생각한 적이 없지만 실제로 세 가지 음악 컬렉션을 작곡했으며 특별히 그녀를 위해 만들어진 역할을 위한 음악을 쓰는 데 도움을 주었습니다. 나중에 무대를 떠난 후 그녀는 Le dernier sorcier라는 오페라를 썼습니다. Viardot는 스페인어, 프랑스어, 이탈리아어, 영어, 독일어, 러시아어를 유창하게 구사했으며 작업에 다양한 국가 기술을 사용했습니다. 그녀의 재능 덕분에 그녀는 상트페테르부르크 오페라 하우스(1843-1846)를 포함하여 유럽 최고의 콘서트 홀에서 공연했습니다. Viardot의 인기가 너무 커서 George Sand는 그녀를 소설 Consuelo의 주인공의 프로토 타입으로 만들었습니다. Viardot는 1849년 10월 30일 쇼팽의 장례식에서 Tuba Mirum(Mozart's Requiem)의 메조 소프라노 부분을 불렀습니다. 그녀는 Gluck의 오페라 Orpheus와 Eurydice에서 타이틀 역할을 불렀습니다. 1863년에 Pauline Viardot-Garcia는 무대를 떠나 가족과 함께 프랑스를 떠나(그녀의 남편은 나폴레옹 3세 정권에 반대했습니다) 바덴바덴에 정착했습니다. 나폴레옹 3세가 몰락한 후 비아르도 가문은 프랑스로 돌아와 폴린이 1883년 남편이 사망할 때까지 파리 음악원에서 가르쳤고 생제르맹 거리에서 음악 살롱을 운영하기도 했습니다. Pauline Viardot의 학생 및 학생 중에는 유명한 Desiree Artaud-Padilla, Sophie Rohr-Brainin, Bailodz, Hasselman, Holmsen, Schliemann, Schmeiser, Bilbo-Bachelet, Meyer, Rollant 등이 있습니다. F.V.를 포함하여 많은 러시아 가수들이 그녀와 함께 훌륭한 보컬 학교를 다녔습니다. Litvin, E. Lavrovskaya-Tserteleva, N. Iretskaya, N. Shtemberg. 1910년 5월 18일, 폴린 비아르도는 사랑하는 친척들에 둘러싸여 사망했습니다. 그녀는 파리 몽마르트르 묘지에 묻혔다. 러시아 시인 Alexey Nikolaevich Pleshcheev는 자신의시 "가수에게"(Viardot Garcia)를 그녀에게 헌정했습니다. 사랑의 달콤한 첫눈물을 잊지 않듯이, 매혹적인 사운드의 당신을 잊지 않겠습니다! 당신의 말을 들었을 때 내 가슴의 고통은 겸손해졌고 다시 나는 믿고 사랑할 준비가 되었습니다! 나는 그녀를 잊지 않을 것입니다... 그리고 영감을 받은 여사제로서 넓은 잎의 화환으로 덮인 그녀는 나에게 나타나서... 성스러운 찬송을 불렀고, 그리고 그녀의 시선은 신성한 불로 타올랐습니다... 그때 나는 창백한 것을 보았습니다. 그녀 속에는 데스데모나의 이미지가 있었습니다. 그녀가 금빛 하프 위로 몸을 구부리고 있을 때, 그녀는 버드나무에 관해 노래를 불렀습니다... 그리고 신음 소리가 그 고대 노래의 슬픈 흘러넘침을 방해했습니다. 그녀는 사람들과 그들의 마음의 비밀을 아시는 분을 얼마나 깊이 이해하고 연구했습니까? 그리고 만일 그 큰 분이 무덤에서 일어나신다면 그분은 그의 면류관을 그녀의 이마에 씌워 주실 것입니다. 때때로 로지나는 그녀의 조국의 밤처럼 젊고 열정적으로 나에게 나타났습니다... 그리고 그녀의 마법같은 목소리를 들으며 나는 모든 것이 귀를 매혹시키고 모든 것이 눈을 즐겁게 하는 그 비옥한 땅을 위해 노력했습니다. 하늘은 영원한 푸른빛으로 빛난다. 나이팅게일이 플라타너스 나무 가지 위에서 휘파람을 불고 사이프러스 나무 그림자가 물 표면에서 떨린다! 그리고 내 가슴은 거룩한 기쁨과 순수한 기쁨으로 가득 차고, 불안한 의심은 날아가고, 내 영혼은 고요하고 가벼워졌습니다. 며칠간 이별의 아픔을 겪은 친구처럼 온 세상을 품을 준비가 되어 있었는데... 오! 사랑의 달콤한 첫눈물을 잊지 않듯이, 매혹적인 사운드의 당신을 잊지 않겠습니다!<1846>

율리아 노비코바(Yulia Novikova)는 러시아의 오페라 가수이자 소프라노이다. 율리아 노비코바(Yulia Novikova)는 1983년 상트페테르부르크에서 태어났습니다. 그녀는 4살 때부터 음악을 연주하기 시작했습니다. 그녀는 음악 학교(피아노와 플루트)를 우등으로 졸업했습니다. 9년 동안 그녀는 S.F.의 지휘 아래 상트페테르부르크 텔레비전 및 라디오 어린이 합창단의 단원이자 솔리스트로 활동했습니다. 그리브코바. 2006년에 그녀는 상트페테르부르크 주립 음악원을 우등으로 졸업했습니다. ON. 보컬 수업 중인 림스키-코르사코프(선생님 O.D. Kondina). 음악원에서 공부하는 동안 그녀는 오페라 스튜디오에서 수잔(피가로의 결혼), 세르피나(하녀), 마르타(차르의 신부), 비올레타(라 트라비아타) 역을 연기했습니다. Yulia Novikova의 프로 데뷔는 2006년 Mariinsky Theatre 무대에서 B. Britten의 오페라 The Turn of the Screw(지휘자 V.A. Gergiev 및 P.A. Smelkov)의 Flora 역으로 이루어졌습니다. Julia는 음악원 학생이었을 때 도르트문트 극장에서 첫 번째 영구 계약을 받았습니다. 2006~2008년 Julia는 Dortmund Theatre에서 Olympia (The Tales of Hoffmann), Rosina (The Barber of Seville), Queen of Shemakha (The Golden Cockerel) 및 Gilda (Rigoletto)의 역할뿐만 아니라 The Queen of the Queen의 역할을 수행했습니다. 프랑크푸르트 오페라의 밤(마술피리). 2008~2009시즌. Julia는 밤의 여왕 역할로 프랑크푸르트 오페라로 돌아왔고 본에서도 이 역할을 수행했습니다. 또한 이번 시즌에는 오스카(Un ballo in maschera), 메도로(비발디의 올랜도 퓨리어스), 블론첸(세라글리오의 납치)이 본 오페라에서, 길다 인 뤼베크, 올림피아는 코미셰 오페라(베를린)에서 공연됐다. 시즌 2009-2010 베를린 코미쉐 오페라(Komische Oper)에서 열린 리골레토 초연에서 질다 역을 성공적으로 연기하면서 시작되었습니다. 이어 함부르크와 비엔나 국립 오페라의 밤의 여왕, 베를린 국립 오페라의 길다와 아디나(사랑의 묘약), 스트라스부르 오페라의 제르비네타(Ariadne auf Naxos), 올림피아의 Komische Oper와 슈투트가르트의 Rosina. 줄리아는 2010년 9월 4일과 5일 만토바에서 138개국(프로듀서 A. 안데르만, 지휘자 Z. 메타, 감독 M. 벨로키오, 리골레토 P. 도밍고 등)에 생방송된 <리골레토>의 TV 생방송에서 길다 역을 맡았다. .). 2010-2011 시즌. 줄리아는 본에서 아미나(라 소남불라), 워싱턴에서 노리나(돈 파스콸레), 베를린 코미셰 오페라에서 질다, 프랑크푸르트 오페라에서 올림피아, 비엔나 국립 오페라에서 밤의 여왕 오스카, 제르비네타, 아디나 역으로 공연할 예정입니다. Yulia Novikova도 콘서트에 출연합니다. 줄리아는 뒤스부르크 필하모닉 오케스트라(지휘자 J. Darlington), Deutsche Radio Philharmonie 오케스트라(지휘자 Ch. Poppen), 보르도, 낭시, 파리(샹젤리제 극장), 카네기 홀(뉴욕). 암스테르담 Grachten Festival과 헤이그 Muziekdriedaagse Festival에서 독주회가 열렸고, 부다페스트 오페라에서는 갈라 콘서트가 열렸습니다. 가까운 장래에 우리는 베른 챔버 오케스트라와 함께하는 콘서트와 비엔나에서 새해 콘서트를 가질 예정입니다. Yulia Novikova는 여러 국제 음악 콩쿠르의 우승자이자 수상자입니다. - Operalia(부다페스트, 2009) - 1등상 및 청중상; — 뮤지컬 데뷔(Landau, 2008) - Emmerich Smol Prize 수상자, 수상자; - 새로운 목소리(Gütersloh, 2007) - 관객상; — 제네바 국제 공모전(2007) - 관객상; — 국제 대회의 이름을 따서 명명되었습니다. Vilhelm Stenhammar (Norköpping, 2006) – 현대 스웨덴 음악의 최고 연주에 대한 3등상 및 상. 가수 Yulia Novikova의 공식 웹 사이트 정보 http://www.julianovikova.com/

이리나 콘스탄티노브나 아르키포바 - 소련 및 러시아 오페라 가수, 메조 소프라노, 볼쇼이 극장 솔리스트(1956-1988), 소련 인민 예술가(1966), 레닌 훈장 보유자(1971, 1976, 1985), 수상자 레닌상(1978), 사회주의 노동의 영웅(1984), 러시아 국가상 수상자(1996). 이리나 콘스탄티노브나 아르키포바는 1925년 1월 2일 모스크바에서 태어났습니다. 8세 때 모스크바 음악원 중앙음악학교에 입학했으나 갑작스러운 질병으로 그곳에서 공부할 수 없었다. 나중에 Irina는 Gnessin 학교에 입학했습니다. 위대한 애국 전쟁 중에 그녀와 그녀의 가족은 타슈켄트로 대피하여 모스크바 건축 연구소에 입학했으며 그곳에서도 대피했습니다. 졸업 후 N.M.의 보컬 수업과 동시에 Vorobyovy Gory에 있는 모스크바 주립 대학 건물의 새로운 복합 단지를 포함하여 수도의 여러 시설 설계 및 건설 작업을 진행합니다. Malysheva는 나중에 L. F. Savransky의 노래 수업에서 모스크바 음악원에서 공부했습니다. 1953년에 그녀는 음악원을 졸업했다. 1954-1956년 스베르들롭스크 오페라 및 발레 극장의 솔리스트. 1956-1988년 - 볼쇼이 극장의 솔리스트. 조르주 비제의 동명 오페라에서 카르멘 역을 맡은 그녀의 연기는 전 세계적으로 인정을 받았습니다. 그녀는 이미지에 대한 깊은 내면의 공개와 해석의 사려 깊음이 특징입니다. 그녀는 무대 변신의 재능을 가지고 있었습니다. 1955년부터 그는 해외(오스트리아, 폴란드, 동독, 핀란드, 이탈리아, 헝가리, 루마니아, 체코슬로바키아, 불가리아, 미국, 일본, 프랑스, ​​캐나다)를 순회하며 활동하고 있다. 1967년과 1971년에 그녀는 La Scala에서 노래를 불렀습니다(Marfa 역과 Marina Mniszech 역). 1975년부터 모스크바 음악원에서 가르치고 있으며, 1984년부터 교수로 재직하고 있다. 1980년대에 그녀는 "러시아 로맨스 선집" 콘서트 시리즈를 공연했습니다. 1966년에 그녀는 P.I.차이콥스키 콩쿠르 심사위원으로 초청받았으며, 1967년부터 M.I.글린카 콩쿠르 심사위원단의 상임위원장을 맡고 있습니다. 이후 이탈리아 베르디 보이스 콩쿠르, 마리오 델 모나코 콩쿠르, 벨기에 퀸엘리자베스 콩쿠르, 그리스 마리아 칼라스 콩쿠르, 스페인 프란시스코 비냐스 대회, 파리 성악 대회, 뮌헨 성악 대회. 1974년부터(1994년 제외) 그녀는 차이콥스키 콩쿠르의 "솔로 노래" 부문 심사위원단의 상임 위원장을 맡고 있습니다. 1997년, 아제르바이잔 대통령 헤이다르 알리예프(Heydar Aliyev)와 아제르바이잔 팔라다 불불 오글리(Pallada Bul-Bul Ogly) 문화부 장관의 초청으로 이리나 아르키포바(Irina Arkhipova)는 탄생 100주년을 기념하여 조직된 불불 콩쿠르의 심사위원단을 이끌었습니다. 1986년부터 I.K. 아르히포바(I.K. Arkhipova)는 All-Union Musical Society의 회장을 맡고 있으며, 이 협회는 1990년 말에 국제 음악 노동자 연합(International Union of Musical Workers)으로 변모했습니다. 1983년부터 - Irina Arkhipova 재단 회장. 몰도바 공화국 무지체스쿠의 이름을 딴 국립음악원 명예박사(1998), 러시아-우즈베키스탄 우호협회 회장. 그녀는 6차 소집 당시 소련 최고 소비에트의 대표였습니다. 소련 인민대표(1989-1991). 저서의 저자: “My Muses”(1992), “Music of Life”(1997), “A Brand Called “I””(2005). 가수의 남편은 소련 Vladislav Piavko의 인민 예술가입니다. 아들 - 안드레이. 증손녀 - 이리나. 2010년 1월 19일, Irina Konstantinovna Arkhipova는 심장 병리로 Botkin City Clinical Hospital에 입원했습니다. 2010년 2월 11일 가수가 사망했습니다. 그녀는 2010년 2월 13일 모스크바 노보데비치 묘지에 안장되었습니다.

