L'Opéra de Sydney possède sa propre architecture futuriste unique, grâce à laquelle il est devenu célèbre dans le monde entier. Les résidents locaux l'ont surnommé non seulement l'un des monuments emblématiques de la ville, mais même la carte de visite de Sydney. Cet amour est partagé par les voyageurs qui, au cours d'une connaissance étroite de ce temple de l'art, développent instantanément un respect pour celui-ci. L'un des bâtiments les plus reconnaissables de la planète accueille les meilleurs artistes du monde et attire plus de 8 millions de visiteurs chaque année.

En mars 1959, les habitants se sont rassemblés au port de Bennelong Point pour assister à une cérémonie marquant le début de la construction de l'Opéra de Sydney. L'architecte danois Jorn Utzon, qui a développé le projet du futur bâtiment, a apporté une tablette de bronze en Australie. Ce jour-là, elle a été installée au point d'intersection des axes des deux salles de concert proposées, et à partir de ce moment, les travaux sur la construction de le chef-d'œuvre architectural a commencé. La plaque commémorative est encore visible aujourd'hui sur les marches du théâtre. En concevant l'apparence du bâtiment, Jorn a créé quelque chose de complètement inhabituel : selon son idée, le toit du bâtiment était censé être composé de plusieurs sphères, ce qui donnait à la façade du théâtre l'image d'un navire naviguant sous voiles. Cette solution a permis de créer une acoustique étonnante au sein de ses murs.

Initialement, il était prévu d'achever la construction dans un délai de quatre ans, mais pour de nombreuses raisons, la mise en œuvre de ce projet audacieux a été retardée de quatorze ans. Un grand nombre de complications ont conduit à un mécontentement croissant à l'égard de Jorn Utzon, qui n'était pas satisfait des modifications apportées à la version originale. L'architecte offensé a quitté son équipe sans voir le résultat final. Le jeune spécialiste nommé à sa place, Peter Hall, a d'abord été stupéfait par l'ampleur du projet, mais a tout de même assumé la tâche difficile.
En 1973, un événement important a eu lieu : l'Opéra de Sydney a ouvert ses portes. La célébration s'est avérée grandiose, notamment grâce à la présence de la reine Elizabeth II, qui a officiellement annoncé le début de la nouvelle Mecque culturelle et a félicité les artisans pour leur incroyable imagination et leur talent.

Il y a quatre salles principales dans le théâtre, désignées pour différents événements. La plus grande est la salle de concert : elle accueille des concerts enchanteurs de musique symphonique avec la participation de l'un des plus grands orgues du monde. Vient ensuite en capacité la salle d'opéra (également connue sous le nom de salle de ballet), inférieure à la première de 1 000 places, pouvant accueillir 1 500 personnes dans ses murs. Les deux autres peuvent accueillir entre 400 et 500 personnes et sont destinés à des représentations dramatiques. Chacun a l'atmosphère habituelle d'un théâtre : un rideau de velours rouge et des sièges de la même teinte, un élégant lustre en cristal diffusant une lumière douce - une décoration digne d'un opéra exceptionnel.

Il est important de noter que les portes de ce temple de l'art sont également ouvertes aux jeunes : le théâtre accueille des représentations musicales de différents groupes rock/indie/techno, ainsi que des spectacles d'illusionnistes et des événements sur le thème de Noël.

L'Opéra de Sydney est depuis longtemps la marque de fabrique de la ville et un symbole de l'Australie. Même les personnes éloignées de l'art et de l'architecture connaissent la réponse à la question de savoir où se trouve le plus beau bâtiment de notre époque. Mais peu d'entre eux ont la moindre idée des difficultés rencontrées par les organisateurs du projet et de la probabilité de son gel. Derrière la « Maison des Muses », apparemment légère et aérée, qui emmène les spectateurs au pays de la musique et de la fantaisie, se cachent des investissements titanesques. L'histoire de la création de l'Opéra de Sydney est aussi originale que sa conception.

Les principales étapes de construction de l'Opéra de Sydney

L'initiateur de la construction fut le chef d'orchestre britannique J. Goossens, qui attira l'attention des autorités sur l'absence dans la ville et dans tout le pays d'un bâtiment de bonne capacité et acoustique, compte tenu de l'intérêt évident de la population pour l'opéra et le ballet. . Il commence également à collecter des fonds (1954) et choisit un site de construction - le cap Bennelong, entouré d'eau sur trois côtés, situé à seulement 1 km du parc central. L'autorisation de construction a été obtenue en 1955, sous réserve d'un refus total du financement budgétaire. Ce fut la première raison du retard dans la construction : les dons et les revenus d'une loterie spécialement annoncée étaient collectés depuis environ deux décennies.

Le concours international pour le meilleur design de l'Opéra de Sydney a été remporté par l'architecte danois J. Utzon, qui a proposé de décorer le port avec un bâtiment ressemblant à un navire volant sur les vagues. Le croquis présenté à la commission ressemblait plutôt à un croquis : l'auteur, peu connu à l'époque, n'avait pas beaucoup d'espoir de gagner. Mais la chance était de son côté : c'est son travail qui a plu au président, Eero Saarinen, un architecte doté d'une autorité inébranlable dans le domaine de la construction de projets publics. La décision n’a pas été unanime, mais le croquis d’Utzon a finalement été reconnu comme le plus ergonomique ; en comparaison, d’autres projets semblaient encombrants et banals. Il était impressionnant sous tous les angles et prenait en compte les conditions d’être entouré d’eau.

La construction, qui a débuté en 1959, a duré 14 ans au lieu des 4 prévus et a nécessité 102 millions de dollars australiens sur une base de 7. Les raisons s'expliquaient à la fois par le manque de fonds et par l'exigence des autorités d'inclure 2 salles supplémentaires dans le projet. Les sphères de coque proposées dans le plan initial ne pouvaient pas toutes les accueillir et présentaient des inconvénients acoustiques. Il a fallu des années à l’architecte pour trouver une solution alternative et résoudre les problèmes.

Les modifications apportées ont eu un impact négatif sur le devis : en raison du poids accru du bâtiment, les fondations construites dans le port de Sydney ont dû être dynamitées et remplacées par une nouvelle, comprenant 580 pieux. Ceci, associé à de nouvelles demandes d'ajout de sites commerciaux (les investisseurs voulaient obtenir leur part) et à un gel du financement de la loterie d'État en 1966, a amené Utzon à abandonner le travail le plus important de sa carrière et à se rendre en Australie à l'avenir. .

Les opposants au projet accusaient les constructeurs de gaspillage et en fait ils avaient raison. Mais ils n'avaient aucune chance d'investir les 7 millions initiaux : à cette époque, il n'y avait pas d'équipement de levage flottant en Australie (chaque grue pour installer les poutres coûtait à elle seule 100 000), de nombreuses solutions étaient radicalement nouvelles et nécessitaient des fonds supplémentaires. Plus de 2 000 sections de toit fixées ont été fabriquées selon des croquis individuels ; la technologie s'est avérée coûteuse et complexe.

Les matériaux pour le vitrage et la toiture ont également été commandés à l'extérieur. 6 000 m 2 de verre et plus d'un million d'unités de carreaux blancs et crème (azulejo) ont été produits dans les pays européens sur commande spéciale. Pour obtenir une surface de toiture idéale, les tuiles ont été fixées de manière mécanisée ; la surface totale de couverture était de 1,62 hectares. La cerise sur le gâteau était les plafonds suspendus personnalisés qui n'étaient pas inclus dans la conception originale. Les constructeurs n’ont tout simplement pas eu la possibilité de terminer le projet avant 1973.

Description de la structure, de la façade et de la décoration intérieure

Après l'inauguration, l'Opéra de Sydney a été rapidement classé parmi les chefs-d'œuvre de l'expressionnisme et les principales attractions du continent. Des photos de lui sont apparues sur des affiches de films, des magazines et des cartes postales souvenirs. Le bâtiment massif (161 000 tonnes) ressemblait à un voilier léger ou à des coquilles blanches comme neige qui changeaient de teinte lorsque l'éclairage changeait. L'idée de l'auteur de capter l'éblouissement du soleil et le mouvement des nuages ​​​​le jour et un éclairage vif la nuit s'est pleinement justifiée : la façade n'a toujours pas besoin de décorations supplémentaires.

Des matériaux locaux ont été utilisés pour décorer l'intérieur : bois, contreplaqué et granit rose. En plus de 5 salles principales pouvant accueillir jusqu'à 5 738 personnes, une salle de réception, plusieurs restaurants, magasins, cafés, de nombreux studios et buanderies étaient situés à l'intérieur du complexe. La complexité de la mise en page est devenue légendaire : tout le monde à Sydney connaît l'histoire d'un coursier qui s'est perdu et est monté sur scène avec un colis pendant la pièce.

Faits intéressants et caractéristiques de la visite

L'auteur de l'idée et développeur du projet principal, Jorn Utzon, a reçu de nombreux prix prestigieux, dont le prix Pritzker en 2003. Il est également entré dans l'histoire comme le deuxième architecte dont la création a été reconnue de son vivant comme site du patrimoine mondial. Le paradoxe de la situation ne réside pas seulement dans le refus de Jorn de travailler sur le projet 7 ans avant son achèvement et de visiter en principe l’Opéra de Sydney. Pour une raison quelconque, les autorités locales n'ont pas mentionné son nom au moment de l'inauguration et ne l'ont pas inscrit sur la table des auteurs à l'entrée (ce qui contrastait fortement avec la médaille d'or que lui avait décernée le Conseil des architectes et des architectes de Sydney). autres formes de gratitude de la communauté culturelle).