마리아 칼라스(영어 마리아 칼라스, 출생 증명서에 이름 - Sophia Cecelia Kalos, 영어 Sophia Cecelia Kalos, Cecilia Sophia Anna Maria Kalogeropoulos로 세례 받음 - 그리스어 Μαρ?α Καλογεροπο?λου; 1923년 12월 2일(4), 뉴욕 - 9월 1977년 1월 16일, 파리) - 미국 오페라 가수(소프라노). 마리아 칼라스(Maria Callas)는 리차드 바그너(Richard Wagner)와 아르투로 토스카니니(Arturo Toscanini)와 같은 오페라 개혁가들 사이에 있습니다. 20세기 후반의 문화는 그녀의 이름과 불가분의 관계를 맺고 있다. 1950년대 초반, 포스트모더니즘 현상이 일어나기 전, 19세기 오페라가 미학적 시대착오로 변질되던 때, 마리아 칼라스는 오페라 예술을 올림푸스 무대의 정상에 올려놓았다. 벨칸토 시대를 부활시킨 마리아 칼라스는 벨리니(Bellini), 로시니(Rossini), 도니제티(Donizetti) 오페라의 거장 콜로라투라(virtuoso coloratura)에만 국한되지 않고 그녀의 목소리를 주요 표현 수단으로 전환했습니다. 그녀는 Spontini의 Vestales와 같은 클래식 오페라 세리아부터 Verdi의 최신 오페라, Puccini의 베리스트 오페라, Wagner의 뮤지컬 드라마에 이르기까지 다양한 레퍼토리를 갖춘 다재다능한 가수가 되었습니다. 20세기 중반 Callas의 경력이 높아지면서 EMI 음반 회사 Walter Legge의 저명한 인물과의 우정과 녹음 분야에서 오랫동안 연주된 음반이 등장했습니다. 헤르베르트 폰 카라얀, 레너드 번스타인 등 신세대 지휘자들과 루키노 비스콘티, 프랑코 제피렐리 등 영화감독들의 오페라 무대 등장은 마리아 칼라스의 참여로 모든 공연을 하나의 사건으로 만들었다. 그녀는 오페라를 진정한 드라마 극장으로 바꾸어 "트릴과 스케일도 기쁨, 불안 또는 우울함을 표현"하게 만들었습니다. 마리아 칼라스는 뉴욕에서 그리스 이민자 가정에서 태어났습니다. 1936년 마리아의 어머니 에반젤리아(Evangelia)는 딸의 음악 교육을 계속하기 위해 아테네로 돌아왔습니다. 어머니는 자신의 실패한 재능을 딸에게 구현하고 싶었고 딸을 5번가에 있는 뉴욕 도서관으로 데려가기 시작했습니다. 마리아는 3살 때 클래식 음악을 듣기 시작했고, 5살 때 피아노 레슨을, 8살 때 보컬 레슨을 받기 시작했습니다. 14세에 마리아는 전 스페인 가수 엘비라 데 이달고(Elvira de Hidalgo)의 지도 아래 아테네 음악원에서 공부하기 시작했습니다. 1941년 7월, 독일이 점령한 아테네에서 마리아 칼라스는 토스카 역으로 아테네 오페라에 데뷔했습니다. 1945년 마리아 칼라스는 뉴욕으로 돌아왔습니다. 일련의 실패가 이어졌습니다. 그녀는 토스카니니를 소개받지 못했고, 체중이 너무 커서 메트로폴리탄 오페라에서 Cio-Cio-San 역을 부르기를 거부했으며, 시카고에서 리릭 오페라가 부활하기를 희망했습니다. 노래를 부르고 싶었지만, 깜짝 놀랐습니다. 1947년 칼라스는 툴리오 세라피나(Tullio Serafina)가 지휘한 폰키엘리(Ponchielli)의 오페라 라 조콘다(La Gioconda)로 아레나 디 베로나 원형극장 무대에 데뷔했습니다. Serafin과의 만남은 Callas 자신이 말했듯이 "내 경력의 진정한 시작이자 내 인생의 가장 큰 성공"이었습니다. Tullio Serafin은 칼라스에게 그랜드 오페라의 세계를 소개합니다. 그녀는 1948년 말에 베르디의 아이다와 벨리니의 노르마에서 첫 번째 역할을 노래합니다. 1949년 초, 일주일 동안 Wagner의 "Die Walküre"의 Brünnhilde와 Bellini의 "The Puritans"의 Elvira의 음성적으로 호환되지 않는 부분이 가수 Maria Callas의 창의적인 현상을 일으켰습니다. 그녀는 서정적이고 극적이며 콜로라투라 파트를 불렀는데, 이는 "한 목에 네 목소리"라는 노래의 기적이었습니다. 1949년 칼라스는 남아메리카로 여행을 떠났다. 1950년 라 스칼라에서 처음으로 노래를 부르며 '이탈리아 프리마돈나의 여왕'이 됐다. 1953년 EMI는 처음으로 마리아 칼라스와 함께 오페라 전체 녹음을 발표했습니다. 같은 해 그녀는 30kg을 감량했다. 변신한 칼라스는 유럽과 미국의 오페라 무대에서 관객을 사로잡는다: 도니제티의 “Lucia di Lammermoor”, 벨리니의 “Norma”, 케루비니의 “Medea”, 베르디의 “Il Trovatore”, “Macbeth”, “Tosca” " 푸치니의 말이다. 1957년 9월 베니스의 언론인 엘사 맥스웰(Elsa Maxwell)의 생일을 기념하는 무도회에서 마리아 칼라스는 처음으로 아리스토텔레스 오나시스(Aristotle Onassis)를 만났습니다. 1959년 봄, 그들은 베니스의 한 무도회에서 다시 만났습니다. 그 후 Onassis는 Callas 콘서트를 위해 런던으로갔습니다. 콘서트가 끝난 후 그는 그녀와 그녀의 남편을 자신의 요트에 초대했습니다. 1959년 11월 말, 오나시스의 아내 티나가 이혼 소송을 제기했고, 당시 칼라스와 오나시스는 공개적으로 함께 사회에 모습을 드러냈다. 부부는 거의 끊임없이 다투었고 1968년 마리아 칼라스는 신문을 통해 아리스토텔레스 오나시스가 재클린 케네디 미국 대통령의 미망인과 결혼했다는 사실을 알게 되었습니다. 1959년, 성공적인 경력의 전환점이 발생합니다. 이것은 그의 목소리 상실, 일련의 스캔들, 이혼, 메트로폴리탄 오페라와의 단절, 라 스칼라에서 강제 출발, 아리스토텔레스 오나시스에 대한 불행한 사랑, 아이의 상실로 인해 촉진되었습니다. 1964년 무대 복귀 시도는 또다시 실패로 끝난다. 베로나에서 마리아 칼라스는 지역 산업가인 조반니 바티스타 메네기니(Giovanni Batista Meneghini)를 만났습니다. 그는 그녀보다 두 배나 나이가 많았고 오페라를 열정적으로 사랑했습니다. 곧 Giovanni는 Maria에게 자신의 사랑을 고백하고 사업을 완전히 매각하고 Callas에게 헌신했습니다. 1949년 마리아 칼라스와 조반니 메네기니가 결혼했습니다. 그는 충실한 남편, 사랑이 많은 아버지, 헌신적인 매니저, 관대한 프로듀서 등 마리아의 모든 것이 되었습니다. 1969년 이탈리아 감독 피에르 파올로 파졸리니(Pier Paolo Pasolini)는 마리아 칼라스(Maria Callas)를 동명의 영화에서 메데이아 역으로 초대했습니다. 이 영화는 상업적으로 성공하지는 못했지만 파솔리니의 다른 모든 작품과 마찬가지로 영화적으로 큰 관심을 끌었습니다. 메데이아 역은 마리아 칼라스에게 오페라 이외의 유일한 역이었다. 마리아 칼라스(Maria Callas)는 인생의 마지막 몇 년 동안 아파트를 떠나지 않고 파리에서 살았으며 1977년 그곳에서 사망했습니다. 그녀는 화장되어 Père Lachaise Cemetery에 묻혔습니다. 나중에 그녀의 재는 에게해에 뿌려졌습니다. 이탈리아의 음성학자(성대 질환 전문의) Franco Fussi와 Nico Paolillo는 오페라 디바 Maria Callas의 가장 유력한 사망 원인을 확립했다고 이탈리아 La Stampa(Parterre Box에서 영어로 번역된 기사 출판)에 썼습니다. 연구에 따르면 칼라스는 결합 조직과 평활근에 발생하는 희귀 질환인 피부근염으로 사망했습니다. Fussi와 Paolillo는 수년에 걸쳐 Callas의 녹음을 연구하고 그녀의 목소리가 점차 악화되는 것을 분석함으로써 이러한 결론에 도달했습니다. 스튜디오 녹음과 콘서트 공연에 대한 분광학적 분석에 따르면 1960년대 후반 그녀의 보컬 능력 저하가 명백해졌을 때 칼라스의 보컬 범위는 실제로 소프라노에서 메조 소프라노로 변경되었으며, 이는 그녀의 고음 사운드의 변화를 설명합니다. 또한, 그녀의 후기 콘서트에 대한 신중한 연구 영상을 통해 가수의 근육이 크게 약해진 것으로 나타났습니다: 숨을 쉴 때 가슴이 거의 올라가지 않았고, 숨을 들이마실 때 가수는 어깨를 들어 올리고 삼각근을 긴장시켰습니다. , 그녀는 성대 근육을 지탱할 때 가장 흔한 실수를 저질렀습니다. 마리아 칼라스의 사망 원인은 확실하지 않지만 가수가 심장 마비로 사망했다고 믿어집니다. Fussi와 Paolillo에 따르면, 그들의 연구 결과는 심근경색이 피부근염의 합병증이었다는 것을 직접적으로 나타냅니다. Callas가 사망하기 직전에 의사 Mario Giacovazzo에 의해 이러한 진단(피부근염)을 내린 것은 주목할 만합니다(이는 2002년에야 알려졌습니다). 마리아 칼라스 산투자의 오페라 역할 - 마스카니의 "명예 루스티카나"(1938, 아테네) 토스카 - 푸치니의 "토스카"(1941, 아테네 오페라) 조콘다 - 폰키엘리의 "라 조콘다"(1947, 아레나 디 베로나) 투란도트 - 푸치니의 "투란도트" ( 1948, 카를로 펠리체(제노아) 아이다 - 베르디의 아이다(1948, 뉴욕 메트로폴리탄 오페라) 노마 - 벨리니의 노마(1948, 1956, 메트로폴리탄 오페라, 1952, 코벤트 가든), 런던, 1954, 시카고 리릭 오페라) 브룬힐데 - 바그너의 발퀴레(1949-1950, 메트로폴리탄 오페라) 엘비라 - 벨리니의 청교도들(1949-1950, 메트로폴리탄 오페라) 엘레나 - 시칠리아 저녁기도 "베르디(1951, 밀라노 라 스칼라) 쿤드리 - 바그너의 파르지팔(라 스칼라) 비올레타 - 베르디의 라 트라비아타( 라 스칼라) 메데아 - 케루비니의 메데아(1953, 라 스칼라) 줄리아 - 스폰티니의 "베스타"(1954, 라 스칼라) 길다 - 베르디의 "리골레토"(1955, 라 스칼라) 나비부인(시오치오산) - 푸치니(라 스칼라) 레이디 맥베스의 "나비 부인" - 베르디 페도라의 "맥베스" - 지오다노 안나 볼린의 "페도라" - 도니제티 루시아의 "앤 볼린" - 도니제티 아미나의 "루치아 디 라머무어" - 라 소남불라의 "라 소남불라" 벨리니 카르멘 - 비제의 '카르멘'

Natalie Dessay (Nathalie Dessaix 출생)는 프랑스 오페라 가수 콜로라투라 소프라노입니다. 우리 시대를 대표하는 가수 중 한 명인 그녀는 경력 초기에는 매우 높고 투명한 목소리로 유명했지만 지금은 낮은 음역에서 노래합니다. 뛰어난 연기력과 발랄한 유머 감각으로 시청자들의 사랑을 받고 있다. 나탈리 드세이(Nathalie Dessay)는 1965년 4월 19일 리옹에서 태어나 보르도에서 자랐습니다. 학교에 다니는 동안 그녀는 여배우 나탈리 우드(Natalie Wood)를 기리기 위해 이름에서 "h"를 삭제하고 나중에 성의 철자를 단순화했습니다. 젊었을 때 드세이는 발레리나나 배우를 꿈꾸며 연기 수업을 받았지만, 어느 날 잘 알려지지 않은 18세기 연극에서 동료 학생들과 놀다가 노래를 불러야 했고, 마술피리 중 파미나의 아리아를 불렀다. 모두가 놀랐고 그녀는 음악에 관심을 바꾸라는 조언을 받았습니다. 나탈리는 보르도 국립 음악원에 입학하여 단 1년 만에 5년 과정을 마치고 1985년에 우등으로 졸업했습니다. 음악원을 졸업한 후 그녀는 툴루즈 국회의사당 국립 오케스트라와 함께 일했습니다. 1989년에 그녀는 France Telecom이 개최한 New Voices 대회에서 2위를 차지하여 파리 오페라 서정 예술 학교에서 1년 동안 공부하고 그곳에서 모차르트의 The Shepherd King에서 엘리자 역을 맡았습니다. 1992년 봄, 그녀는 오페라 바스티유에서 오펜바흐의 "호프만의 이야기"에서 올림피아 단역을 불렀고, 그녀의 파트너는 호세 반 담이었고, 제작은 비평가들과 관객들을 실망시켰지만, 젊은 가수는 박수를 받고 주목을 받았습니다. . 이 역할은 그녀에게 상징적인 역할이 되었고, 2001년까지 그녀는 La Scala에서의 데뷔를 포함해 8개의 다른 작품에서 올림피아 역을 맡았습니다. 1993년 나탈리 데세이(Nathalie Dessay)는 비엔나 오페라가 주최한 국제 모차르트 콩쿠르에서 우승했으며 비엔나 오페라에서 계속 공부하고 공연했습니다. 여기에서 그녀는 모차르트의 The Abduction from the Seraglio에서 블론드 역을 불렀는데, 이 역은 그녀의 가장 잘 알려지고 가장 자주 공연되는 역할 중 하나가 되었습니다. 1993년 12월, 나탈리는 비엔나 오페라에서 이미 유명한 올림피아 역을 맡은 셰릴 스튜더(Cheryl Studer)를 대신해 제의를 받았습니다. 그녀의 공연은 비엔나 관객들로부터 인정을 받고 플라시도 도밍고로부터 칭찬을 받았으며 같은 해 리옹 오페라에서 이 역할을 수행했습니다. Nathalie Dessay의 국제적인 경력은 비엔나 오페라에서의 공연으로 시작되었습니다. 1990년대에 그녀의 인지도는 지속적으로 커지고 역할 레퍼토리는 지속적으로 확장되었으며 많은 제안을 받았습니다. 그녀는 메트로폴리탄 오페라, 라 스칼라, 바이에른 오페라, 코벤트 가든, 오페라 등 세계 최고의 오페라 하우스에서 공연했습니다. 비엔나 오페라 등. 여배우 드세이의 특징은 오페라 가수는 연극 70%, 음악 30%로 구성되어야 한다고 믿으며 자신의 역할을 노래하는 것뿐만 아니라 극적으로 연기하기 위해 노력한다는 점이다. 그래서 그녀의 캐릭터 하나 하나가 새로운 발견이다. , 결코 다른 사람들을 좋아하지 않습니다. 2001/2002 시즌에 Dessay는 보컬 문제를 경험하기 시작했고 공연과 단독 콘서트를 취소해야 했습니다. 그녀는 무대를 떠나 2002년 7월 성대 폴립 제거 수술을 받았고, 2003년 2월 파리 단독 콘서트로 돌아와 활발한 활동을 이어갔다. 2004/2005 시즌에 Nathalie Dessay는 두 번째 수술을 받아야 했습니다. 2005년 5월 몬트리올에서 새로운 공개 행사가 열렸습니다. Nathalie Dessay의 복귀는 그녀의 서정적 레퍼토리의 방향 전환을 동반했습니다. 그녀는 깊이가 없는 "쉬운" 역할(리골레토의 길다 등)이나 더 이상 플레이하고 싶지 않은 역할(밤의 여왕 또는 올림피아)을 거절하고 더 "비극적인" 캐릭터를 선호합니다. 처음에는 이 입장으로 인해 일부 이사 및 동료들과 심각한 의견 차이가 발생했습니다. 오늘날 Nathalie Dessay는 그녀의 경력의 정점에 있으며 우리 시대의 선도적인 소프라노입니다. 주로 미국에서 거주하고 공연하지만 유럽에서는 꾸준히 투어를 하고 있습니다. 러시아 팬들은 그녀를 2010년 상트페테르부르크에서, 2011년 모스크바에서 볼 수 있었다. 2011년 초 그녀는 오페라 가르니에에서 헨델의 <율리우스 카이사르>에서 클레오파트라 역을 (처음으로) 불렀고, 메트로폴리탄 오페라로 복귀했다. 그녀의 전통적인 " Lucia di Lammermoor "는 파리와 런던에서 "Pelléas et Mélisande"콘서트 버전과 모스크바에서 콘서트로 다시 유럽으로 돌아 왔습니다. 가수는 가까운 미래에 많은 프로젝트를 진행하고 있습니다. 2011년 비엔나의 '라 트라비아타', 2012년 메트로폴리탄 오페라, 2013년 메트로폴리탄 오페라의 '줄리우스 카이사르'의 클레오파트라, 파리 오페라의 '마농', 2012년 메트로폴리탄 오페라의 라 스칼라. 2012년, 마리("연대의 딸")가 2013년 파리에서, 엘비라가 2014년 메트로폴리탄에서 공연했습니다. Nathalie Dessay는 베이스 바리톤인 Laurent Naouri와 결혼하여 두 자녀를 두었습니다. 오페라 무대에서 그들은 스타 커플 Alanya-Georgiou와 달리 매우 드물게 함께 볼 수 있습니다. 사실 바리톤-소프라노의 경우 테너-소프라노보다 레퍼토리가 훨씬 적습니다. 남편을 위해 Dessay는 자신의 종교인 유대교를 받아들였습니다.

조이스 디도나토(Joyce DiDonato)는 미국의 유명한 오페라 가수 메조소프라노입니다. 우리 시대 최고의 메조소프라노 중 한 사람이자 조아키노 로시니 작품의 최고의 해석자로 간주됩니다. Joyce DiDonato(성씨는 Joyce Flaherty)는 1969년 2월 13일 미국 캔자스 주 프리어 빌리지에서 아일랜드계 가정에서 일곱 자녀 중 여섯 번째로 태어났습니다. 그녀의 아버지는 지역 교회 합창단의 지휘자였으며 조이스는 그곳에서 노래를 불렀고 브로드웨이 스타가 되는 꿈을 꾸었습니다. 1988년에 그녀는 위치타 주립대학교에 입학하여 보컬을 공부했습니다. 대학 졸업 후 Joyce DiDonato는 음악 교육을 계속하기로 결정하고 1992년 필라델피아에 있는 성악 예술 아카데미에 입학했습니다. 아카데미를 마친 후 그녀는 수년 동안 다양한 오페라단의 "젊은 예술가" 훈련 프로그램에 참여했습니다. 1995년 산타페 오페라에서 음악 연습을 받고 큰 무대에서 오페라 데뷔를 했지만 지금까지는 미성년자였습니다. W.A. Mozart의 오페라 "The Marriage of Figaro", R. Strauss의 "Salome", I. Kalman의 "Countess Maritza"에서의 역할; 1996년부터 1998년까지 - 휴스턴 그랜드 오페라에서 최고의 "초보자"로 인정받았습니다. 1997년 여름 - 샌프란시스코 오페라에서 메롤라 오페라 훈련 프로그램을 받았습니다. 학업과 초기 연습 기간 동안 Joyce DiDonato는 여러 유명한 성악 대회에 참가했습니다. 1996년 그녀는 휴스턴에서 열린 Eleanor McCollum 콩쿠르에서 2위를 했고 메트로폴리탄 오페라 콩쿠르의 지역 오디션에서 우승했습니다. 1997년에 그녀는 윌리엄 설리반 상(William Sullivan Award)을 수상했습니다. 1998년 함부르크 플라시도 도밍고 콩쿠르에서 2위, 조지 런던 콩쿠르에서 1위를 차지했다. 이후 몇 년 동안 그녀는 더 많은 상과 상을 받았습니다. Joyce DiDonato는 1998년 미국의 여러 지역 오페라단, 특히 휴스턴 그랜드 오페라(Houston Grand Opera)에서 공연하면서 전문 경력을 시작했습니다. 그리고 그녀는 Mark Adamo의 오페라 "Little Woman"의 텔레비전 세계 초연에 출연한 덕분에 폭넓은 청중에게 알려지게 되었습니다. 2000-2001 시즌. DiDonato는 Rossini의 Cinderella에서 Angelina로 La Scala에서 곧바로 시작하여 유럽 데뷔를 했습니다. 다음 시즌에 그녀는 네덜란드 오페라에서 헨델의 율리우스 카이사르의 자매 역으로, 파리 오페라에서 로시니의 세비야의 이발사에서 로지나 역으로, 바이에른 국립 오페라에서는 마자르트의 <피가로의 노래>에서 케루비노 역으로 공연하면서 유럽 관객들과의 친분을 넓혔습니다. 리카르도 무티(Riccardo Muti)와 라 스칼라 오케스트라(La Scala Orchestra)가 함께한 비발디의 콘서트 프로그램 "Glory"와 F. 파리의 멘델스존. 같은 시즌에 그녀는 W.A. 모차르트의 "That's What All Women Do"에서 도라벨라 역으로 워싱턴 주립 오페라에서 미국 데뷔를 했습니다. 이때 Joyce DiDonato는 이미 세계적인 명성을 얻은 진정한 오페라 스타가 되어 청중의 사랑을 받고 언론의 찬사를 받았습니다. 그녀의 추가 경력은 순회 지역을 확장하고 새로운 오페라 하우스와 페스티벌의 문을 열었습니다. 코벤트 가든(2002), 메트로폴리탄 오페라(2005), 바스티유 오페라(2002), 마드리드의 Teatro Real, 도쿄의 신국립극장, 비엔나 국립극장 오페라 및 기타 Joyce DiDonato는 다양한 음악 상과 상을 풍부하게 수집했습니다. 비평가들이 지적했듯이 이것은 아마도 현대 오페라 세계에서 가장 성공적이고 순조로운 경력 중 하나일 것입니다. 그리고 2009년 7월 7일 코벤트 가든 무대에서 <세비야의 이발사> 공연 중 조이스 디도나토가 무대에서 미끄러져 다리가 부러지는 사고가 발생했지만 그녀는 목발을 짚고 공연을 마쳤습니다. 이후 계획된 공연은 그녀가 휠체어에서 공연하여 청중에게 많은 즐거움을 선사했습니다. 이 "전설적인" 사건은 DVD로 포착되었습니다. Joyce DiDonato는 지난 2010-2011 시즌을 잘츠부르크 페스티벌과 함께 시작했으며, Edita Gruberova가 Norma 역을 맡아 Belinni의 "Norma"에서 Adalgiz로 데뷔한 후 Edinburgh 페스티벌에서 콘서트 프로그램으로 데뷔했습니다. 가을에 베를린에서 그녀는 The Barber of Seville에서 Rosina 역을, 마드리드에서는 Der Rosenkavalier에서 Octavian 역을 연기했습니다. 올해는 독일 녹음 아카데미 "ECHO Klassik"에서 처음으로 Joyce DiDonato를 "2010년 최고의 여성 가수"로 선정한 또 다른 상으로 마무리되었습니다. 다음 두 상은 클래식 음악 "Gramophone"에 관한 영국 잡지에서 수여되었으며, 그녀는 "올해의 최고 아티스트"로 선정되었으며 Rossini의 아리아가 포함된 디스크를 최고의 "올해의 리사이틀"로 선택했습니다. 미국에서 시즌을 이어가며 그녀는 휴스턴에서 공연한 후 카네기 홀에서 단독 콘서트를 가졌습니다. 메트로폴리탄 오페라는 Rossini의 "Count Ory"의 Isolier 페이지와 R. Strauss의 "Ariadne auf Naxos"의 작곡가라는 두 가지 역할로 그녀를 환영했습니다. 그녀는 바덴바덴, 파리, 런던, 발렌시아 투어를 통해 유럽 시즌을 마쳤습니다. 가수의 웹사이트에는 그녀의 향후 공연에 대한 바쁜 일정이 나와 있는데, 이 목록에는 2012년 상반기에만 유럽과 미국에서 약 40회 공연이 포함되어 있습니다. Joyce DiDonato는 현재 이탈리아 지휘자 Leonardo Vordoni와 결혼하여 미국 미주리주 캔자스시티에 거주하고 있습니다. Joyce는 대학 졸업 후 바로 결혼한 첫 남편의 성을 계속 사용하고 있습니다.