En raison des nombreuses modifications apportées et de l'absence de plan de construction original, il est en effet difficile d'évaluer la véritable contribution d'Utzon. Mais c'est lui qui a développé le concept, éliminé l'encombrement de la structure, résolu les problèmes d'emplacement, de fixation sûre des toitures et les principaux problèmes d'acoustique. Les architectes et designers australiens étaient entièrement responsables de la réalisation du projet et de la décoration intérieure. Selon de nombreux experts, ils n’ont pas réussi à s’acquitter de leur tâche. Certains travaux d'aménagement paysager et d'amélioration acoustique sont toujours en cours.

D'autres faits intéressants liés à la découverte et au développement du complexe comprennent :

• demande et plénitude constantes. L'Opéra de Sydney accueille entre 1,25 et 2 millions de spectateurs par an. Le nombre de touristes qui viennent prendre des photos en extérieur est impossible à compter. Les excursions internes se déroulent principalement pendant la journée ; ceux qui souhaitent assister aux spectacles en soirée doivent réserver leurs billets à l'avance ;
• multifonctionnalité. Les salles de l'opéra, en plus de leur fonction principale, sont utilisées pour organiser des festivals, des concerts et des représentations de personnalités importantes : de Nelson Mandela au Pape ;
• accès totalement ouvert aux touristes et sans code vestimentaire. L'Opéra de Sydney accueille ses invités sept jours sur sept, à l'exception du jour de Noël et du Vendredi saint ;
• reconnaissance mondiale du caractère unique. Le complexe est à juste titre inclus parmi les 20 chefs-d'œuvre artificiels du 20e siècle ; ce bâtiment est reconnu comme la structure la plus réussie et la plus remarquable de l'architecture moderne ;
• présence du plus grand orgue du monde avec 10 000 tuyaux dans la salle de concert principale.

Répertoire et programmes supplémentaires

Les amateurs de musique russe ont un motif légitime de fierté : la première œuvre présentée sur la scène de la Maison des Muses fut l’opéra Guerre et Paix de S. Prokofiev. Mais le répertoire du théâtre ne se limite pas à l'opéra et à la musique symphonique. Toutes ses salles accueillent une variété de scènes et de représentations : des miniatures théâtrales aux festivals de cinéma.

Les associations culturelles rattachées au complexe – l’Australian Opera et le Sydney Theatre – sont mondialement connues. Depuis 1974, grâce à leur aide, les meilleures productions et interprètes, y compris les nouveaux opéras et pièces de théâtre nationaux, ont été présentés au public.

Le nombre estimé d'événements organisés atteint 3 000 par an. Pour vous familiariser avec le répertoire et commander des billets, vous devez utiliser les ressources du site officiel. Le programme de l'Opéra de Sydney est en constante évolution. La stratégie consistant à enregistrer numériquement leurs performances en haute qualité et à les diffuser ensuite à la télévision et au cinéma, contrairement aux craintes, a attiré encore plus de téléspectateurs. La meilleure innovation a été décernée à la construction du site extérieur Forecourt au début du nouveau millénaire pour des productions, des spectacles et des concerts sur les rives du port de Sydney.

(Anglais : Sydney Opera House) est l'un des bâtiments les plus célèbres et les plus facilement reconnaissables au monde, symbole de la plus grande ville d'Australie, Sydney, et l'une des principales attractions de l'Australie. Les coquilles en forme de voile qui forment le toit en font un bâtiment qui ne ressemble à aucun autre au monde. L'Opéra est reconnu comme l'un des bâtiments remarquables de l'architecture moderne et, avec le Harbour Bridge, il constitue la marque de Sydney depuis 1973.

L'Opéra de Sydney est situé dans le port de Sydney, sur Bennelong Point. Ce lieu doit son nom à un aborigène australien, ami du premier gouverneur de la colonie. Il est difficile d'imaginer Sydney sans l'Opéra, mais jusqu'en 1958, il y avait un dépôt de tramway régulier à sa place (avant le bâtiment de l'opéra, il y avait un fort, puis un dépôt de tramway).

L'architecte de l'Opéra est le Danois Jorn Utzon. Malgré le succès du concept de coques sphériques, qui résolvait tous les problèmes de construction, étant bien adapté à la production en série, à la fabrication de précision et à la facilité d'installation, la construction a été retardée, principalement en raison de la décoration intérieure des locaux. La construction de l'Opéra devait durer 4 ans et coûter 7 millions AUD. Au lieu de cela, la construction de l’opéra a pris 14 ans et a coûté 102 millions de dollars !

L'Opéra de Sydney est un bâtiment expressionniste au design radical et innovant. Le bâtiment s'étend sur une superficie de 2,2 hectares. Sa hauteur est de 185 mètres et sa largeur maximale est de 120 mètres. Le bâtiment pèse 161 000 tonnes et repose sur 580 pieux, descendus dans l'eau à une profondeur de près de 25 mètres du niveau de la mer. Son alimentation électrique équivaut à la consommation électrique d’une ville de 25 000 habitants. L'électricité est distribuée sur 645 kilomètres de câbles.

Le toit de l'opéra est composé de 2 194 sections préfabriquées, sa hauteur est de 67 mètres et son poids est supérieur à 27 tonnes, l'ensemble de la structure est maintenu en place par des câbles en acier de 350 kilomètres de long. Le toit du théâtre est formé d'une série de « coquilles » constituées d'une sphère de béton inexistante de 492 pieds de diamètre, communément appelées « coquilles » ou « voiles », bien que ce ne soit pas la définition architecturale d'une telle structure. Ces coques sont créées à partir de panneaux de béton préfabriqués en forme de triangle soutenus par 32 nervures préfabriquées du même matériau. Toutes les nervures font partie d'un grand cercle, ce qui permet aux contours des toits d'avoir la même forme et à l'ensemble du bâtiment d'avoir un aspect complet et harmonieux.

L'ensemble du toit est recouvert de 1 056 006 tuiles azulejos de couleurs blanc et crème mate. Bien que de loin, la structure semble être entièrement constituée de tuiles blanches, sous différentes conditions d'éclairage, les tuiles créent des combinaisons de couleurs différentes. Grâce à la méthode mécanique de pose des tuiles, toute la surface du toit s'est avérée parfaitement lisse, ce qui était impossible avec un revêtement manuel. Tous les carreaux ont été fabriqués par l'usine suédoise Höganäs AB avec une technologie autonettoyante, mais malgré cela, certains carreaux sont régulièrement nettoyés et remplacés.

Les deux plus grandes voûtes en coquille forment le plafond de la salle de concert et de l'opéra-théâtre. Dans d'autres pièces, les plafonds forment des groupes de voûtes plus petites.

La structure du toit en gradins était très belle, mais créait des problèmes de hauteur à l'intérieur du bâtiment, car la hauteur résultante n'offrait pas une acoustique adéquate dans les halls. Pour résoudre ce problème, des plafonds séparés ont été réalisés pour réfléchir le son. Dans la plus petite coquille à côté de l'entrée principale et du grand escalier se trouve le restaurant Bennelong.

L'intérieur du bâtiment est décoré de granit rose provenant de la région de Tarana (Nouvelle-Galles du Sud), de bois et de contreplaqué.

Pour ce projet, Utzon a reçu le prix Pritzker, la plus haute distinction architecturale, en 2003. Le prix était accompagné des mots : "Il ne fait aucun doute que l'Opéra de Sydney est son chef-d'œuvre. C'est l'un des grands bâtiments emblématiques du XXe siècle, une image d'une beauté extraordinaire qui est devenue célèbre dans le monde entier - un symbole non seulement de la ville, mais de tout le pays et du continent "

L'Opéra de Sydney abrite quatre des principales compagnies artistiques d'Australie - Australian Opera, Australian Ballet, Sydney Theatre Company et Sydney Symphony Orchestra - et de nombreuses autres compagnies et théâtres sont basés à l'Opéra de Sydney. Le théâtre est l'un des centres des arts du spectacle les plus fréquentés de la ville, accueillant environ 1 500 représentations par an avec une fréquentation totale de plus de 1,2 million de personnes. C'est également l'une des attractions les plus populaires d'Australie, avec plus de sept millions de touristes la visitant chaque année.

Le bâtiment de l'Opéra comprend trois salles de spectacle principales :

La salle de concert de 2 679 places abrite l'Orchestre symphonique de Sydney et contient le plus grand orgue mécanique fonctionnel au monde, avec plus de 10 000 tuyaux.

L'Opéra, de 1 507 places, abrite l'Opéra de Sydney et l'Australian Ballet.

Le Drama Theatre, de 544 places, est utilisé par la Sydney Theatre Company et d'autres compagnies de danse et de théâtre.

En plus de ces trois salles, l'Opéra de Sydney contient plusieurs salles et studios plus petits.