Elina Garanca는 라트비아의 메조소프라노 가수이자 우리 시대 최고의 오페라 가수 중 한 명입니다. 엘리나 가란차(Elina Garanča)는 1976년 9월 16일 리가에서 음악가 집안에서 태어났습니다. 그녀의 아버지는 합창 지휘자이고 어머니 아니타 가란차(Anita Garanča)는 라트비아 음악 아카데미 교수이자 라트비아 문화 아카데미 부교수입니다. , 라트비아 국립 오페라의 성악 교사입니다. 1996년 Elina Garanča는 리가의 라트비아 음악 아카데미에 입학하여 Sergei Martynov와 보컬을 공부했으며 1998년부터 비엔나에서 Irina Gavrilovich, 그리고 미국의 Virginia Zeani와 함께 공부를 계속했습니다. 공부하는 동안 Elina에게 가장 깊은 영향을 준 사건 중 하나는 1998년 Gaetano Donizetti의 오페라 "Anne Boleyn"에서 Jane Seymour의 역할을 연기한 것이었습니다. Garanča는 10일 만에 역할을 배웠고 벨칸토에 대한 깊은 동정심을 발견했습니다. 레퍼토리. 학업을 마친 후 Garancza는 독일 마이닝겐에 있는 남부 튀링겐 주립 극장에서 Der Rosenkavalier의 옥타비안 역으로 전문 오페라 데뷔를 했습니다. 1999년 핀란드 헬싱키에서 열린 미리암 헬린 보컬 콩쿠르에서 우승했다. 2000년에 Elina Garanča는 라트비아 국립 공연 콩쿠르에서 본상을 수상한 후 극단에 합류하여 프랑크푸르트 오페라에서 일하면서 마술피리의 두 번째 부인 역, Humperdinck의 Hansel과 Gretel의 Hansel 역을 연기했습니다. 그리고 세비야 이발사의 로지나." 2001년에 그녀는 카디프에서 열린 권위 있는 오페라 가수 국제 콩쿠르에서 결선 진출자가 되었고 오페라 아리아 프로그램이 포함된 데뷔 솔로 앨범을 발표했습니다. 이 젊은 가수는 2003년 잘츠부르크 페스티벌에서 니콜라우스 아르농쿠르(Nikolaus Harnoncourt)가 지휘한 모차르트의 <티토의 노래>(La Clemenza di Tito) 제작에서 안니오 역을 맡아 국제적으로 주목을 받았습니다. 이 성과에 이어 성공과 수많은 계약이 이루어졌습니다. 주요 작업 장소는 비엔나 국립 오페라였으며 Garanča는 2003-2004년 Werther에서 Charlotte 역을, That's What Everybody Do에서 Dorabella 역을 맡았습니다. 프랑스에서 그녀는 Théâtre des Champs-Élysées(Rossini의 Cenerentola의 Angelina)에 처음 출연한 후 파리 오페라(Opera Garnier)에서 Octavian 역으로 출연했습니다. 2007년 Elina Garanča는 라트비아 국립 오페라에서 그녀의 고향인 리가의 메인 오페라 무대에서 카르멘 역으로 처음으로 공연했습니다. 같은 해 그녀는 베를린 국립 오페라(Sextus)와 런던의 코벤트 가든 왕립 극장(Dorabella)에서 데뷔했으며, 2008년에는 뉴욕 메트로폴리탄 오페라에서 "The Barber"에서 Rosina 역으로 데뷔했습니다. of Seville'과 뮌헨의 바이에른 오페라(Adalgiza)에서 공연되었습니다. 현재 Elina Garanča는 아름다운 목소리, 음악성, 설득력 있는 드라마적 재능 덕분에 가장 뛰어난 뮤지컬 스타 중 한 명으로 세계 최고의 오페라 하우스와 콘서트장 무대에서 공연하고 있습니다. 비평가들은 Garanča가 자신의 목소리를 휘두르는 용이성, 속도 및 절대적인 편안함과 그녀가 19세기 초의 복잡한 Rossini 레퍼토리에 현대 보컬 기술을 적용한 성공에 주목했습니다. Elina Garanča는 그래미상을 수상한 Antonio Vivaldi의 La Bayazet(Fabio Biondi가 지휘) 녹음을 포함하여 상당한 양의 오디오 및 비디오 녹음 컬렉션을 보유하고 있습니다. 여기서 Elina는 Andronicus 역을 맡았습니다. Elina Garanča는 영국인 지휘자 Karel Mark Chichon과 결혼했으며, 두 사람은 2011년 10월 말 첫 아이를 출산할 예정입니다.

Elena Vasilievna Obraztsova는 소련과 러시아의 오페라 가수 메조소프라노입니다. 소련 인민 예술가, 레닌상 수상자, 사회주의 노동 영웅. 우리 시대의 유명한 가수 중 한 명. Elena Vasilievna Obraztsova는 1939년 7월 7일 레닌그라드에서 태어났습니다. 위대한 애국 전쟁 중에 그녀와 그녀의 가족은 레닌그라드에서 Ustyuzhna로 대피했습니다. 음악은 엘레나의 어린 시절에 없어서는 안 될 부분이었습니다. 직업 엔지니어인 그녀의 아버지는 아름다운 바리톤을 갖고 있었고 바이올린도 잘 연주했습니다. 그녀는 집에서 음악을 듣던 저녁 시간을 항상 기억할 것입니다. 1948-1954년에 그녀는 레닌그라드 개척자 궁전의 어린이 합창단에서 노래를 불렀습니다. A.A. Zhdanov (합창단 감독 - M.F. Zarinskaya). 1954~1957년 아버지의 공식 전근으로 인해 가족은 Taganrog에 살았고 Elena는 그곳에서 PI Music School에서 공부했습니다. Anna Timofeevna Kulikova 선생님과 차이코프스키. 음악 학교의 보고 콘서트에서 Obraztsova는 M.A. Rostov Music School의 이사로부터 들었습니다. Mankovskaya와 1957년 그녀의 추천으로 Elena는 즉시 2학년으로 입학했습니다. 1년 후인 1958년 8월 오디션에 합격해 LGK 준비부에 입사했다. ON. 림스키-코르사코프. 1962년 그녀는 All-Union Vocal Competition에서 1위를 차지했습니다. 미. 헬싱키에서 열린 세계 청소년 및 학생 축제에서 글린카와 금메달. 1963년 12월 17일, 음악원 학생이었던 E. Obraztsova는 M. P. Mussorgsky의 오페라 "Boris Godunov"에서 Marina Mnishek으로 볼쇼이 극장 무대에 데뷔했습니다. 1964년에 그녀는 외부 학생으로 레닌그라드 주립 음악원을 졸업했습니다. ON. Rimsky-Korsakov, A.A. 교수 수업 Grigorieva (A.N. Kireev의 오페라 클래스). 졸업 위원회 위원장인 Sofya Petrovna Preobrazhenskaya는 Elena Obraztsova에게 5점을 부여했습니다. 이는 약 40년 동안 레닌그라드 음악원에서 주어지지 않았던 등급입니다. 같은 해에 그녀는 볼쇼이 극장의 영구 솔리스트가 되었습니다. 자연은 Elena Obraztsova를 아낌없이 선물했습니다. 그녀는 보기 드문 아름다움의 음색, 벨벳, 오르간의 풍부한 사운드, 밝은 무대 모습을 가지고 있어 오페라 여주인공에게 보기 드문 예술적 안도감과 표현력, 진정한 극적인 여배우의 재능을 선사합니다. 1964 년 볼쇼이 극장 극단의 일원 인 Elena Obraztsova는 La Scala 무대에서 오페라 Khovanshchina에서 Marfa로, 오페라 War and Peace에서 Marie로 공연했습니다. Obraztsova의 이탈리아 공연은 큰 성공을 거두었고 1977년 그녀는 G.의 오페라 Don Carlos에서 Eboli 공주 역으로 La Scala에서 200주년 시즌을 열도록 초대되었습니다. 베르디. 1975년 엘레나 오브라초바(Elena Obraztsova)는 볼쇼이 극장과 함께 미국으로 투어를 떠났습니다. 연극 '보리스 고두노프' 도중 마리나 므니셰크 역을 맡은 오브라초바는 열광적인 관중들에 의해 다섯 번이나 무대 위로 올라와 공연이 중단됐다. Elena Obraztsova는 미국에서 승리를 거두며 마침내 그녀를 세계적인 오페라 스타로 자리매김했습니다. 몇 달 후 Elena Obraztsova는 샌프란시스코 오페라 시즌을 여는 공연인 Il Trovatore에서 공연했으며 그녀의 파트너는 Luciano Pavarotti와 Joan Sutherland였습니다. 1976년 이미 메트로폴리탄 오페라의 객원 솔리스트로 활동하고 있던 오브라초바는 베르디의 아이다에서 암네리스 역을 맡아 센세이션을 일으켰습니다. 1977년 Obraztsova는 메트로폴리탄에서 Delilah 역을 맡았습니다. New York Times의 평론가인 Thor Eckert는 다음과 같이 썼습니다. "저는 2.5옥타브를 그토록 쉽게 마스터할 수 있는 Delilah의 말을 들어본 적이 없을 것입니다. Obraztsova는 긴장의 그림자 없이 이 가장 어려운 부분을 연주합니다." Franco Zeffirelli는 영화 "Rural Honor"(1982)에서 Santuzzi 역으로 초대되었습니다. Zeffirelli는 "내 인생에는 세 가지 충격이 있었습니다. Anna Magnani, Maria Callas, Elena Obraztsova는 영화 "Rural Honor"를 촬영하는 동안 기적을 일으켰습니다. 전체적으로 Elena Obraztsova의 레퍼토리에는 러시아 및 외국 고전 레퍼토리의 오페라와 20세기 작곡가의 오페라에서 86개의 역할이 포함되어 있습니다. 그녀의 역할 중 다수는 현대 오페라 무대의 살아있는 고전이 되었습니다. Marina Mnishek(Boris Godunov) , 1963), The Governess, Polina, Milovzor ( 1964), Countess (1965, "The Queen of Spades"), Lyubasha ( "The Tsar's Bride", 1967), Konchakovna ( "Prince Igor", 1968), Marfa (" Khovanshchina", 1968). Lyubava("Sadko", 1979), Amneris("Aida", 1965), Azucena("Troubadour", 1972), Eboli("Don Carlos", 1973), Santuzza("Rural Honor", 1977), Ulrika(" Masquerade Ball', 1977), Princess de Bouillon('Adrienne Lecouvreur', 1977), Adalgiza('Norma', 1979), Giovanna Seymour('Anne Boleyn', 1982), Orpheus('Orpheus and Eurydice', 1984), Neris("Medea", 1989), Leonora("The Favorite", 1992), Duchess("Sister Angelica", 1992), Carmen("Carmen", 1972), Charlotte("Werther", 1974), Delilah(" Samson and Delilah", 1974), Herodias("Herodias", 1990), Oberon(B. Britten의 "A Midsummer Night's Dream", 1965), Zhenya Komelkova(K. Molchanov의 "The Dawns Here Are Quiet", 1975) , Judith(B. Bartok의 "Duke Bluebeard's Castle", 1978), Jocasta(I. Stravinsky의 "Oedipus Rex", 1980), Eudosia(O. Respighi의 "Flame", 1990); S. Prokofieva: Frosya("Semyon Kotko", 1970), Marya 공주(1964), Helen Bezukhova(1971), Akhrosimova(2000, "War and Peace"), Babulenka("The Player", 1996), Orlovsky 백작( " Bat", 2003) 및 기타. 오페라 역할 외에도 Elena Obraztsova는 러시아 및 전 세계에서 콘서트 활동에 적극적으로 참여하고 있습니다. 그녀의 솔로 콘서트 레퍼토리에는 100명 이상의 러시아 및 외국 작곡가(M.I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P.)의 음악이 포함되어 있습니다. 무소르그스키, P.I. 차이코프스키, S.V. 라흐마니노프, S.S. 프로코피예프, G.F. 헨델, W.A. 모차르트, L. 베토벤, R. 슈만, R. 슈트라우스, R. 바그너, J. 브람스, C. 웨일, G. 말러, G. 도니제티, G .Verdi, G. Puccini, P. Mascagni, J. Bizet, J. Massenet, C. Saint-Saens 및 기타 러시아 노래와 고대 로맨스. 그녀는 오라토리오, 칸타타, 미사 및 러시아 신성한 음악 작품 공연에 참여했습니다. 재즈 작곡은 그녀의 재능에 새롭고 밝은 느낌을 더했습니다. 1986년 볼쇼이 극장에서 J. 마스네의 오페라 <베르테르>를 공연하며 감독으로 데뷔했다. 가수는 TV 뮤지컬 영화 "The Merry Widow", "My Carmen", "Rural Honor" 및 "Tosca" 등에 출연했습니다. 1973년부터 1994년까지 Elena Obraztsova는 모스크바 국립 차이코프스키 음악원에서 가르쳤습니다. 1984년부터 - 교수. 1992년부터 그는 도쿄 음악 아카데미 "무사시노"에서 가르치고 있습니다. 상트페테르부르크 마린스키 극장의 젊은 오페라 가수 아카데미에서 유럽과 일본에서 마스터 클래스를 제공합니다. 그녀는 P.I. 모스크바 차이코프스키, 마르세유 국제 성악 콩쿠르, N.A. 상트페테르부르크의 림스키-코르사코프, 도이칠란트베르크의 페루치오 탈리아비니 국제 콩쿠르, 몬세라트 카발레 국제 오페라 노래 콩쿠르. 1999년 9월 상트페테르부르크에서 제1회 엘레나 오브라초바 국제 젊은 오페라 가수 콩쿠르가 열렸고, 2011년에는 제8회 대회가 열렸다. Elena Exclusive는 오페라, 오라토리오, 칸타타, 실내악 및 오페라 음악 작품이 포함된 솔로 디스크를 포함하여 50개 이상의 디스크를 녹음했습니다. 최근에는 특별한 가치를 지닌 “실시간 녹음”이 출시되었습니다. 2007년 6월부터 2008년 10월까지 그녀는 미하일로프스키 극장(구 상트페테르부르크 무소르그스키 오페라 발레 극장)의 예술감독을 역임했습니다. 현재 상트페테르부르크에서 그녀는 자신의 이름을 딴 문화 센터를 운영하며 젊은 공연자들과 함께 일하고 있습니다. 1981년 10월 24일, "Obraztsova"라는 이름을 가진 소행성 No. 4623이 발견되었습니다.

키리 자네트 테 카나와(Kiri Janette Te Kanawa)는 뉴질랜드의 오페라 가수이자 가사 소프라노입니다. 따뜻하고 아름다운 목소리와 다양한 언어로 매우 폭넓은 오페라 역할 레퍼토리를 갖춘 우리 시대 최고의 오페라 가수 중 한 명입니다. Kiri Te Kanawa(Claire Mary Teresa Rostron 출생)는 1944년 3월 6일 뉴질랜드 기즈번에서 아일랜드계 어머니와 마오리족 아버지 사이에서 태어났지만, 그녀의 부모에 대해서는 알려진 바가 거의 없습니다. 그녀는 어렸을 때 테 카나와(Te Kanawa) 가문에 입양되었으며, 그녀의 양부모 역시 마오리족과 아일랜드계였습니다. 그녀는 오클랜드에서 일반 교육과 음악 교육을 받았으며, 10대와 청년기에 이미 뉴질랜드 클럽에서 인기 가수였습니다. 동시에 그녀는 호주와 뉴질랜드의 모든 중요한 음악상을 수상했으며, 1963년에는 "Mobil (Lexus) Song Quest" 대회에서 2위를 차지했으며, 그 자리는 뉴질랜드 출신의 유명 오페라 가수가 차지했습니다. , 말비나 메이저. 1965년 키리 테 카나와(Kiri Te Kanawa) 자신이 푸치니 오페라 "토스카"의 아리아 "Vissi d'arte"로 같은 콩쿠르에서 우승했고, 1966년 호주 콩쿠르 "Sun-Aria"에서 우승하여 우승자로서 상을 받았습니다. 런던에서 공부할 수 있는 허가를 얻었습니다. 같은 해, 그녀는 오디션 없이 런던에 있는 오페라 노래 센터에 입학했는데, 그곳에서 선생님들은 그녀의 재능과 처음에는 발성 기술이 부족하다는 점을 지적했습니다. 그녀는 1968년 오페라 무대에 데뷔했습니다. 런던 극장에서 열린 모차르트 마술피리의 두 번째 부인. 새들러의 우물", 이어서 퍼셀의 디도와 아이네아스의 역할과 도니제티의 앤 볼린의 타이틀 역할이 이어졌습니다. 1969년, 피가로의 노래에서 백작부인의 역할을 오디션하던 중 상임지휘자 콜린 데이비스는 "믿을 수 없었다. 내 귀로는 오디션을 천 번 했는데 환상적으로 아름다운 목소리였다"고 말했다. 로열 오페라 하우스 코벤트 가든은 키리 테 카나와와 3년 계약을 맺고, 이 극장 무대에서 그녀의 첫 공연은 1970년 "Boris Godunov"의 Ksenia 역과 "Parsifal"의 소녀 꽃 역으로 이루어졌습니다. Te Kanawa는 1971 년 12 월 Covet Garden에서 초연이 예정된 백작 부인 역할을 계속 신중하게 준비했지만 그 전에 산타페 오페라 페스티벌 (미국 뉴 멕시코)에서 공연이 있었는데 그곳에서 시험해 보았습니다. 이 역할은 그녀와 함께 같은 페스티벌에서 미국 가수 프레데리카 폰 스타드(Frederica von Stade)가 공연했으며 나중에 언론은 그들의 공연을 다음과 같이 언급했습니다. 성과를 확인했다”고 밝혔다. 이 두 가수는 수년 동안 친구가 되었습니다. 1971년 12월 1일 코벤트 가든에서 키리 테 카나와(Kiri Te Kanawa)는 산타페 공연을 반복하며 국제적인 센세이션을 일으켰습니다. 이날 그녀는 확실한 오페라 스타의 지위를 얻었고, 세계 최고의 오페라 하우스인 코벤트 가든, 메트로폴리탄 오페라(1974년 데뷔), 파리 오페라(1975년), 시드니 등에서 공연하며 세계에서 가장 유명한 소프라노 중 한 명이 되었습니다. 오페라 하우스(1978), 비엔나 국립 오페라(1980), 라 스칼라(1978), 시카고 리릭 오페라, 샌프란시스코, 바이에른 외 다수. 그녀의여 주인공에는 소프라노를위한 거대한 레퍼토리가 포함됩니다. Richard Strauss의 세 가지 주요 역할 - Arabella의 Arabella, Marshal, Der Rosenkavalier의 Maria Therese von Werdenberg 공주, Capriccio의 백작부인; "That's What All Women Do"의 모차르트 피오르딜리지, "Don Giovanni"의 Donna Elvira, "The Magic Flute"의 Pamina, 그리고 물론 "The Marriage of Figaro"의 백작부인 Almaviva; Triaviatta의 Verdi Violetta, Simon Boccanegra의 Amelia Boccanegra, Ottelo의 Desdemona; 푸치니에서 - 토스카, 미미, 마농 레스코; 카르멘 비제, 타티아나 차이콥스키, 로절린드 요한 슈트라우스 등 다수. 콘서트 무대에서 그녀의 보컬의 아름다움과 선명함은 Claudio Abbado, Colin Davis, Charles Duthoit, Georg Solti 등과 같은 지휘자들의 지휘 아래 런던, 시카고, 로스앤젤레스의 세계 최고의 심포니 오케스트라와 하나가 되었습니다. 그녀는 베로나 잘츠부르크 글라이드본에서 열리는 국제 오페라 페스티벌에 정기적으로 참여했습니다. 오랜 창작 경력 동안 Kiri Te Kanawa는 오페라 레퍼토리와 콘서트 음악으로 구성된 약 80장의 디스크(모차르트의 콘서트 아리아, 슈트라우스의 마지막 네 곡, 브람스의 독일 레퀴엠, 헨델의 메시아 등)와 대중 음악 및 마오리 노래 앨범을 발표했습니다. 당신의 사람들에 대한 찬사처럼. 그녀의 디스크 중 일부는 그래미상을 수상했습니다. 마지막 앨범인 "Kiri Sings Karl"은 2006년에 발매되었습니다. 그녀의 경력에는 어떤 오페라 가수도 반복하기가 거의 불가능한 두 가지 중요한 사건이있었습니다. 1981년, 그녀는 런던 세인트 폴 대성당에서 열린 찰스 왕세자와 다이애나비의 결혼식에서 솔리스트로 공연했습니다. 이 행사의 실시간 TV 방송은 6억 명 이상의 시청자를 모았습니다. 두 번째 기록-1990 년 그녀는 오클랜드에서 공개 콘서트를 열었고 140,000 명의 관중이 그녀의 솔로 공연을 보러 왔습니다. 이제 그녀의 무대 밖의 활동은 젊은 가수와 음악가들을 지원하고 재정적으로 지원하기 위해 그녀가 만든 재단과 연결됩니다. 키리 테 카나와(Kiri Te Kanawa)는 예술 발전에 대한 공로로 많은 상과 상을 받았으며, 그 중 가장 높은 상은 대영제국 훈장 사령관(1982), 호주 훈장 동반자(1990), 뉴질랜드(1995). 그녀는 또한 케임브리지, 옥스포드, 시카고, 노팅엄 및 기타 대학에서 명예 학위를 받았습니다. 최근 몇 년간 오페라 무대와 콘서트 무대에서 키리 테 카나와의 공연은 드물어졌지만, 마지막 공연은 2010년 4월로 생각됐지만 아직 무대 은퇴를 선언하지 않았지만 계속해서 공연하고 있다.

조수미는 대한민국의 오페라 가수 콜로라투라 소프라노이다. 가장 유명한 오페라 가수는 동남아시아 출신입니다. 조수미는 1962년 11월 22일 대한민국 서울에서 태어났다. 본명은 조수정(조수경). 그녀의 어머니는 가수이자 아마추어 피아니스트였지만 1950년대 한국의 정치적 상황으로 인해 전문적인 음악교육을 받지 못했다. 그녀는 딸에게 좋은 음악 교육을 주기로 결심했습니다. 조수미는 4살 때 피아노 레슨을, 6살 때 보컬 트레이닝을 시작했고, 어렸을 때 음악 레슨에 최대 8시간을 보내야 했던 적도 있습니다. 조수미는 1976년 서울상화예대(사립학원)에 입학해 1980년 성악과 피아노 학위를 취득했다. 1981년부터 1983년까지 그녀는 서울대학교에서 음악교육을 계속했다. 대학에서 공부하는 동안 조수미는 첫 프로 데뷔를 했고, 한국 TV가 주최한 여러 콘서트에 출연했으며, 서울오페라단의 '피가로의 결혼'에서 수잔 역을 연기했습니다. 1983년 조씨는 서울대학교를 중퇴하고 이탈리아로 건너가 로마에 있는 가장 오래된 음악학교인 산타 체칠리아 국립음악원에서 음악을 공부해 우등으로 졸업했다. 그녀의 이탈리아어 교사에는 Carlo Bergonzi와 Gianella Borelli가 포함되었습니다. 아카데미에서 공부하는 동안 조씨는 이탈리아 여러 도시의 콘서트는 물론 라디오와 TV에서도 자주 들을 수 있었습니다. 조씨는 유럽 관객들에게 좀 더 이해하기 쉽도록 예명으로 '수미'라는 이름을 사용하기로 결정한 것도 이때였다. 1985년에 그녀는 피아노와 보컬을 전공하여 아카데미를 졸업했습니다. 아카데미 졸업 후 그녀는 엘리자베스 슈바르츠코프(Elisabeth Schwarzkopf)에게 성악 레슨을 받고 서울, 나폴리, 바르셀로나, 프리토리아 등 여러 성악 콩쿠르에서 우승했으며, 가장 중요한 대회인 1986년 베로나 국제 콩쿠르에서는 다른 중요한 국제 콩쿠르의 우승자만이 우승을 차지했다. 말하자면, 최고의 젊은 가수 중 최고의 가수. 조수미의 유럽 오페라 데뷔는 1986년 트리에스테의 주세페 베르디 극장에서 열린 리골레토의 질다 역으로 이루어졌다. 이 공연은 헤르베르트 폰 카라얀의 관심을 끌었으며, 그녀는 1987년 잘츠부르크 페스티벌에서 상연된 플라시도 도밍고 주연의 오페라 Un ballo in maschera에서 페이지 오스카 역으로 그녀를 초대했습니다. 그 후 몇 년 동안 조수미는 오페라 올림푸스를 향해 꾸준히 나아가며 공연의 영역을 끊임없이 확장하고 작은 역할에서 주요 역할로 레퍼토리를 변경했습니다. 조수미는 1988년 라 스칼라와 바이에른 국립 오페라, 1989년 비엔나 국립 오페라와 메트로폴리탄 오페라, 1990년 시카고 리릭 오페라와 코벤트 가든에서 데뷔했다. 조수미는 우리 시대의 가장 인기 있는 소프라노 중 한 명이 되었으며 오늘날까지도 그 자리를 지키고 있습니다. 시청자들은 그녀의 밝고 따뜻하며 유연한 목소리뿐만 아니라 무대와 생활에서의 낙천주의와 가벼운 유머로 인해 그녀를 사랑합니다. 그녀는 무대에서 가볍고 자유로워 매 공연마다 미묘한 동양적 패턴을 선사합니다. 조수미는 러시아를 포함해 오페라가 사랑받는 세계 각국을 방문했으며, 마지막 방문은 2008년 투어의 일환으로 드미트리 흐보로스토프스키와 듀엣으로 여러 나라를 여행한 것이다. 그녀는 오페라 제작, 콘서트 프로그램, 음반 회사와의 작업 등 바쁜 업무 일정을 가지고 있습니다. 조수미의 음반에는 현재 10개의 솔로 앨범과 크로스오버 디스크를 포함하여 50개 이상의 음반이 포함되어 있습니다. 그녀의 두 앨범은 가장 유명합니다. 1992년 그녀는 Hildegard Behrens, Josée van Dam, Julia Varady, Placido Domingo, 지휘자 Georg와 함께 R. Wagner의 오페라 "Die Femme sans Shadow"로 "Best Opera Recording" 부문에서 그래미상을 수상했습니다. Solti, 그리고 독일 축음기로부터 상을 받은 G. Verdi의 오페라 "Un ballo in maschera"가 수록된 앨범입니다.

'에그(Egg)'라고도 불리는 국립대극장(National Grand Theatre)은 중국 베이징에 있는 현대 오페라 하우스이다. 세계의 현대 불가사의 중 하나로 여겨지는 이 건축물은 모양이 타원형이고 유리와 티타늄으로 만들어졌으며 인공 호수로 완전히 둘러싸여 있습니다. 2007년에 건축되었습니다. 국립공연예술센터는 베이징에 위치하고 있으며 천안문 광장(베이징의 주요 광장이자 세계에서 가장 큰 광장)과 인민대회당(중국 의회)에서 매우 가깝습니다(약간 서쪽). 자금성(역사적인 궁전 단지). 프랑스 건축가 폴 앙드레(Paul Andre)가 디자인한 이 미래 지향적인 디자인은 당시 베이징 역사 중심지에 건설된 것에 대해 많은 논란을 불러일으켰습니다. 실제로 국립 공연 예술 센터의 쉽게 알아볼 수 있는 상징적인 외관은 주변 환경과 뚜렷한 대조를 이루며 매우 매력적입니다. 2001년 12월 착공해 2007년 12월 개관했다. 이 최신 기적의 극장은 A.P. 보로딘(A.P. Borodin)의 러시아 역사 오페라 "이고르 왕자(Prince Igor)"로 개관되었으며 발레리 게르기예프(Valery Gergiev)의 지휘 아래 마린스키 극장(Mariinsky Theatre)의 오케스트라, 합창단, 솔리스트들이 공연했습니다. 건축 앙상블은 본관, 지하 및 수중 복도, 지하주차장, 인공호수, 녹지공간을 갖추고 있습니다. 메인돔은 동서방향으로 길이 212미터, 너비 144미터, 높이 46미터입니다. 18,000장 이상의 티타늄판과 1,200장 이상의 투명유리로 이루어져 있습니다. 드라마틱한 시각적 효과를 제공합니다.센터의 지하부분은 깊이가 32.5미터(10층 빌딩 수준)로 베이징에서 가장 깊습니다.단지 전체 면적은 118,900㎡이며, 건축면적은 118,900㎡입니다. 면적은 219,400평방미터입니다. 센터는 인공 호수로 완전히 둘러싸여 있으며 모든 출입구는 지하에만 있으며 현대 기술을 사용하여 호수를 일년 내내 얼음이 없고 깨끗한(조류 없이) 만듭니다. 주변에 녹색 광장이 있습니다. 도시의 소음에서 벗어나 조용하게 휴식을 취할 수 있는 호수. 건물 내부에는 오페라, 콘서트, 극장의 세 개의 메인 홀이 공기 복도로 연결되어 있으며 국립 센터에는 갤러리, 전시실, 회의실, 도서관, 카페 및 기타 건물도 있습니다. 2416석을 갖춘 오페라홀은 가장 아름답고 오페라, 발레 공연, 댄스 공연을 위해 설계되었으며 주로 황금색을 띠고 있습니다. 벽을 장식으로 사용하여 창의적인 분위기에 빠져들 수 있습니다. 2017년 교향악단과 중국 국악의 클래식 연주회를 위한 콘서트 홀은 우아한 은색을 띠고 있습니다. 어셈블리 홀에는 6,500개의 파이프를 갖춘 아시아 최대 규모의 오르간이 있습니다. 오케스트라 피트가 없는 1,040석 규모의 극장 홀은 중국 전통 양식으로 지어졌으며 주로 민속극과 음악 제작에 사용됩니다. 모든 객실은 건축과 음향이 완벽하게 통합되도록 세심하게 설계되었습니다.