Diana Damrau est une chanteuse d'opéra et de concert allemande, soprano colorature. Diana Damrau est née le 31 mai 1971 à Günzburg, en Bavière, en Allemagne. On dit que son amour pour la musique classique et l'opéra s'est réveillé à l'âge de 12 ans, après avoir vu le magnifique film d'opéra de Franco Zeffirelli « La Traviata » (G. Verdi) avec Placido Domingo et Teresa Strates. À l'âge de 15 ans, elle joue dans la comédie musicale « My Fair Lady » lors d'un festival dans la ville voisine d'Offingen. Elle a reçu sa formation vocale à l'École supérieure de musique de Würzburg, où elle avait pour professeur la chanteuse roumaine Carmen Hanganu. Durant ses études, elle a également étudié à Salzbourg avec Hannah Ludwig et Edith Mathis. Après avoir obtenu son diplôme avec mention du Conservatoire en 1995, Diana Damrau signe un contrat de deux ans avec le théâtre de Würzburg, où elle fait ses débuts professionnels au théâtre dans le rôle d'Eliza dans My Fair Lady et ses débuts à l'opéra dans le rôle de Barbarina des Noces de Figaro. par les rôles d'Annie ("Le Tireur Magique"), Gretel ("Hansel et Gretel"), Marie ("Le Roi et le Charpentier"), Adèle ("La Fledermaus"), Valenciennes ("La Veuve Joyeuse") et autres. Elle signe ensuite des contrats de deux ans avec le Théâtre national de Mannheim et l'Opéra de Francfort, où elle interprète les rôles de Gilda (Rigoletto), Oscar (Un ballo in maschera), Zerbinetta (Ariane à Naxos), Olympia (Les Contes d'Hoffmann). et Reines de la nuit ("La Flûte enchantée"). Elle a joué le rôle de la Reine de la nuit en 1998/99 en tant qu'invitée aux opéras nationaux de Berlin, Dresde, Hambourg, Francfort et à l'Opéra bavarois dans le rôle de Zerbinetta. En 2000, Diana Damrau se produit pour la première fois hors d'Allemagne, à l'Opéra national de Vienne, dans le rôle de la Reine de la nuit. Depuis 2002, la chanteuse travaille comme artiste indépendante dans divers théâtres et la même année, elle fait ses débuts à l'étranger avec un concert aux États-Unis, à Washington. Depuis, elle travaille sur les plus grandes scènes d'opéra du monde, les moments principaux de la carrière de Damrau étant ses débuts à Covent Garden (2003, Reine de la nuit), en 2004 à La Scala lors de l'ouverture après la restauration du théâtre en le rôle-titre dans l'opéra "Europe Recognized" d'Antonio Salieri, en 2005 au Metropolitan Opera (Zerbinetta, "Ariadne auf Naxos"), en 2006 au Festival de Salzbourg, un concert en plein air avec Placido Domingo au Stade Olympique de Munich en l'honneur de l'ouverture de la Coupe du monde à l'été 2006. Le répertoire lyrique de Diana Damrau est très diversifié, elle travaille aussi bien dans des rôles de soprano classique dans des opéras italiens, français et allemands, que dans des œuvres de compositeurs contemporains, et au début de sa carrière dans des comédies musicales et des opérettes. Le bagage de ses rôles à l'opéra atteint près de cinquante et, en plus de ceux mentionnés précédemment, comprend Marcelina (Fidelio, Beethoven), Leila (Les pêcheurs de perles, Bizet), Norina (Don Pasquale, Donizetti), Adina (Elisir d'amour, Donizetti ), Lucia ("Lucia di Lammermoor", Donizetti), Rita ("Rita", Donizetti), Margarita de Valois ("Les Huguenots", Meyerbeer), Servilia ("La Clemenza di Titus", Mozart), Constance et Blonde ( "L'Enlèvement au Sérail", Mozart), Susanna ("Les Noces de Figaro", Mozart), Pamina ("La Flûte enchantée", Mozart), Rosina ("Le Barbier de Séville", Rossini), Sophie (" Der Rosenkavalier", Strauss), Adele ("Die Fledermaus" ", Strauss), Woglind ("Das Rheingold" et "Twilight of the Gods", Wagner) et bien d'autres. Outre ses réalisations à l'opéra, Diana Damrau s'est imposée comme l'une des meilleures concertistes du répertoire classique. Elle interprète des oratorios et des chansons de Bach, Haendel, Mozart, Vincenzo Righini, Beethoven, Robert et Clara Schumann, Meyerbeer, Brahms, Fauré, Mahler, Richard Strauss, Zemlinsky, Debussy, Orff, Barber, et se produit régulièrement à la Philharmonie de Berlin, à Carnegie. Hall, Wigmore Hall, Golden Hall de la Philharmonie de Vienne, ainsi qu'un invité régulier de la Schubertiad, de Munich, de Salzbourg et d'autres festivals. Son CD de chansons de Richard Strauss (Poesie) avec l'Orchestre Philharmonique de Munich a reçu le prix ECHO Klassik en 2011. Diana Damrau vit à Genève, en 2010 elle épouse le baryton-basse français Nicolas Teste, fin de la même année Diana a donné naissance à un fils, Alexandre. Après la naissance de son enfant, la chanteuse revient sur scène et poursuit sa carrière active. Photo : Tanja Niemann