오페라 가르니에(Paris Opera, Grand Opera)(오페라 가르니에, 오페라 드 파리, 오페라 가르니에, 그랜드 오페라)는 세계에서 가장 유명한 오페라 하우스 중 하나인 파리에 있는 오페라 하우스이다. 1989년(파리에 새로운 오페라하우스 '오페라 바스티유'가 개관한 이후)부터 건축가 '팔레 가르니에'(Palais Garnier) 또는 '오페라 가르니에'의 이름을 따오기 시작했지만, 여전히 예전 이름이 남아있다. 사용. 이 건물은 1875년 네오바로크(제2제국) 스타일로 지어졌으며 역사적인 기념물이자 건축학적 걸작입니다. 좌석 수 - 1900. 오늘날 두 기관(Opera Garnier 및 Opera Bastille)은 공공 상업 기업인 "State Paris Opera"로 통합되었습니다. 팔레 가르니에(Palais Garnier)는 나폴레옹 3세 황제가 주도하고 조르주 오스만(Georges Haussmann) 남작(Haussmann)이 이끄는 “제2제국” 기간 동안 파리 대재건의 일환으로 설계되었습니다. 새로운 극장이 건설된 직접적인 이유는 1858년 1월 14일에 발생한 황제 암살 시도였습니다. 나폴레옹 3세가 오페라 하우스인 Rue Le Peletier를 방문할 예정이었고, Felice Orsini가 이끄는 이탈리아 혁명가들은 극장에 세 개의 폭탄을 던졌습니다. 황제가 극장에 접근할 때 황실 마차와 황제를 동반하는 행렬. 8명이 사망하고 약 150명이 부상을 입었지만, 우연히 나폴레옹 3세 자신과 그의 가족은 부상을 입지 않았으나, 그때부터 황제는 옛 극장 방문을 거부하고 새 극장 건설을 명령했다. 1860년 말에 '제국 음악과 무용 아카데미' 설계를 위한 건축 공모전이 발표되었고, 1861년에는 무명의 35세 건축가 샤를 가르니에(1825~1898)가 우승자로 선언되었습니다. 프로젝트 자체는 많은 논란을 일으키지 않았고 대다수가 받아 들였지만 궁전 주변에 대해 Garnier와 Haussmann 사이에 불일치가 발생했습니다. Garnier는 공원 만들기를 제안했고 Haussmann은 광장과 고층 건물을 만들 것을 제안했습니다. 첫 번째 기초석은 1861년에 놓였고, 실제 건설은 1862년에 시작되었습니다. 오페라 하우스를 건설하는 데는 거의 15년이 걸렸으며 수많은 문제가 수반되었습니다. 첫 번째이자 주요 문제 중 하나는 늪지대와 지하 호수였으며 배수하는 데 거의 1년이 걸렸습니다. 1867년에 극장의 예비 개관이 이루어졌고, 파리 만국박람회를 위해 황제는 적어도 주요 정면을 완성하라고 명령했고, 모든 작업이 완료되기 훨씬 전에 급히 정면 건설을 완료했습니다. . 전설에 따르면 비계가 제거된 후 황제의 아내인 유지니 황후는 "이게 뭐야, 이게 무슨 스타일이야? "라고 말했다고 합니다. 이건 스타일이 아니야! ...그리스도, 로마도, 루이 15세도, 심지어 루이 16세도 아닙니다.”라고 샤를 가르니에는 이렇게 답했습니다. “이러한 스타일은 과거의 일입니다... 그것은 나폴레옹 3세의 스타일입니다, 부인.” 과정의 실패 극장의 건설은 프랑스-프로이센 전쟁 중에 더 진행되었으며, 미완성 건물에 군용 창고가 있었고, 이후 프랑스 제2제국과 파리 코뮌이 몰락했습니다. 이 기간 동안 건설은 때때로 중단되었다가 계속되었습니다. 오페라 하우스 건설이 중단될 수도 있다는 소문이 돌았습니다. 건설을 계속하려는 새로운 동기는 르 펠르티에 극장의 화재였습니다. 르 플레티에 극장은 1821년 10월 29일부터 파리 오페라와 발레의 주요 공연장이었습니다. 1873년에 화재가 발생하여 27시간 동안 맹렬한 화재가 발생하여 건물이 완전히 파괴되었습니다. 파리에는 새로운 오페라 하우스가 필요했고 이는 명예의 문제였습니다. 새 정부는 다시 Charles Garnier에게 전화하여 작업을 계속하고 이를 위해 대규모 인력과 자금을 할당했습니다. 1874년 말에 공사가 완료되었습니다. 팔레 가르니에(Palais Garnier)는 1875년 1월 5일 개장했습니다. 오프닝에는 전 세계에서 2,000명 이상의 손님이 모였으며 갈라 콘서트에는 Daniel Aubert의 "The Mute of Portici", Fromental Halévy의 "The Jew", Gioachino Rossini의 "William Tell" 등 다양한 작품의 여러 장면이 포함되었습니다. , Giacomo Meyerbeer의 "The Huguenots"와 발레 "The Brook"Leo Delibes. 개막식에서 사건이 발생했습니다. 행사 주최자는 Charles Garnier에게 티켓을 사도록 강요했습니다. 이 사건은 언론의 조롱을 불러 일으켰습니다. "정부는 건축가에게 자신의 창작물 개장을보기 위해 돈을 지불하도록 강요합니다." 옛 황제와 함께 일했던 존경받는 사람들에 대한 새로운 당국의 태도. 궁전 전체 건설에 계획된 20프랑 대신 금으로 총 3600만 프랑이 지출되었습니다. 예를 들어 거울 원형 홀(Mirror Rotunda)과 흡연 갤러리(Smoking Gallery)와 같은 미완성 장소가 있었습니다. 마지막은 끝나지 않았습니다. 오페라 가르니에는 외부와 내부 모두 매우 고급스러운 건물입니다. 메인 계단 로비는 오페라 가르니에의 가장 유명한 장소 중 하나입니다. 다양한 색상의 대리석이 늘어서 있으며 극장 로비와 극장 바닥으로 이어지는 이중 계단을 수용합니다. 주요 계단은 크리놀린 시대에 엄선된 대중이 행진하던 무대인 극장이기도 합니다. 그려진 천장의 네 부분은 다양한 음악적 우화를 묘사합니다. 휴식 시간 동안 관중들이 걷는 로비는 넓고 화려하게 장식되어 있습니다. 첫 번째 현관의 둥근 천장은 황금색 배경의 아름다운 모자이크로 덮여 있습니다. 여기에서 메인 계단의 전체 공간을 아름답게 볼 수 있습니다. 대형 로비는 오래된 성의 주립 갤러리를 모델로 Garnier가 디자인했습니다. 거울과 창문의 플레이는 시각적으로 갤러리를 더욱 넓어지게 만듭니다. Paul Baudry가 그린 웅장한 천장에는 음악사의 장면이 그려져 있으며 주요 장식 요소는 거문고입니다. 아치부터 난방 그릴, 문 손잡이까지 이 장식 왕국의 모든 곳에 있습니다. 로비 중앙, 루브르 박물관까지 오페라 거리가 내려다보이는 창문 근처에는 조각가 카르포(Carpeaux)가 제작한 샤를 가르니에(Charles Garnier) 흉상 사본이 있습니다. 바가 있는 갤러리 끝에는 Mirror Salon이 있습니다. Clairin이 그린 천장에 바칸테와 목신의 둥근 춤이 있고 다양한 음료(차, 커피, 오렌지에이드, 샴페인...), 낚시와 사냥 장면도 있습니다. 오페라 개관 이후 완공된 살롱은 1900년의 정신을 계속해서 보존하고 있습니다. 빨간색과 금색의 이탈리아 스타일 강당은 말굽 모양입니다. 무게가 6톤에 달하는 거대한 크리스탈 샹들리에가 조명을 밝히고 있으며, 천장은 1964년 마르크 샤갈이 그린 것입니다. 의자는 벨벳으로 덮여 있습니다. 채색된 천으로 만든 웅장한 커튼은 금색 끈과 술로 장식된 붉은 휘장을 모방합니다. 오페라 가르니에는 다른 많은 극장 건설에 영감을 주는 건축 사례가 되었습니다. 건축가는 이 스타일의 요소를 완전히 또는 부분적으로 사용했습니다. 폴란드에서는 여러 건물이 Garnier의 디자인을 기반으로 합니다. 크라쿠프의 극장(1893)과 바르샤바의 필하모닉(1901, 1939년 폭격으로 파괴되고 다른 스타일로 재건됨), 우크라이나의 Lviv 오페라 하우스(1901) 및 브라질의 키예프 오페라 하우스(1901) - 마나우스의 아마존 극장(1896) 및 리우데자네이루의 시티 오페라(1909), 미국 - 제퍼슨 빌딩(1897) 및 워싱턴 의회 도서관 베트남 - 하노이 오페라(1911)와 호치민시의 오페라 하우스(1897)는 베트남 식민지 시대(베트남은 프랑스의 식민지였습니다)에 건설되었으며 모두 오페라 가르니에의 작은 사본입니다.

사마라 아카데미 오페라 발레 극장(Samara Academic Opera and Ballet Theatre)은 러시아 사마라에 있는 뮤지컬 극장입니다. 사마라 아카데미 오페라 및 발레 극장은 러시아 최대 규모의 뮤지컬 극장 중 하나입니다. 극장 개관은 1931년 6월 1일 무소르그스키의 오페라 보리스 고두노프(Boris Godunov)와 함께 이루어졌습니다. 그 기원에는 Taneyev와 Rimsky-Korsakov의 학생, 지휘자이자 작곡가 Anton Eikhenwald, 볼쇼이 극장 Ariy Pazovsky의 지휘자, 유명한 러시아 지휘자 Isidor Zak, 볼쇼이 극장 Joseph Lapitsky의 감독 등 뛰어난 러시아 음악가들이 있었습니다. 지휘자 Savely Bergolts, Lev Ossovsky, 감독 Boris Ryabikin, 가수 Alexander Dolsky, 우크라이나 SSR Nikolai Poludenny의 인민 예술가, 러시아 인민 예술가 Viktor Chernomortsev, RSFSR 인민 예술가, 볼쇼이 극장의 미래 솔리스트 Natalya Shpiller, Larisa와 같은 거장 Boreyko는 극장의 역사와 다른 많은 사람들의 이름을 입력했습니다. 발레단은 파리의 전설적인 Diaghilev 시즌에 참여한 Mariinsky Theatre의 솔리스트 Evgenia Lopukhova가 이끌었습니다. 그녀는 여러 해에 걸쳐 사마라 발레단의 수장에 섰던 일련의 뛰어난 상트페테르부르크 안무가들을 열었습니다. Samara Theatre의 안무가는 재능있는 안무가, Agrippina Vaganova Natalya Danilova의 학생, 전설적인 상트 페테르부르크 발레리나 Alla Shelest, Mariinsky Theatre의 솔리스트 Igor Chernyshev, 소련 인민 예술가 Nikita Dolgushin이었습니다. 극장은 레퍼토리를 빠르게 확장하고 있습니다. 1930년대의 작품에는 차이코프스키, 글린카, 림스키-코르사코프, 보로딘, 다르고미츠스키, 로시니, 베르디, 푸치니의 오페라, 차이코프스키의 발레, 민쿠스, 아단 등 오페라와 발레 클래식이 포함되었습니다. 시대의 요구에 따라 극장은 현대 레퍼토리에 큰 관심을 기울이고 있습니다. 전쟁 이전에는 A. Eichenwald의 오페라 "The Steppe", Kreitner의 "Tanya", Shebalin의 "The Taming of the Shrew"등이 국내 최초로 상연되었습니다. 알려지지 않았거나 당연히 잊혀진 걸작에 대한 것은 전후 극장의 특징이었습니다. 그의 포스터에는 18세기 고전 작품의 수십 가지 제목이 포함되어 있습니다. (Cherubini의 "Medea", Cimarosa의 "The Secret Marriage") 19세기 러시아 작곡가의 작품은 거의 연주되지 않았습니다. (Rimsky-Korsakov의 "Servilia", 차이코프스키의 "The Enchantress", Rebikov의 "The Christmas Tree") 20 세기 유럽 아방가르드에 이르기까지. (von Zemlinsky의 "The Dwarf", Stravinsky의 "Le Noces", Busoni의 "Harlecchino"). 극장 생활의 특별한 페이지는 현대 국내 작가와의 공동 창작입니다. 러시아의 뛰어난 작곡가 Sergei Slonimsky와 Andrey Eshpai, Tikhon Khrennikov와 Andrey Petrov가 그들의 작품을 우리 무대에 맡겼습니다. 사마라 문화 생활의 경계를 훨씬 뛰어넘는 가장 중요한 행사는 뛰어난 무대 거장 감독 Robert Sturua와 협력하여 20세기 위대한 음악가 Mstislav Rostropovich가 공연한 Slonimsky의 오페라 "The Visions of Ivan the Terrible"의 세계 초연이었습니다. 예술가 Georgiy Aleksi-Meskhishvili. 위대한 애국 전쟁이 시작될 무렵 도시의 문화적 상황은 극적으로 변했습니다. 1941년 10월, 소련 볼쇼이 극장은 쿠이비셰프/사마라(“대체 수도”)로 철수되었습니다. 예술적 주도권은 소련 오페라와 발레 무대의 가장 위대한 거장들에게 전달됩니다. 1941년부터 1943년까지 볼쇼이 극장은 사마라에서 14개의 오페라와 발레를 공연했습니다. 세계적으로 유명한 가수 Ivan Kozlovsky, Maxim Mikhailov, Mark Reisen, Valeria Barsova, Natalya Shpiller, 발레리나 Olga Lepeshinskaya가 Samara 무대, Samosud, Fire, Melik-Pashayev에서 공연했습니다. 1943년 여름까지 볼쇼이 극장 직원들은 쿠이비셰프에서 살면서 일했습니다. 이 어려운 시기에 지역 주민들의 도움에 감사하는 마음으로 예술가들은 전쟁 후 새로운 작품과 역사적인 전시 레퍼토리를 가지고 볼가에 두 번 이상 왔습니다. 2005년 러시아 볼쇼이극장은 대조국전쟁 승전 60주년을 기념해 사마라 관객들에게 그들의 예술과 새로운 만남을 선사했다. 투어 공연과 콘서트(쇼스타코비치의 발레 "The Bright Stream", 무소르그스키의 오페라 "Boris Godunov", 대승리 교향곡 - 쇼스타코비치의 7번 교향곡, 브라스 밴드와 오페라 솔리스트의 콘서트)는 큰 성공을 거두었습니다. 러시아 볼쇼이 극장 총감독 A. Iksanov는 다음과 같이 말했습니다. “볼쇼이 극장의 전체 직원에게 이번 투어는 전쟁의 어려운시기에 볼쇼이 극장이 극장은 여기서 두 번째 집을 찾았습니다.” 진정한 역사적 사건인 20세기 사마라 음악 생활의 정점은 사마라 오페라 하우스 무대에서 드미트리 쇼스타코비치의 7번("레닌그라드") 교향곡이 공연된 것이었습니다. 전쟁의 비극적인 사건을 반영하고 소련 군인들의 위대함을 전달하는 이 위대한 작품은 1941년 12월 사마라 대피 중에 작곡가가 완성했으며 3월 5일 사무일 사모수드의 지휘 아래 볼쇼이 극장 오케스트라가 공연했습니다. , 1942. 극장은 강렬한 삶을 살고 있습니다. 재건이 완료되고, 새로운 이름이 극단에 등장하고, 가수와 무용가들이 권위 있는 국제 및 러시아 대회에서 우승하고, 새로운 창작력이 극단에 합류하고 있습니다. 연극 스태프들은 재능 있고 총명하며 창의적인 개인들의 결집을 자랑스러워할 수 있습니다. 러시아의 명예 예술가 미하일 굽스키(Mikhail Gubsky)와 바실리 스뱌트킨(Vasily Svyatkin)은 사마라 극장뿐만 아니라 러시아 볼쇼이 극장과 모스크바 노바야 오페라 극장의 솔리스트입니다. Anatoly Nevdakh는 볼쇼이 극장 공연에 참여하고 Andrei Antonov는 러시아 및 외국 극장 무대에서 성공적으로 공연합니다. 오페라단의 수준은 또한 5명의 인민 예술가, 8명의 명예 예술가, 10명의 국제 및 러시아 대회 수상자 등 수많은 "제목을 가진" 가수들의 존재로도 입증됩니다. 극단에는 재능 있는 젊은 사람들이 많이 있으며, 그들과 나이든 세대의 예술가들이 기꺼이 그들의 기술의 비밀을 공유합니다. 2008년부터 이 극장의 발레단은 기준을 크게 높였습니다. 연극 팀은 오랫동안 페름 극장의 발레단을 빛냈던 러시아의 명예 예술가 Kirill Shmorgoner가 이끌었습니다. K. Shmorgoner는 미국 최고의 교육 기관 중 하나인 Perm Choreographic School을 졸업한 대규모 학생 그룹을 극장에 초대했습니다. 젊은 발레 댄서 Ekaterina Pervushina와 Viktor Malygin은 권위 있는 국제 대회인 "Arabesque"의 수상자가 되었으며, 사마라 댄서 전체 그룹이 전 러시아 축제 "Delphic Games"에서 성공적으로 공연했습니다. 최근 몇 년 동안 이 극장에서는 림스키코르사코프의 오페라 “모차르트와 살리에리”, 스트라빈스키의 “무어”, 페르골레시의 “하녀와 여주인”, 차이콥스키의 “유진 오네긴” 등 대중의 큰 호응을 얻은 여러 초연을 개최했습니다. , 베르디의 "리골레토", 푸치니의 "나비부인", 스트라빈스키의 안무 칸타타 "르 노세스", 헤르텔의 발레 "헛된 예방". 이 극장은 볼쇼이 극장, 뉴 오페라 및 기타 러시아 극장의 모스크바 거장들과 적극적으로 협력하여 이러한 작품을 제작합니다. 어린이를 위한 뮤지컬 동화 제작에 많은 관심이 집중되고 있습니다. 오페라와 발레 예술가들도 콘서트 무대에서 공연합니다. 극장 투어 루트 중에는 불가리아, 독일, 이탈리아, 스페인, 중국, 러시아 도시가 있습니다. 극장의 집중적인 순회 활동을 통해 사마라 지역 주민들은 최신 작품을 접할 수 있었습니다. 극장 생활의 밝은 페이지는 축제입니다. 여기에는 Alla Shelest 클래식 발레 페스티벌, 국제 페스티벌 "21세기 베이스", "Togliatti의 다섯 저녁", 사마라 봄 오페라 페스티벌이 포함됩니다. 극장의 축제 계획 덕분에 사마라 관객들은 국내외 오페라와 발레 예술의 가장 위대한 거장 수십 명의 예술을 접할 수 있었습니다. 극장의 창의적인 계획에는 오페라 "이고르 왕자", 발레 "돈키호테", "잠자는 숲속의 공주" 제작이 포함됩니다. 80주년을 맞아 이 극장은 무소르그스키의 오페라 보리스 고두노프(Boris Godunov)를 상영해 새로운 역사 발전 과정을 통해 그 뿌리로 돌아갈 계획이다. 도시의 중앙 광장에는 거대한 회색 건물이 솟아 있습니다. 미술 평론가에 따르면 "잔혹한 고전이 추가 된 후기 "철탑 스타일"의 웅장한 기념물", "30 년대 건축물의 놀라운 예입니다. ” 이 프로젝트의 저자는 Leningrad Architects N.A입니다. 트로츠키와 N.D. 1935년 문화궁전 건립 공모전에서 우승한 카세네보겐. 극장은 건물 중앙에 위치해있었습니다. 한동안 왼쪽 건물에는 지역 도서관이 있었고 오른쪽 건물에는 스포츠 학교와 미술관이있었습니다. 2006년에 건물 재건축이 시작되어 스포츠 학교와 박물관이 철거되었습니다. 2010년 극장 개관 시즌을 맞아 재건축이 완료됐다. 출처: 사마라 오페라 발레 극장 공식 홈페이지

Teatro Goldoni는 이탈리아 베니스에서 가장 오래되고 선도적인 오페라 하우스 중 하나입니다. 극장은 1622년에 지어졌으며 이름이 여러 번 변경되었으며 리알토 다리 근처 베니스의 역사적인 중심지에 위치하고 있습니다. 극장은 오페라단 Teatro Stabile del Veneto가 운영하며 주요 무대입니다. 역사적으로 모든 주요 베네치아 극장은 중요한 귀족 가문의 소유였습니다. 예를 들어 현재 Teatro Malibran으로 알려진 극장과 Teatro San Benedetto는 Grimani 가문의 소유였으며 Teatro La Fenice는 Venier 가문의 소유였습니다. 민간 극장과 함께 세계 최초의 공공 오페라 하우스인 산 카시아노(San Cassiano)가 1637년 베니스에 건설되었습니다. Vendramin 가족은 현재 Goldoni라고 불리는 극장을 소유했습니다. 극장은 1622년에 지어졌으며 안토니오 키오포(Antonio Chiofo)의 코미디로 개장했습니다. 역사 동안 극장은 이름을 여러 번 바꾸었고 1875년까지 Vendramin, San Luca, San Salvatore, Apollo 극장으로 바뀌었습니다. 극작가 칼 골도니. 1652년(화재 후)과 1684년에 극장 건물이 두 번 복원되었습니다. 이 극장이 처음 설립된 기간 동안 극장은 주로 오페라를 상연했지만, 18세기에는 주로 연극 공연을 주최했습니다. 1720년대에 Teatro San Luca가 재건되어 Teatro Apollo로 이름이 변경되었습니다. 이 건물은 오늘날까지 살아 남았습니다. 1752년에 극장 주인은 당시 베니스에서 가장 유명한 극작가로 여겨졌던 카를로 골도니(Carlo Goldoni)를 극장의 책임자로 고용할 수 있었습니다. 이것은 도시의 연극 생활과 아마도 극장의 뛰어난 시대의 주요 사건이었습니다. 그러나 당시 극장 주인은 공연의 관리와 제작에 직접 참여하려고 했고, 이 때문에 고용된 감독과 어려운 관계와 잦은 논쟁을 겪었다. 카를로 골도니는 1761년 극장과 베니스를 떠나 파리로 갔다. 19세기에 극장은 많은 재건축과 개조 공사를 거쳤는데, 그 중 가장 중요한 것은 1818년 건축가 주세페 보르사토(Giuseppe Borsato)의 지시에 따른 재건축이었고, 1826년에는 이탈리아 최초의 가스 조명이 극장에 설치되었습니다. 1833년 디자이너 Francesco Bagnara의 지시에 따라 내부가 개조되었습니다. 1875년 극작가의 생일을 축하하는 동안 극장은 칼 골도니 극장(Carl Goldoni Theatre)으로 이름이 바뀌었습니다. Vendramin 가족은 1937년까지 극장을 소유했고, 그 후 도시 소유가 되었습니다. 1957년 극장은 마모로 인해 문을 닫았습니다. 1979년 대대적인 재건축을 거쳐 새롭게 단장된 극장이 다시 문을 열었습니다. 골도니 극장의 내부는 전형적인 18세기 이탈리아 극장으로 4층 구조로 800명을 수용할 수 있으며 무대 폭은 12m, 길이는 11m이다. 현재 이곳에서는 연극 공연, 오페라 제작, 어린이 파티 및 Teatro Stabile del Veneto 오페라단이 주최하는 기타 행사가 개최됩니다.

바시키르 국립 오페라 및 발레 극장 바시키르 국립 오페라 및 발레 극장(러시아 바슈키리아 공화국 우파)은 1938년에 개관했습니다. 1938년 12월 14일, 조반니 파이시엘로(Giovanni Paisiello)의 오페라 "아름다운 밀러의 아내" 초연이 (바시키르에서) 열렸습니다. 바쉬키르 오페라 스튜디오는 공화국의 국가 예술 및 작곡 인력을 양성하기 위해 가수, 작곡가, 공인 G. Almukhametov의 주도로 1932년에 설립되었습니다. 처음 2년 동안 바시키르 오페라 극장은 13번의 초연을 펼쳤고 50만 명 이상의 관객이 극장을 방문했습니다. 극본에는 러시아 및 외국 고전 작품, 소련 작곡가의 오페라가 포함되었습니다. Cimarosa의 "The Secret Marriage", Gounod의 "Faust", Verdi의 "Rigoletto", Tchaikovsky의 "Eugene Onegin", 창립자의 "Arshin Mal Alan" 아제르바이잔 국립 작곡 학교 U. Hajibekov, 카자흐 작곡가 E. Brusilovsky의 오페라 "Er Targyn", 타타르 작곡가 N. Zhiganov 등의 "Kachkyn". 1940년 2월 8일, M. Valeev의 첫 바쉬키르 오페라 "Khak-mar"의 초연이 극장 무대에서 열렸으며, 몇 달 후인 12월에는 A.의 오페라 "Mergen"이 초연되었습니다. Eikhenwald가 상연되었습니다. 초기에 극장의 발레단에는 레닌그라드 안무 학교의 바쉬키르학과 졸업생, 바쉬키르 연극학교의 발레학과 및 민속 무용 앙상블의 무용수 그룹이 포함되었습니다. 유명한 Vaganova 학교의 첫 졸업생 중에는 Z. Nasretdinova, Kh. Safiullin, T. Khudayberdina, F. Sattarov, F. Yusupov, G. Khafizova, R. Derbisheva가 있습니다. 극장 최초의 발레 작품인 L. Delibes의 "Coppelia"가 1940년에 공연되었습니다. 위대한 애국 전쟁 중에 키예프 국립 오페라와 발레 극장은 우파로 대피했습니다. 바시키르 오페라의 형성 과정에 큰 영향을 미친 T. 셰브첸코. Ufa에 온 극단에는 유명한 오페라 지휘자 V. Jorish, 감독 N. Smolich와 그의 아들 D. Smolich, 유명한 가수 M. Litvinenko-Wolgemut, I. Patorzhinsky, Z. Gaidai, K. Laptev, A. Ivanov가 포함되었습니다. 젊은 L. Rudenko, I. Maslennikova. 1944년 3월, L. Stepanov와 Z. Ismagilov의 첫 번째 바쉬르어 발레 "Crane Song"이 초연되었습니다. 전쟁 후 G. Khabibullin은 극장의 예술 감독이자 감독이되었습니다. 공연은 Kh. Faizullin, L. Insarov, Kh. Khammatov가 진행했습니다. 예술가 G. Imasheva와 M. Arslanov가 여기서 일했습니다. 재능있는 공연자들의 은하계 전체가 극장에서 자랐습니다. 이전 세대의 가수들과 함께 - G. Khabibullin, B. Valeeva, M. Khismatullin, M. Saligaskarova 및 젊은 연주자들은 Kh. Mazitov, Z. Makhmutov, N. Abdeev, N. Byzina, I. Ivashkov, S. Galimova, N. Allayarova 등을 성공적으로 수행했습니다. Bashkir 발레의 길은 Z. Nasretdinova, T. Khudaiberdina, G. Suleymanova, F. Nafikova, M. Tagirova, Kh. Safiullina, F. Sattarov의 이름과 불가분의 관계가 있습니다. 20세기의 뛰어난 무용수 루돌프 누레예프의 이름은 바시키르 국립 오페라 및 발레 극장의 역사와 불가분의 관계가 있습니다. 4년 동안 그는 극장의 발레 스튜디오(Zaytuna Bakhtiyarova 및 Khalyaf Safiullin 교사)에서 공부했습니다. 1953년에 누레예프는 극장의 발레단에 합류했습니다. 그가 세계 발레 경력을 향한 첫 걸음을 내딛은 것은 바로 이 무대였습니다. 발레 "The Crane Song"에서 Dzhigit 역을 맡은 Rudolf Nureyev는 1955년 모스크바에서 열린 유명한 Bashkir Art 10년 동안 전문가들의 관심을 끌었으며 레닌그라드 안무 학교에서 공부하도록 초대되었습니다. 1991년부터 우파에서는 매년 러시아와 외국 극장의 오페라 스타들이 참여하는 오페라 페스티벌 "우파의 샬리아핀 저녁(Chaliapin Evenings in Ufa)"이 개최되었습니다. 축제의 아이디어는 1890년 12월 18일 우파에서 열린 Fyodor Chaliapin의 오페라 데뷔(Moniuszko의 오페라 "Galka"에서 Stolnik의 역할)와 연결됩니다. 축제 기간 동안 소련 이리나 아르히포바(Irina Arkhipova), 블라디슬라프 피아브코(Vladislav Piavko), 마리아 비슈(Maria Bieshu) 인민 예술가, 독일 조지아 라트비아 출신 예술가, 볼쇼이 극장과 마린스키 극장 솔리스트, 사라토프, 사마라, 페름 및 기타 도시의 뮤지컬 극장이 공연했습니다. 바쉬키르 국립 오페라와 발레 극장 러시아의 무대. 2001년 12월에는 10주년 기념 페스티벌이 열렸다. 베르디의 라 트라비아타가 이탈리아어로 초연되면서 개막되었습니다. 1993년 3월부터 루돌프 누레예프의 이름을 딴 발레 예술 축제가 개최되었습니다. 첫 번째 축제는 유네스코 국제 연극 연구소 무용위원회 명예 회장, 파리 무용 아카데미 회원, 사회주의 노동 영웅, 소련 및 벨로루시 공화국 인민 예술가 유리 그리고로 비치의 제안으로 조직되었습니다. 그의 Grigorovich Ballet 극단의 참여로 개최되었습니다. 1993년 바시키르 국립 오페라 발레 극장 55주년을 맞아 연극 박물관이 개관했습니다. 극장 1층 중앙계단 좌측 2개 홀에 위치하고 있습니다. 여기에는 유명 예술가들의 소품과 개인 소지품, 단체의 상, 풍경 스케치 및 연극 의상, 30~70년대 공연을 위한 사진 및 포스터가 있습니다. 박물관의 자랑은 2층에 위치한 에르미타주 홀이다. 2008년부터 루돌프 누레예프의 개인 소지품이 전시되었습니다. 20세기 뛰어난 무용가의 삶과 작품에서 나온 156개의 유물 - R. Nureyev(영국)의 이름을 딴 국제 재단이 극장에 선물한 것입니다. 2004년 Zagir Ismagilov의 오페라 "Kakhym-turya"는 "최고의 지휘자 작품" 부문에서 국립 연극상 "황금 가면"을 수상했습니다. 2006년에는 W.-A. 모차르트의 연극 '마술피리'(W. 슈바르츠 감독)가 3개 부문 후보에 올랐다. "황금 가면" - "국가 연극 예술 지원을 위해" - 바쉬코르토스탄 공화국 M.G. Rakhimov 대통령에게 수여됨. 2007년에는 주세페 베르디(Giuseppe Verdi)의 오페라 Un ballo in maschera가 5개 부문에서 후보에 올랐습니다. 2008년에는 소련 인민 예술가 Zaituna Nasretdinova가 "For Honor and Dignity" 부문에서 Golden Mask Award를 수상했습니다. 문화적 업적에 대한 그녀의 탁월한 공헌으로 국제인명센터협의회(영국 케임브리지)는 Zaytuna Nasretdinova에게 "국제 전문가"라는 명예 칭호를 수여했습니다. 2007년에는 잡지 '발레'의 편집위원회와 창작위원회가 선정한 '댄스 마스터' 부문에서 그녀에게 '댄스의 영혼' 상을 수여했습니다. 2008년에는 "Knight of Dance" 후보에 오른 "Soul of Dance"상이 러시아의 명예 예술가이자 Bashkortostan의 인민 예술가인 Shamil Teregulov에게 수여되었습니다. 2006년에 이 극장은 "최고의 크리에이티브 팀" 부문에서 F. Volkov의 이름을 딴 러시아 정부상을 수상했습니다. L. Ismagilova의 발레 "Arkaim"으로 개막한 야로슬라블의 VII 국제 볼코프 페스티벌에서 수상했습니다. 2008년에는 교향악단이 성공적으로 한국 순회 공연을 펼쳤고, 대한제국 황제 왕관 사본이라는 높은 상을 받았습니다. 2009년에는 극장 소극장을 개관했다. 새로운 공연장에서는 이미 G. Donizetti의 “Elisir of Love”, C. Saint-Saëns의 “Bacchanalia”, C. Gounod의 “Walpurgis Night”, B의 “The Birthday of Leopold the Cat” 등 새로운 공연이 열리고 있습니다. .Savelyev. 70년 동안 형성된 창의적 원칙은 살아 있고 발전합니다. 이전 세대가 쌓아온 전통에 대한 존중, 경험, 지속적인 기술 향상, 전문성 강화. 극장 성공의 열쇠는 고도로 전문적인 크리에이티브 팀입니다. BGTOiB 아티스트는 수상자, 공화당, 러시아 및 국제 대회의 수료증 수상자, 주 및 공화당 상 보유자입니다. 무대 마스터는 러시아 연방 인민 예술가 1명, 러시아 연방 명예 예술가 7명, 러시아 연방 명예 예술가 4명, 벨로루시 공화국 인민 예술가 15명, 벨로루시 공화국 인민 예술가 50명 등 명예 칭호를 받았습니다. 벨로루시 공화국, 4 - 벨로루시 공화국의 명예 예술가. 이전과 마찬가지로 팀은 감독과 연주자가 진정한 숙달을 달성할 수 있는 무대 구현에서 외국 및 국내 고전의 최고의 예를 무대에 올리는 데 중점을 두고 있습니다.

모스크바 뉴 오페라 극장의 이름을 따서 명명되었습니다. E.V. 콜로보프는 극장의 예술감독 예브게니 콜로보프(1946-2003)와 모스크바 시장 유리 루즈코프의 주도로 1991년 창단되었으며 곧 러시아 최고의 오페라 그룹 중 하나로 명성을 얻었습니다. 1991 년 Stanislavsky와 Nemirovich Danchenko의 이름을 딴 MAMT의 수석 지휘자 Evgeny Kolobov는 창의적인 차이로 인해 극단과 전체 오케스트라에 참여하여 극장을 떠났습니다. Kolobov는 모스크바 시장 Yuri Luzhkov의 지원을 받아 New Opera Theatre를 설립하고 수석 지휘자이자 예술 감독이되었습니다. Kolobov의 아내 Natalya Popovich가 수석 합창단 장으로 임명되었습니다. 처음에 극장에는 자체 건물이 없었으며 오페라 콘서트 공연과 의상을 입은 다양화 ( "Rossini")가 나타났습니다. 1997년에 뉴 오페라는 에르미타주 정원에 있는 건물을 인수했습니다. 새 극장 건물은 660석 규모의 홀이며 현대적인 조명 장비와 무대 장치를 갖추고 있어 복잡한 무대 효과를 갖춘 공연이 가능하다. 극장에는 자체 오디오 및 비디오 스튜디오가 있습니다. 러시아에 알려지지 않은 오페라 악보를 바탕으로 Kolobov는 오페라 "The Two Foscari"(Verdi), "Mary Stuart"(Donizetti), "Valli"(Catalani), 그의 오페라 "Eugene Onegin"을 모스크바 대중에게 선보입니다. 차이코프스키, 베르디의 '라 트라비아타'. 2000년 오페라 리골레토 초연에서 드미트리 흐보로스토프스키(Dmitry Hvorostovsky)가 주연을 맡았습니다. 2003년 창업주의 사망으로 극장은 위기에 직면하기 시작했다. Bizet의 연극 "The Pearl Fishers"는 비판적으로 인식되고 "The Tsar 's Bride"는 부정적으로 인식됩니다. 2005년 극장의 예술 경영진은 벨리니의 오페라 노르마를 무대에 올리기 위해 독일 감독 요시 윌러(Yossi Willer)와 세르지오 모라비토(음악 감독 겸 프로덕션 펠릭스 코로보프 지휘자)를 초청했습니다. 오페라는 Muscovites 사이에서 감탄을 불러 일으켰습니다. 그리고 어려운 소프라노 역할로 Tatyana Pechnikova는 Golden Mask 상을 받았습니다. 2006년 3월, 극장의 주요 지휘자는 소련 인민 예술가인 에리 클라스(Eri Klas)가 되었으며, 그는 코믹한 색조의 공연을 레퍼토리에 도입했습니다(모차르트의 "마술 피리", 도니제티의 "사랑의 엘리시르", "세비야의 이발사"). " 로시니, "Gianni Schicchi" 푸치니, "Die Fledermaus" "Strauss). 2008년에는 바그너의 오페라 로엔그린이 감독 카스퍼 홀텐에 의해 극장에서 상연되었고, 극장의 상임 객원 지휘자가 된 뛰어난 거장 Jan Latham-Koenig(영국)이 지휘했습니다. 2009년 봄, 초연된 오페레타 'Die Fledermaus'는 대사의 무료 번역으로 인해 대중들 사이에서 불만을 불러일으켰으나 음악에 대한 평가는 긍정적이었다. 최근 이 극장에서는 자주 공연되는 오페라인 "음유시인", "이고르 왕자", "올리언스의 하녀" 등 러시아에서는 아직 알려지지 않은 오페라의 콘서트 공연을 제공하기 시작했습니다. 2005년부터 매년 1월 이 극장에서는 국제 페스티벌을 개최합니다. 노바야 오페라의 “주현절 주간”은 주현절 1월 19일에 태어난 극장 창설자 예브게니 콜로보프에게 헌정되었습니다. 2006년부터 이 극장은 설립자의 이름을 따왔습니다. 극장의 전체 이름: 모스크바 노바야 오페라 극장(Moscow Novaya Opera Theatre)의 이름을 딴 것입니다. E.V. Kolobova. 극장의 레퍼토리에는 오페라 고전의 걸작이 포함됩니다. 이전에 러시아에서 알려지지 않은 오페라 작품(A. Thom의 "Hamlet", Gaetano Donizetti의 "Mary Stuart", A. Catalani의 "Valli"); E.V. Kolobova(“Oh Mozart!” Mozart, M. I. Glinka의 “Ruslan and Lyudmila”, G. Verdi의 “La Traviata”, P. I. Tchaikovsky의 “Eugene Onegin”). 이 극장은 G. Donizetti의 오페라 "Mary Stuart", A. Catalani의 "Valli", G. Verdi의 "The Two Foscari", Mussorgsky의 "Boris Godunov"(첫 번째 작가 판)의 러시아 최초 작품을 소유하고 있습니다. , A. Thom의 "햄릿". 유명한 작곡가와 음악가("Maria Callas", "Viva Verdi!", "Viva Puccini!", "Vincenzo Bellini", "Richard Wagner", "Rossini")의 독특하고 창의적인 초상화 등 새로운 연극 장르도 탄생했습니다. “브라비시모!”) . 전체적으로 노바야 오페라 극장의 레퍼토리에는 70개 이상의 오페라 및 콘서트 장르 작품이 포함되어 있습니다. 매년 1월, 극장에서는 뛰어난 음악문화 거장들이 참여하는 국제축제 '뉴 오페라의 주현절 주간'을 개최한다. 새로운 오페라의 솔리스트-러시아 인민 예술가 Yulia Abakumovskaya, Emma Sarkisyan, 러시아 명예 예술가 Marat Gareev, Marina Zhukova, Elena Svechnikova, Margarita Nekrasova-는 극장에서 수년간 일한 공로로 명예 칭호를 받았습니다. 극장에서 영구적으로 활동하고 있는 젊은 오페라 솔리스트들은 국제 성악 대회의 수상자이자 "Golden Mask", "Casta Diva", "Triumph"와 같은 권위 있는 연극 상을 수상했습니다. 극장의 솔리스트 중 상당수는 Tatyana Pechnikova, Elena Popovskaya, Tatyana Smirnova, Elvira Khokhlova, Margarita Nekrasova, Irina Romishevskaya, Alexander Bogdanov, Roman Shulakov, Andrzej Beletsky, Vitaly Bily, Andrey Breus, Vasily 등 러시아 최고의 목소리로 정당하게 간주될 수 있습니다. Ladyuk, Oleg Didenko, Vladimir Kudashev 및 기타; 그들 중 다수는 러시아 볼쇼이 극장, 메트로폴리탄 오페라, 아레나 디 베로나 등에 참여하고 있습니다. 오케스트라에 할당된 특별한 역할은 극장에서 일하는 지휘자들, 즉 수석 지휘자의 다양한 창의적 관심과 관련이 있습니다. 극장, 소련 인민 예술가 Eri Klas, 러시아 인민 예술가 Anatoly Gus, 러시아의 명예 예술가 Evgeny Samoilov 및 Sergey Lysenko, Dmitry Volosnikov, Felix Korobov, Valery Kritskov, Nikolai Sokolov. 오페라 공연에 참여하는 것 외에도 오케스트라는 교향곡 프로그램을 통해 러시아 최고의 콘서트 장소인 모스크바 음악원 대강당인 콘서트홀에서 공연합니다. 상트페테르부르크 필하모닉 홀의 P.I. 차이코프스키. 오케스트라의 콘서트 레퍼토리는 다양합니다. P. I. Tchaikovsky, D. D. Shostakovich, S. V. Rachmaninov, L. van Beethoven, W. A. ​​​​Mozart의 교향곡, I. F. Stravinsky, P. Hindemith, A. Honegger, F. Chopin, E. Lalo의 작품 연극 솔리스트, 합창단, 초청 음악가가 참여하는 프로그램. 독립 투어에서 오케스트라는 스페인(사라고사, 바르셀로나, 코루나, 산세바스티안, 1992), 포르투갈(포르투, 1992), 독일(카를스루에, 2006)을 방문했습니다. 오케스트라는 러시아 제국 발레단과 함께 터키(이스탄불, 2000), 핀란드(연례 미켈 발레 페스티벌, 2000-2006), 태국(방콕, 2005)을 방문했습니다. 2001년 핀란드 사본린나 오페라 페스티벌에서 로스앤젤레스 오페라단의 W. A. ​​모차르트의 '돈 조반니'와 R. 슈트라우스의 '살로메' 공연에 오케스트라가 참여했다. 연극 합창단은 같은 생각을 가진 전문가 그룹으로 모든 공연에 지속적으로 참여하고 있습니다. 극장의 미학을 유지하기 위해 합창단은 제작의 모든 단계에 참여합니다. 합창단의 전문 교육에서 러시아 및 외국 합창 고전 작품, 신성한 작품, S. I. Taneyev의 "John of Damascus", "Requiem"과 같은 대규모 칸타타-오라토리오 형식의 콘서트 프로그램 연주가 매우 중요합니다. G. Verdi, S. V. Rachmaninov의 "봄"과 "Three Russian Songs", V. A. Mozart의 "Requiem", A. P. Borodin의 "Polovtsian Dances", S. S. Prokofiev의 "Alexander Nevsky", P. I. Tchaikovsky의 "Moscow", "Carmina Burana" " C. 오르프. 노바야 오페라(Novaya Opera)는 무대와 연출에 대한 현대적인 접근 방식이 특징입니다. 극장은 연극 예술 분야의 유명한 거장들과 협력하여 다양한 방향과 스타일의 공연을 만듭니다. 감독은 Stanislav Mitin, Sergey Artsibashev, V. Vasilyev [누구?], Valery Belyakovich, Mikhail Efremov, Alla Sigalova, Roman Viktyuk입니다. , Yuri Grymov, Andreys Žagars, Yuri Alexandrov, Achim Freier, Yossi Wheeler 및 Sergio Morabito, Ralf Lyangbaka, K. Heiskanen, Kasper Holten, Elijah Moshinsky, Gennady Shaposhnikov; 예술가 - Sergey Barkhin, Alla Kozhenkova, Eduard Kochergin, Ernst Heydebrecht, Victor Gerasimenko, Maria Danilova, Eleonora Maklakova, Marina Azizyan, V. Okunev, S. Pastukh, A. Freier, A. Fibrok, A. Freybergs, S. Aarfing, E. 틸비. 음악 문화의 뛰어난 대가들이 New Opera의 직원들과 함께 작업합니다: 지휘자 Yuri Temirkanov, Eri Klas, Gintaras Rinkevičius, Daniel Lipton; 악기 연주자 Eliso Virsaladze 및 Nikolai Petrov, Tatyana Sergeeva(피아노), Natalya Gutman(첼로), 핀란드 재즈맨 Antti Sarpila(클라리넷, 색소폰); 오페라 가수 Jose Cura, Placido Domingo, Mario Frangulis, Dmitry Hvorostovsky (약 10회 공동 공연), Franz Grundheber, Paata Burchuladze, Ferruccio Furlanetto, Deborah Myers, Lyubov Kazarnovskaya 및 Anastasia Volochkova; 그리스 작곡가 미키스 테오도라키스(Mikis Theodorakis)와 뉴욕 아프리카계 미국인 오페라단 에보니 오페라(Ebony Opera)의 솔리스트. 뉴 오페라 순회 지도: 그리스(2005년 Mikis Theodorakis의 기념일 콘서트와 함께 아테네의 Herodes Atticus Odeon에서 연례 음악 축제 폐막), 키프로스(수년 동안 극장은 Mario와 함께 오페라 축제에 참여해 왔습니다. Frangoulis와 Deborah Myers를 비롯해 2005년 그리스의 뛰어난 작곡가 미키스 테오도라키스의 키프로스 방문 기념음악회에도 참여했으며, 이탈리아(페루지아 움브라 뮤지컬 페스티벌), 프랑스(파리 샹젤리제 극장), 독일(Reithalle)에도 참여했다. 홀, 뮌헨), 이스라엘(Rishon LeZion), 핀란드(사본린나 오페라 페스티벌, 쿠오피오 콘서트 홀, 미켈리 연례 발레 페스티벌), 미국(뉴욕 브로드웨이 마틴 벡 극장에서 <유진 오네긴> 14회 공연), 에스토니아 (탈린 비르기타 축제), 스페인, 포르투갈, 유고슬라비아, 터키, 태국, 벨로루시, 우크라이나 및 러시아 도시. 극단의 높은 공연 기술과 무대 솔루션의 독창성은 극장에 마땅한 명성을 안겨주었습니다. 연극팀은 국립연극상 황금가면상, 러시아 오페라상 '카스타 디바', 독립상 '트라이엄프', '소니 BMG 그리스상'(그리스), '금주의 스타' 졸업장 등을 수상했다. 독일 신문 Abendzeitung에서 발췌. 1999년에 이 극장은 유럽 오페라 커뮤니티 오페라 유로파(Opera Europa)에 합류했습니다. 2003년 러시아 연방 대통령의 명령에 따라 극장 창립자인 예브게니 콜로보프(사후), 극장 감독인 세르게이 리센코, 수석 합창단장인 나탈리아 포포비치가 러시아 국가상을 수상했습니다. 노바야 오페라 극장 창설을 위한 연맹. 2006년에 이 극장은 설립자 Evgeniy Kolobov의 이름을 따서 명명되었습니다.