Pauline Viardot, nom complet Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot (français : Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot) est une grande chanteuse mezzo-soprano française du XIXe siècle, professeur de chant et compositeur d'origine espagnole. Pauline Viardot est née le 18 juillet 1821 à Paris. Fille et élève du chanteur et professeur espagnol Manuel Garcia, sœur de Maria Malibran. Enfant, elle a étudié l'art du piano avec Franz Liszt et avait l'intention de devenir pianiste, mais ses étonnantes capacités vocales ont déterminé son métier. Elle se produit dans différents théâtres en Europe et donne de nombreux concerts. Elle était célèbre pour ses rôles de Fides (« Le Prophète » de Meyerbeer), Orphée (« Orphée et Eurydice » de Gluck) et Rosina (« Le Barbier de Séville » de Rossini). Auteur de romans et d'opéras-comiques sur un livret d'Ivan Tourgueniev, son ami proche. Avec son mari, qui a traduit les œuvres de Tourgueniev en français, elle a promu les réalisations de la culture russe. Son nom de famille est orthographié sous diverses formes. Avec son nom de jeune fille Garcia, elle a acquis gloire et notoriété, après le mariage, elle a utilisé pendant un certain temps le double nom de famille Garcia-Viardot et à un moment donné, elle a abandonné son nom de jeune fille et s'est appelée « Mme Viardot ». En 1837, Polina Garcia, 16 ans, donne son premier concert à Bruxelles et en 1839, elle fait ses débuts dans le rôle de Desdémone dans Othello de Rossini à Londres, devenant ainsi le point culminant de la saison. Malgré quelques défauts, la voix de la jeune fille combinait une technique exquise et une passion incroyable. En 1840, Pauline épouse Louis Viardot, compositeur et directeur du Théâtre Italien de Paris. Ayant 21 ans de plus que sa femme, le mari a commencé à s'occuper de sa carrière. En 1844, dans la capitale de l'Empire russe, Saint-Pétersbourg, elle se produit sur la même scène avec Antonio Tamburini et Giovanni Batista Rubini. Viardot avait de nombreux fans. En particulier, l'écrivain russe Ivan Sergueïevitch Tourgueniev tomba passionnément amoureux de la chanteuse en 1843, après avoir entendu sa performance dans Le Barbier de Séville. En 1845, il quitta la Russie pour suivre Polina et devint finalement presque un membre de la famille Viardot. L'écrivain a traité les quatre enfants de Polina comme s'ils étaient les siens et l'a adorée jusqu'à sa mort. Elle, à son tour, était une critique de ses œuvres, et sa position dans la société et ses relations représentaient l'écrivain sous son meilleur jour. La véritable nature de leur relation est encore un sujet de débat. Par ailleurs, Pauline Viardot a communiqué avec d'autres grands personnages, dont Charles Gounod et Hector Berlioz. Réputée pour ses capacités vocales et dramatiques, Viardot a inspiré des compositeurs tels que Frédéric Chopin, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns et Giacomo Meyerbeer, auteur de l'opéra Le Prophète, dont elle fut la première interprète dans le rôle de Fides. Elle ne s'est jamais considérée comme une compositrice, mais elle a en fait composé trois recueils de musique et a également aidé à écrire la musique de rôles créés spécifiquement pour elle. Plus tard, après avoir quitté la scène, elle écrit un opéra intitulé Le dernier sorcier. Viardot parlait couramment l'espagnol, le français, l'italien, l'anglais, l'allemand et le russe et utilisait diverses techniques nationales dans son travail. Grâce à son talent, elle se produit dans les meilleures salles de concert d'Europe, dont l'Opéra de Saint-Pétersbourg (en 1843-1846). La popularité de Viardot était si grande que George Sand en fit le prototype du personnage principal du roman Consuelo. Viardot a chanté le rôle de mezzo-soprano dans Tuba Mirum (Requiem de Mozart) lors des funérailles de Chopin le 30 octobre 1849. Elle a chanté le rôle-titre dans l'opéra Orphée et Eurydice de Gluck. En 1863, Pauline Viardot-Garcia quitte la scène, quitte la France avec sa famille (son mari était opposant au régime de Napoléon III) et s'installe à Baden-Baden. Après la chute de Napoléon III, la famille Viardot rentre en France, où Pauline enseigne au Conservatoire de Paris jusqu'à la mort de son mari en 1883, et tient également un salon de musique boulevard Saint-Germain. Parmi les étudiants et élèves de Pauline Viardot figurent les célèbres Désirée Artaud-Padilla, Sophie Rohr-Brainin, Bailodz, Hasselman, Holmsen, Schliemann, Schmeiser, Bilbo-Bachelet, Meyer, Rollant et d'autres. De nombreux chanteurs russes ont fréquenté avec elle une excellente école de chant, dont F.V. Litvin, E. Lavrovskaya-Tserteleva, N. Iretskaya, N. Shtemberg. Le 18 mai 1910, Pauline Viardot décède, entourée de proches aimants. Elle a été enterrée au cimetière de Montmartre à Paris. Le poète russe Alexeï Nikolaïevitch Pleshcheev lui a dédié son poème « Au chanteur » (Viardot Garcia) : Non ! Je ne vous oublierai pas, sons captivants, tout comme je n'oublierai pas les premières douces larmes d'amour ! Quand je t'ai écouté, le tourment dans ma poitrine s'est atténué, Et encore une fois j'étais prêt à croire et à aimer ! Je ne l'oublierai pas... Puis telle une prêtresse inspirée, couverte d'une couronne de larges feuilles, Elle m'apparut... et chanta un hymne sacré, Et son regard brûlait d'un feu divin... Alors je vis le pâle image en elle de Desdémone, Lorsqu'elle se penchait sur la harpe d'or, Sur le saule elle chantait une chanson... et les gémissements interrompaient le triste débordement de cette ancienne chanson. Avec quelle profondeur elle comprenait et étudiait Celui qui connaissait les gens et les secrets de leur cœur ; Et si le grand sortait du tombeau, il mettrait sa couronne sur son front. Parfois Rosine m'apparaissait, jeune et passionnée, comme la nuit de son pays natal... Et, écoutant sa voix magique, je cherchais cette terre fertile, Où tout enchante l'oreille, tout ravit les yeux, Où la voûte de le ciel brille d'un bleu éternel, Où les rossignols sifflent sur les branches du sycomore et du cyprès l'ombre tremble à la surface des eaux ! Et ma poitrine, pleine de plaisir sacré, de pur délice, s'est élevée, et les doutes anxieux se sont envolés, et mon âme s'est sentie calme et légère. Comme un ami après des jours de séparation douloureuse, j'étais prêt à embrasser le monde entier... Oh ! Je ne vous oublierai pas, sons captivants, tout comme je n'oublierai pas les premières douces larmes d'amour !<1846>