메트로폴리탄 오페라(Metropolitan Opera)는 미국 뉴욕 주 뉴욕 시 링컨 센터에 있는 뮤지컬 극장이다. 세계에서 가장 넓은 오페라 하우스. 줄여서 '메트'라고도 합니다. 이 극장은 세계에서 가장 유명한 오페라 무대에 속합니다. 극장의 예술 감독은 James Levine입니다. CEO는 피터 겔브(Peter Gelb)입니다. 메트로폴리탄 오페라 하우스 컴퍼니(Metropolitan Opera House Company) 합자회사의 자금으로 창설되었습니다. 부유한 기업과 개인으로부터 보조금을 받습니다. 메트로폴리탄 오페라는 1883년 10월 22일 스웨덴 소프라노 크리스티나 닐슨(Christina Nilsson)이 여주인공으로 샤를 구노(Charles Gounod)의 파우스트(Faust) 공연으로 개막했습니다. 극장은 1년에 7개월(9월부터 4월까지) 개장합니다. 시즌당 약 27편의 오페라가 상연됩니다. 공연은 매일 공연되며 총 220회 정도 공연된다. 5월부터 6월까지 극장은 투어를 진행합니다. 또한 7월에는 뉴욕 공원에서 무료 공연을 펼치며 많은 인파를 불러 모은다. 실시간 라디오 및 TV 방송이 정기적으로 진행됩니다. 극장의 오케스트라와 합창단은 영구적으로 활동하며, 솔리스트와 지휘자는 시즌 계약이나 특정 공연을 위해 초대됩니다. 오페라는 전통적으로 원어로 공연됩니다. 레퍼토리는 러시아 작곡가를 포함한 세계 고전을 기반으로 합니다. J. Cleveland Cady가 디자인한 최초의 메트로폴리탄 오페라 하우스는 브로드웨이 39번가와 40번가 사이에 위치해 있었습니다. 1966년에 극장은 맨해튼의 새로운 링컨 센터로 이전했으며 1개의 메인 무대와 3개의 보조 무대를 갖추고 있습니다. 메인 강당은 3,800명을 수용할 수 있으며, 그 규모에도 불구하고 음향이 뛰어난 것으로 유명합니다.

보로네시 국립 오페라 및 발레 극장은 개발 과정에서 큰 발전을 이루었습니다. 1931년 9월, 재능 있는 조직자이자 감독이자 배우인 Lazar Arkadyevich Lazarev가 이끄는 전문 예술가 커뮤니티를 기반으로 조직된 뮤지컬 코미디 극장이 보로네시에서 운영되기 시작했습니다. 지난 세기의 30년대 초, 보로네시는 나중에 지역 중심지가 된 도시인 쿠르스크, 오렐, 탐보프, 리페츠크를 포함하는 중앙 흑해 지역의 중심지였습니다. Voronezh Musical Comedy Theatre의 주요 창의적 임무 중 하나는 Black Earth 지역의 노동자들에게 봉사하는 것이 었습니다. 당시 극장의 레퍼토리에는 클래식 오페레타뿐만 아니라 현대 뮤지컬 코미디도 포함되었습니다. 높은 수준의 공연자들은 공연이 항상 큰 성공을 거두었다는 사실에 기여했습니다. 1958년 모스크바에서 극장에 대한 창의적인 보고서가 열렸습니다. 그것은 성공적이었으며 청중과 수도의 음악 커뮤니티로부터 높은 평가를 받았습니다. 투어 중에 소련 T.N. Khrennikov 작곡가 연합 회장은 뮤지컬 코미디 극장을 뮤지컬 극장으로 개편할 것을 제안했습니다. 이 제안은 문화부와 보로네시 지역 지도부의 지지를 받았습니다. 뮤지컬코미디극장을 뮤지컬극장으로 개편하기로 한 결정은 1960년에 이루어졌다. 보로네시 땅에 새로운 극장의 탄생을 알리는 첫 번째 공연은 극장의 첫 상임지휘자 V. 티모페예프가 상연한 P. 차이콥스키의 오페라 "유진 오네긴"이었습니다. 초연은 1961년 2월 25일에 이루어졌다. 이 날짜는 극장의 생일입니다. 재능 있는 안무가 T. 라모노바(T. Ramonova)가 이끄는 발레단은 "백조의 호수" 공연을 통해 위대한 예술을 향한 여정을 시작했습니다. 60년대에는 국내에서 널리 알려진 재능 있는 크리에이티브 디렉터가 극장에서 일했습니다. 감독-벨로루시 인민 예술가 S.A. Stein, 수석 안무가 - 벨로루시 K.A의 명예 예술가 Muller, 수석 아티스트 - RSFSR V.L.의 명예 아티스트 Tsybin. 젊은 앙상블의 창의적인 형성 기간은 훌륭한 지휘자, 민감한 교사 및 재능있는 조직자 인 RSFSR 인민 예술가, 국가 상 수상자 Anatoly Alekseevich Lyudmilin의 이름과 관련이 있습니다. 그는 극장에서 클래식 오페라와 발레 레퍼토리의 기초를 만들었고 동시대 사람들의 작품을 반복적으로 다루었습니다. 그의 지휘 아래 '아이다', '리골레토', G. 베르디의 '라 트라비아타', G. 비제의 '카르멘', G의 '토스카', 'Cio-Cio-San' 등 10여 편의 공연이 공연됐다. . 푸치니, “스페이드의 여왕” P. 차이코프스키, A. Rubinstein의 "Demon", 불가리아 작곡가 P. Hadzhiev의 "Lud Hydia", A. Spadavecchia의 "Years of Fire". 1967년 소련 인민예술가 야로슬라프 안토노비치 보쉬차크(Yaroslav Antonovich Voshchak)가 수석 지휘자로 초청되었습니다. 그는 A. Lyudmilin의 전통을 이어 갔으며 그 중 주요한 것은 극장의 높은 음악 문화입니다. P. Tchaikovsky의 오페라 "Mazeppa", G. Verdi의 "Il Trovatore", 그가 연출한 K. Molchanov의 "Russian Woman"은 진정한 연극 행사가되었으며 청중의 사랑과 높은 평가를 받았습니다. 비평가. 1968년 Y.A. Voshchak 지휘 하에 뮤지컬 극장은 보로네시 국립 오페라 발레 극장으로 이름이 바뀌었습니다. 70년대에는 주요 지휘자, 카자흐스탄 SSR I.Z. Ostrovsky의 명예 예술가와 러시아 연방 명예 예술가 V.G. Vasiliev, 최고 감독, 몰도바 SSR G.M.의 명예 예술가 안무가가 극장의 창작 생활에서 중요한 역할을 담당했습니다. - 러시아 연방 G.G.의 명예 예술가 Malkhasyants, 수석 예술가 - N.I. Kotov, 수석 합창단 장, 러시아 연방 명예 예술가 L.L. Ditko. 90년대에는 새로운 리더십이 등장했습니다. 상임 지휘자이자 러시아 연방 명예 예술가 Yu.P. Anisichkin, 최고 감독, 러시아 연방 명예 예술가 A.N. Zykov, 수석 예술가, 러시아 연방 명예 예술가 V.G. Kochiashvili. 10년 넘게 발레 예술 감독은 러시아 연방 인민 예술가 N.G. Valitova였습니다. 1999년 합창단은 국제 대회 수상자 V.K. Kushnikov가 이끌었습니다. 개장 이후 인기 있는 클래식 오페라와 발레 레퍼토리 전체를 포함하여 200회 이상의 공연이 연극 무대에서 상연되었습니다. 작업 첫해부터 극장은 레퍼토리 형성에서 고전 전통과 음악 및 연극 예술의 현대 경향을 유기적으로 결합하는 중요한 작업을 고려했습니다. K. Listov의 오페라 "쿠바의 딸", K. Molchanov의 "브레스트 요새", "러시아 여성", 보로네시 무대에서 처음 상연된 G. Fried의 "안네 프랑크의 일기"는 전체 연합을 받았습니다. 인식. 오페라 "브레스트 요새"(감독 S. Stein, 지휘자 G. Orlov, 예술가 V. Tsybin, 합창단 장 V. Izhogin)의 제작은 폭 넓은 반응을 얻었습니다. 수도 언론과 현지 언론 모두 공연자들의 보컬 실력뿐만 아니라 살아있는 영웅의 이미지를 만들어내는 수준 높은 예술성을 주목했습니다. 이 공연은 All-Union Theatre Competition에서 명예 졸업장을 받았습니다. 극장은 Voronezh 작곡가와 긴밀히 협력합니다. 1971년 작곡가이자 연극 지휘자인 M. I. Turgenev의 작업을 기반으로 한 Nosyrev. 이 공연은 비평가와 관중들로부터 높은 평가를 받았으며 10년 이상 레퍼토리에 남아 있었습니다(지휘자 M. Nosyrev, 안무가 D. Aripova, 아티스트 B. Knoblock). 작곡가 G. Stavonin과 공동으로 T.N. Khrennikov가 "국가 음악 생활의 멋진 이벤트"라고 불렀던 최초의 보로네시 오페라 "Oleko Dundich"(1972)와 발레 교향곡 "러시아 땅의 이야기" ”(1982)가 상연되었습니다. 1986년 보로네시 탄생 400주년과 러시아 해군 창설 300주년을 맞아 이 극장에서는 G. 스타보닌의 오페라 “Vivat, Russia!”가 공연되었습니다. 오늘날 극장의 레퍼토리에는 러시아 및 외국 고전, 동시대 작품 등 40개 이상의 작품이 포함되어 있습니다. 지난 수십 년 동안 오페라 및 발레 솔리스트는 국내에 널리 알려진 극장에서 일했으며 자신의 재능을 인정 받았습니다. 오페라 솔리스트 러시아 연방 인민 예술가 E. Poimanov, S. Kadantsev, RSFSR 명예 예술가 F. Sebar, A. Matveeva, L. Kondratenko, E. Svetlova, V. Ryzvanovich, Y. Danilova (부랴티아 인민 예술가), I. Monastyrnaya, V. Egorov, B. Erofeev, I. Denisov, I. Nepomnyashchiy, G. 콜마코프; 발레 솔리스트, 러시아 연방 인민 예술가 N. Valitova, A. Golovan, M. Leonkina - 모스크바, 파리, 바르나에서 열린 국제 발레 대회 수상자. 그녀의 이름은 "The Best Performers of Giselle"에 출판되었습니다. 미국, 러시아 연방 L. Maslennikova, S. Kurtosmanova, V. Dragavtsev의 명예 예술가. 젊은 공연자들은 매년 극장에옵니다. 보로네시 예술 아카데미 및 국가 음악원 졸업생 - 오페라단, 보로네시 안무 학교 - 발레, 로스트로포비치의 이름을 딴 보로네시 음악 대학 - 오케스트라 및 합창단 극장. 극장의 투어 지리는 광범위합니다. 보로네시 주민들의 예술은 독일, 스페인, 체코, 폴란드, 오스트리아, 일본, 핀란드, 아프리카 국가에서 박수를 받았습니다. 1996년에는 발레 <잠자는 숲속의 미녀>가 프랑스 38개 도시에서 공연됐고, 1997년과 1999년에는 인도 순회 공연을 펼쳤다. 2000년부터 보로네시 발레단은 "지젤", "호두까기 인형", "잠자는 숲속의 미녀" 공연으로 네덜란드, 독일, 벨기에를 순회했습니다. 2005년 5월, 발레단은 독일에서 열린 P.I.차이코프스키 작품 국제 페스티벌에 참가했습니다. 2006년과 2009년에 극장은 미국과 캐나다를 순회하며 S. Prokofiev의 발레 "Cinderella", A. Adam의 "Giselle", F. Amirov의 "A Thousand and One Nights"를 상영했습니다. 오페라 공연 "Troubadour"(지휘 Mieczyslaw Nowakowski(폴란드), 감독 A. Zykov), "Othello"(지휘 Yu. Anisichkin, 감독 F. Safarov), "The Queen of Spades"(지휘 Yu. A. Zykov 감독의 Anisichkin)은 1999년과 2001년 네덜란드에서 상영되었습니다. 중앙 검은 지구 지역의 유일한 극장인 보로네시 오페라 및 발레 극장은 지역의 모든 지역에서 오페라 및 발레 예술을 홍보하고, 방문 공연을 개최하며, 지속적으로 투어 지역을 확장하는 것을 임무로 보고 있습니다. Voronezh State Opera and Ballet Theatre의 오페라단 Coloratura 소프라노 Ekaterina Gavrilova 러시아 연방 명예 예술가 Lyudmila Marchenko Elena Petrichenko 국제 콩쿠르 수상자 Elena Povolyaeva Elena Seregina Kristina Panova Oksana Shaposhnikova 전 러시아 콩쿠르 소프라노 수상자 Alexandra Dobrolyubova Galina Kunakovskaya Olga Maksimenko 러시아 연방 인민 예술가 Zoya Mitrofanova Irina Romanovskaya Nina Skrypnikova 러시아 연방 주석 예술가 Alexandra Tyrzyu 국제 대회 수상자 Lyudmila Solod Natalia Tyutyuntseva Anastasia Chernovolos Mezzo - 소프라노 Tatyana Kibalova 국제 대회 수상자 Elena Knyazeva Yulia Pronyaeva 국제 테너 수상자 대회 Dmitry Bashkirov Evgeny Belov Alexey Ivanov 러시아 연방 명예 예술가 Yuri Kraskov 러시아 연방 명예 예술가 Mikhail Syrov Igor Khodyakov Barit 그들은 명예 예술가입니다 러시아 연방 Alexander Anikin Leonid Vorobyov Oleg Guryev 국제 및 전 러시아 대회 수상자 Igor Gornostaev Sergei Meshchersky Alexey Tyukhin 국제 콩쿠르 디플로마 Roman Dyudin Bass Nikolay Dyachok 러시아 연방 명예 예술가 Alexander Nazarov Buryatia 명예 예술가 Mikhail Turchanis Ivan Chernyshov 오페라단 대표 Nadezhda Kopytina 감독 Alfred Meluha Sofya Shalagina 조감독 a, 공연 발표자, 러시아 연방 문화 노동자 Tatyana Kolesnichenko Concertmasters, All-Union Competition Svetlana Andreeva Victoria Maryanovskaya Anatoly Maltsev 졸업장 수상자

20세기의 가장 흥미로운 건물 중 하나는 호주에 있습니다. 1957년에서 1973년 사이에 지어진 시드니 오페라 하우스는 바다로 둘러싸여 있으며 범선과 매우 흡사합니다. 전설적인 건축물의 건축가는 덴마크 출신의 Jorn Utson이었습니다.

건설의 역사

20세기 중반까지 시드니에는 오페라 제작에 적합한 건물이 단 하나도 없었습니다. 시드니 심포니 오케스트라의 신임 상임지휘자 유진 구센스(Eugene Goosens)가 등장하면서 문제가 공개됐다.

그러나 오페라와 오케스트라를 위한 새로운 건물을 짓는 것이 가장 중요한 문제는 아니었습니다. 이때 전 세계는 전쟁 후 회복 중이었고 시드니 행정부는 서두르지 않고 작업을 시작했으며 프로젝트는 동결되었습니다.

시드니 오페라 하우스 건설을 위한 자금 조달은 1954년부터 시작되었습니다. 1975년까지 계속되었으며, 총 1억 달러 정도를 모았습니다.

Cape Bennelong은 가장 큰 문화 건물 중 하나로 선정되었습니다. 요구 사항에 따라 건물에는 두 개의 홀이 있어야 했습니다. 오페라와 발레 공연, 교향악을 위한 첫 번째 건물은 약 3천명을 수용할 수 있을 것으로 예상되었습니다. 두 번째에는 드라마틱한 연주와 실내악 연주로 1,200여 명이 참석한다.

위원회에 따르면 Jorn Utson은 작품을 보낸 233명 중 최고의 건축가가 되었습니다. 그는 시드니 항구에 정박해 있는 범선에서 영감을 받아 이 프로젝트를 만들었습니다. 건축업자들이 프로젝트를 완료하는 데 14년이 걸렸습니다.

1959년에 건설이 시작되었습니다. 즉시 문제가 발생하기 시작했습니다. 정부에서는 홀 수를 2개에서 4개로 늘릴 것을 요구했습니다. 또한, 설계된 윙세일은 구현이 불가능한 것으로 판명되어 올바른 솔루션을 찾는 데 몇 년이 더 걸렸습니다. 1966년 절차가 시작되면서 Utson은 Peter Hull이 이끄는 호주 건축가 그룹으로 대체되었습니다.

1973년 9월 28일, 시드니 오페라 하우스가 문을 열었습니다. 초연은 S. Prokofiev의 오페라 "전쟁과 평화"의 제작이었습니다. 공식 개막식은 10월 20일 엘리자베스 2세가 참석한 가운데 열렸습니다.

일부 숫자

구성된 오페라는 즉시 역사상 불멸의 존재가 되었습니다. 이것은 다양한 용도로 사용되는 5개의 홀과 약 1000개의 방을 포함하는 실로 거대한 단지입니다. 오페라 하우스 건물의 최대 높이는 67m입니다. 건물의 총 중량은 161,000톤으로 추산됩니다.

오페라 하우스 홀

홀 1개

시드니 오페라 하우스의 가장 큰 홀은 콘서트 홀입니다. 2679명의 방문객을 수용할 수 있습니다. 그레이트 콘서트 오르간(Great Concert Organ)도 여기에 있습니다.

홀 2

1,547명의 관객을 수용할 수 있는 오페라홀은 오페라와 발레 공연에 사용된다. 홀에는 세계 최대의 연극용 커튼 태피스트리인 '태양의 커튼'이 전시되어 있습니다.

홀 3

드라마 홀은 544명의 관객을 수용할 수 있습니다. 이곳에서는 드라마와 댄스 공연이 열립니다. Aubusson으로 짜여진 또 다른 태피스트리 커튼도 있습니다. 어두운 색조 때문에 '달의 장막'이라고 불렸습니다.

홀 4

플레이하우스 홀은 398명의 관중을 수용할 수 있습니다. 이는 연극 미니어처, 강의 및 영화관으로도 사용하기 위한 것입니다.

홀 5

1999년에 오픈한 최신 홀 '스튜디오'. 364명의 관객이 이곳에서 아방가르드 예술 정신이 담긴 연극을 관람할 수 있다.

1973년부터 시드니 오페라 하우스는 거의 하루 24시간 중단 없이 운영되고 있습니다. 문화와 예술을 사랑하는 사람들 외에도 시드니를 방문하는 수천 명의 관광객들에게도 이 건물은 사랑받고 있습니다. 시드니 오페라 하우스는 호주의 진정한 상징이 되었습니다.

시드니 오페라 하우스에 관한 비디오

호주 최대 도시에는 시드니 오페라 하우스(Sydney Opera House)라는 자체 명함이 있습니다. 이것은 모든 사람에게 친숙한 건물 중 하나입니다. 많은 사람들이 이 건축물의 특이한 모습에 감탄하지만, 그 모습을 오해라고 말하는 사람들도 있다. 그렇더라도 이곳은 존재 첫날부터 논의가 진행된 장소 중 하나입니다. 이 건물은 대부분의 사람들에게 아름다운 호주와 깊은 연관이 있습니다.
오페라 하우스는 케이프 베넬롱(Cape Benelong)의 호주 항구(Australian Harbour)에 위치해 있습니다. 좌표는 33 51′ 24.51′′ S입니다. sh., 151 12′ 54.95′′ e. 디.

독특한 지붕

시드니 오페라 하우스는 마치 바다의 거대한 파도에 밀려온 듯 거대한 흰색 조개껍질을 닮은 특이한 지붕 덕분에 전 세계적으로 널리 알려지게 되었습니다. 지붕은 이 건물을 다른 모든 건물과 구별하는 요소입니다. 혁신과 표현주의의 정신이 지붕의 볼록한 순백색 구성 요소 사이에 맴돌고 있는 것 같습니다. 이 건물은 2007년부터 유네스코 세계문화유산으로 등재되었습니다.
이렇게 특이한 스타일로 건물을 짓겠다는 생각은 2003년 이 건물로 명망 높은 상을 받은 건축가 존 왓슨(Jorn Watson)의 마음속에 떠올랐습니다.

명세서

오페라 하우스 건물은 삼면이 바다로 둘러싸여 있고 그 자체도 기둥 위에 세워졌다는 점에서 독특합니다. 이 디자인은 기술적 실행이 매우 복잡하지만 이러한 트릭 덕분에 외관은 놀랍고 기대를 뛰어 넘습니다. 극장의 면적은 2.2 헥타르입니다. 길이가 180m를 초과하고 너비가 120m를 초과합니다. 건물의 무게도 약 160,000톤에 달합니다. 그것이 세워진 더미의 수는 5800개입니다.

흥미롭게도 이 건물을 운영하는 데 필요한 전기는 인구 25,000명의 도시에 공급할 수 있는 에너지 양과 거의 같습니다. 건물 자체에는 다양한 콘서트 홀, 소규모 댄스 및 연극 스튜디오가 있습니다. 또한 건물을 관광객에게 흥미롭게 만들기 위해 모든 작업이 수행되었습니다. 특설 상점에서 기념품을 구입하거나 파도가 내려다보이는 레스토랑에서 점심을 먹을 수 있습니다.

내부

거대한 건물 내부에는 많은 방이 있지만 주요 방은 4개입니다.

• 콘서트홀은 수용력 측면에서 가장 큰 것으로 간주되며 약 2,700명의 방문객을 수용할 수 있습니다.
• 오페라와 발레 극장에서는 세계적으로 유명한 작품이 공연됩니다. 홀은 1,500명 이상을 수용할 수 있습니다.
• 시드니에는 500석 규모의 유명한 드라마 극장도 있다.
• 300석 규모의 극장 스튜디오.

시드니 오페라 하우스는 독특한 지붕 구조 덕분에 세계에서 가장 유명한 오페라 하우스가 되었습니다. 지붕의 모양은 커다란 조개껍질을 연달아 배열한 모습이나 바람에 뻗은 거대한 돛과 비슷합니다. 이 지붕의 지붕 높이는 67m, 지붕 지름은 약 150m, 단면 수는 2,000개 이상, 무게는 30톤에 가깝습니다. 길이가 350km에 가까운 금속 케이블이 이 구조를 제자리에 고정합니다.
싱크대의 위치를 ​​주의 깊게 살펴보면 가장 큰 두 개의 싱크대가 극장의 가장 큰 홀을 덮고 있다는 것을 이해할 수 있습니다.

다른 부분은 작은 스튜디오, 레스토랑 및 기념품 가게에 제공된 건물 위에 있습니다. 돔은 세라믹 타일로 덮여 있으며 멀리서 보면 하나의 구조물처럼 보입니다. 다양한 조명 아래에서 타일의 색상이 바뀌고 지붕이 완전히 다른 모습을 보일 수 있습니다. 이를 위해 이러한 타일의 조합이 특별히 고려되었으며 중앙에는 반짝이는 타일이 있고 가장자리에는 무광택 버전이 있습니다. 최근 수십 년 동안 오페라 하우스 옥상의 레이저 쇼가 널리 보급되었으며, 지붕에 세라믹 타일을 배열하는 방식 덕분에 정말 멋진 쇼가 되었습니다.

음향 솔루션

건축에 대한 지식이 어느 정도 있는 많은 사람들은 이러한 독특한 디자인이 내부에서 배치할 때 많은 문제가 발생할 수 있다는 것을 이해합니다. 각 방의 천장 높이가 다르기 때문에 음향 반사 재료로 덮고 특수 홈통을 만들어야 했습니다. 이 홈통은 두 가지 기능을 수행합니다. 즉, 소리를 반사하고 무대 위에 있는 아치를 가리는 역할을 합니다. 실내장식은 호주산 자재를 사용하여 제작하였습니다. 이것은 분홍색 화강암뿐만 아니라 목재 패널과 합판입니다.

건설 시작

극장 건설은 호주에 도착한 라디오 콘서트 지휘자 유진 구센스(Eugene Goosens)가 극장 건립 아이디어를 가지고 당국에 접근하면서 시작됐다. 정부에서 일하는 많은 사람들은 시드니에 그러한 구조의 건설이 필요하다는 음악가의 의견에 동의했습니다. 건설 장소가 즉시 발견되었으며 선택은 Cape Bennelong 근처 제방에 떨어졌습니다.

얼마 후 최고의 프로젝트가 선정되는 결과를 바탕으로 경쟁이 발표되었습니다. 불행히도 건설 아이디어를 생각해 낸 사람의 운명은 호주에서 이루어지지 않았습니다. 그는 오페라 하우스 건설이 시작될 때까지 기다리지 않고 강제로 나라를 떠나야했습니다.

프로젝트 선정

이 대회에는 전 세계에서 220개 이상의 작품이 모였지만 그 중 많은 작품이 너무 진부했고, 반대로 다른 작품은 실현 가능하지 않았습니다. 원래 계획에는 여러 개의 방이 포함되어 작업이 복잡했지만 미래의 극장은 삼면이 물로 둘러싸여 있기 때문에 면적이 제한되었습니다. 건축가가 여러 층에 방을 배치하려고 했기 때문에 많은 프로젝트가 너무 부피가 커 보였습니다.

위원회는 Jorn Watson의 디자인을 좋아했습니다. 방을 라이너로 차례대로 배치하도록 제안했고, 돛 모양의 지붕을 강조하여 부피가 큰 외관 문제를 해결했기 때문입니다.

Jorn Watson이 제시한 스케치는 즉시 계산되었으며 대략적인 비용은 약 700만 달러였습니다. 건축가 자신에 따르면, 반구형 라이너에 대한 아이디어는 오렌지를 자른 후에 떠올랐다고 합니다. 극장 부지가 연달아 위치하는 것을 상상하는 데 도움이 된 것은 오렌지 조각이었습니다. 그는 또한 이 프로젝트를 진행하면서 시청자를 음악의 세계로 데려가는 꿈을 꾸었다고 인정했는데, 많은 음악가들이 이 건물을 "얼어붙은 음악"이라고 부르는 것은 당연합니다.

나중에 건설은 많은 놀라움을 가져왔습니다. 건설에 할당된 자금이 충분하지 않았기 때문에 부족한 자금은 호주 인구를 대상으로 실시된 복권의 도움으로 채워졌습니다.

건축 설계가 공식적으로 승인된 후 공사를 시작할 차례였습니다. 구형 모양을 만드는 기술이 존재하지 않는다는 것이 밝혀졌기 때문에 Watson은 몇 가지 기술적 트릭을 사용했습니다. 각 껍질은 다른 작은 삼각형으로 조립된 엄격한 삼각형 모양을 받았습니다. 여기서는 타일을 깔기 위해 기계적인 방법을 사용하여 작업자의 부담을 크게 줄이고 작업 수행 시간을 단축했습니다.

건축가의 운명

그러나 그러한 트릭조차도 건축가가 발생한 문제에 대처하는 데 도움이 되지 않았습니다. 천장의 독특한 모양으로 인해 음향 문제가 발생하여 작업이 상당히 복잡해졌습니다. 물론 이는 천장에 흡음재를 사용하여 해결하였지만, 계획비용을 초과하여 건축주에게 문제를 더하게 되었다.

1966년 왓슨은 건설 속도와 결과에 불만을 품은 정부 구성원들과 또 다른 큰 싸움을 벌인 후 호주를 완전히 떠났습니다. 오페라 하우스 개관식에서 전체 프로젝트에 손을 댄 첫 번째이자 주요 건축가의 이름은 언급되지 않았고 개관식에 초대되지도 않았지만 같은 해에 이 창작물로 건축상을 받았습니다. .

수십 년 안에 그는 리셉션용 홀 중 하나를 재건축해 달라는 요청을 받았습니다. 그는 작업 계획에 동의하고 실행했으며 나중에 이 홀은 그의 이름을 따서 명명되기 시작했습니다. 그러나 왓슨은 출국 후 호주를 방문한 적이 없습니다. 그의 장례식 날, 이 벽을 만들고 발명한 사람을 기리기 위해 오페라 극장 벽에 있는 스포트라이트가 몇 시간 동안 꺼졌습니다. 이것은 이 구조물 건설의 역사에서 모순이다.

사실 시간이 지남에 따라 오페라 하우스 건설이 대륙의 주요 건설 프로젝트가되었고 모든 눈이 그쪽으로 향했습니다. 당초 계획대로 4년 만에 극장을 짓는 대신 14년에 걸쳐 공사가 지연됐다. 총 작업 비용은 계획된 7개가 아닌 1억 달러였습니다. Watson이 떠난 후 건축가 Hall이 이끄는 젊은 팀이 건설을 시작했습니다. 그의 작품은 많은 전문가들로부터 만족스럽다는 평가를 받고 있다. 많은 사람들은 그가 수정한 내용이 원래 프로젝트를 변경하고 악화시켰다는 점을 알아차렸습니다.

세계 문화에 있어서 오페라 극장의 중요성

극장의 공식 개장은 1973년 10월에 이루어졌습니다. 개막식에서는 바흐 교향곡 9번이 연주되었는데, 이는 독특하고 흉내낼 수 없는 행사였습니다. 매년 약 30만 명의 관광객이 호주의 이 명소를 방문하기 위해 노력하고 있으며 매일 이곳에서 견학이 열립니다. 방문 시 다양한 흥미로운 조합을 선택할 수 있습니다. 예를 들어, 모차르트의 저녁 오페라 <마술피리>는 Mozart's라는 고급 레스토랑에서의 저녁 식사와 잘 어울립니다.

이 유명한 건물의 건설에 들어간 내용과 프로젝트의 독창성으로 인해 이에 대한 의견이 극도로 반대될 수 있다는 것은 이해할 수 있습니다. 어떤 사람들은 지붕의 돛이 아름답고 바람에 펄럭이는 진짜 돛처럼 보인다고 생각합니다. 그러나 극장의 모습이 해변으로 밀려온 거대한 바다고래와 닮았다고 믿는 사람들이 있다. 그럼에도 불구하고 시드니 오페라하우스를 둘러싼 논란은 계속되고 있다. 더욱이 이 건물은 세계의 새로운 불가사의를 찾는 대회에서 결승에 진출하여 10대 최고 건물에 선정되었습니다. 이번 대회는 2007년 초 비영리단체가 주최한 것으로 전자제품을 통해 전 세계 인구가 참여하는 대회였다.