Yulia Novikova est une chanteuse d'opéra et soprano russe. Yulia Novikova est née à Saint-Pétersbourg en 1983. Elle a commencé à jouer de la musique à l'âge de 4 ans. Elle est diplômée avec mention de l'école de musique (piano et flûte). Pendant neuf ans, elle a été membre et soliste du Chœur d'enfants de la télévision et de la radio de Saint-Pétersbourg sous la direction de S.F. Gribkova. En 2006, elle est diplômée avec distinction du Conservatoire d'État de Saint-Pétersbourg. SUR LE. Rimsky-Korsakov en classe de chant (professeur O.D. Kondina). Pendant ses études au conservatoire, elle interprète les rôles de Suzanne (Les Noces de Figaro), Serpina (La Pucelle et Maîtresse), Marthe (La Fiancée du tsar) et Violetta (La Traviata) dans le studio d'opéra. Les débuts professionnels de Yulia Novikova ont eu lieu en 2006 sur la scène du Théâtre Mariinsky dans le rôle de Flora dans l'opéra Le Tour d'écrou de B. Britten (directions V.A. Gergiev et P.A. Smelkov). Julia a obtenu son premier CDI au théâtre de Dortmund alors qu'elle était encore étudiante au conservatoire. En 2006-2008 Julia a interprété au Théâtre de Dortmund les rôles d'Olympia (Les Contes d'Hoffmann), Rosina (Le Barbier de Séville), la Reine de Shemakha (Le Coq d'or) et Gilda (Rigoletto), ainsi que le rôle de la Reine des Nuit (La Flûte enchantée) à l'Opéra de Francfort. Lors de la saison 2008-2009. Julia est revenue avec le rôle de la Reine de la Nuit à l'Opéra de Francfort et a également interprété ce rôle à Bonn. Cette saison également, Oscar (Un ballo in maschera), Medoro (Orlando furieux de Vivaldi), Blondchen (L'Enlèvement au sérail) ont été joués à l'Opéra de Bonn, Gilda à Lübeck, Olympia au Komische Oper (Berlin). Saison 2009-2010 a commencé par une performance réussie dans le rôle de Gilda dans la première production de Rigoletto au Komische Oper de Berlin. Viennent ensuite Reine de la nuit aux Opéras nationaux de Hambourg et de Vienne, au Staatsoper de Berlin, Gilda et Adina (L'Elisir d'amour) à l'Opéra de Bonn, Zerbinetta (Ariane à Naxos) à l'Opéra de Strasbourg, Olympia au Komische Oper et Rosina à Stuttgart . Les 4 et 5 septembre 2010, Julia a interprété le rôle de Gilda dans la retransmission télévisée en direct de « Rigoletto » de Mantoue dans 138 pays (producteur A. Andermann, chef d'orchestre Z. Meta, réalisateur M. Bellocchio, Rigoletto P. Domingo, etc. .). Lors de la saison 2010-2011. Julia jouera Amina (La Sonnambula) à Bonn, Norina (Don Pasquale) à Washington, Gilda au Komische Oper de Berlin, Olympia à l'Opéra de Francfort et Oscar, Reine de la Nuit, Zerbinetta et Adina à l'Opéra national de Vienne. Yulia Novikova apparaît également dans des concerts. Julia a joué avec l'Orchestre Philharmonique de Duisburg (direction J. Darlington), avec l'orchestre de la Deutsche Radio Philharmonie (direction Ch. Poppen), ainsi qu'à Bordeaux, Nancy, Paris (théâtre des Champs-Elysées), Carnegie Hall (New York). Des concerts solo ont eu lieu au Festival Grachten d'Amsterdam et au Festival Muziekdriedaagse de La Haye, ainsi qu'un concert de gala à l'Opéra de Budapest. Dans un avenir proche, nous aurons un concert avec l'Orchestre de Chambre de Berne et un concert du Nouvel An à Vienne. Yulia Novikova est lauréate et lauréate de plusieurs concours musicaux internationaux : - Operalia (Budapest, 2009) - premier prix et prix du public ; — Débuts musicaux (Landau, 2008) - lauréat, lauréat du Prix Emmerich Smol ; - Nouvelles voix (Gütersloh, 2007) - Prix du public ; — Concours international de Genève (2007) - Prix du public ; — Compétition internationale du nom. Vilhelm Stenhammar (Norköpping, 2006) - troisième prix et prix de la meilleure interprétation de musique suédoise contemporaine. Informations du site officiel de la chanteuse Yulia Novikova http://www.julianovikova.com/

Irina Konstantinovna Arkhipova - chanteuse d'opéra soviétique et russe, mezzo-soprano, soliste du Théâtre Bolchoï (1956-1988), Artiste du peuple de l'URSS (1966), titulaire de l'Ordre de Lénine (1971, 1976, 1985), lauréate de le prix Lénine (1978), héros du travail socialiste (1984), lauréat du prix d'État de Russie (1996). Irina Konstantinovna Arkhipova est née le 2 janvier 1925 à Moscou. À l'âge de huit ans, elle entre à l'École centrale de musique du Conservatoire de Moscou, mais en raison d'une maladie soudaine, elle ne peut pas y étudier. Plus tard, Irina est entrée à l'école Gnessin. Pendant la Grande Guerre patriotique, elle et sa famille ont été évacuées vers Tachkent, où elle est entrée à l'Institut d'architecture de Moscou, qui y a également été évacuée. Après l'obtention de votre diplôme, travaillez à la conception et à la construction d'un certain nombre d'installations dans la capitale, notamment un nouveau complexe de bâtiments de l'Université d'État de Moscou sur Vorobyovy Gory, en parallèle avec des cours de chant avec N.M. Malysheva, puis a étudié au Conservatoire de Moscou dans la classe de chant de L.F. Savransky. En 1953, elle est diplômée du conservatoire. En 1954-1956, soliste du Théâtre d'Opéra et de Ballet de Sverdlovsk. En 1956-1988 - soliste du Théâtre Bolchoï. Son interprétation du rôle de Carmen dans l'opéra du même nom de Georges Bizet a reçu une reconnaissance mondiale. Elle se caractérisait par une profonde révélation intérieure de l'image et une interprétation réfléchie. Elle avait le don de se transformer en scène. Depuis 1955, il effectue des tournées à l'étranger (Autriche, Pologne, Allemagne de l'Est, Finlande, Italie, Hongrie, Roumanie, Tchécoslovaquie, Bulgarie, USA, Japon, France, Canada). En 1967 et 1971, elle chante à La Scala (le rôle de Marfa et le rôle de Marina Mniszech). Depuis 1975, il enseigne au Conservatoire de Moscou et depuis 1984, il est professeur. Dans les années 1980, elle donne une série de concerts « Anthologie de la romance russe ». En 1966, elle a été invitée à faire partie du jury du Concours P.I. Tchaïkovski et depuis 1967, elle est présidente permanente du jury du Concours M.I. Glinka. Depuis, elle est membre du jury de nombreux concours prestigieux dans le monde, parmi lesquels le concours « Verdi Voice » et le concours Mario del Monaco en Italie, le Concours Reine Elizabeth en Belgique, le concours Maria Callas en Grèce, le Concours Francisco Viñas en Espagne, concours vocal à Paris, concours vocal à Munich. Depuis 1974 (à l'exception de 1994), elle est présidente permanente du jury du Concours Tchaïkovski dans la section « chant solo ». En 1997, à l'invitation du président azerbaïdjanais Heydar Aliyev et du ministre de la Culture de l'Azerbaïdjan Pallada Bul-Bul Ogly, Irina Arkhipova a présidé le jury du concours Bul-Bul, organisé pour le 100e anniversaire de sa naissance. Depuis 1986, I.K. Arkhipova est présidente de la All-Union Musical Society, qui a été transformée fin 1990 en Union internationale des travailleurs de la musique. Depuis 1983 - Présidente de la Fondation Irina Arkhipova. Docteur honoris causa de l'Académie nationale de musique Muzichescu de la République de Moldavie (1998), président de la Société d'amitié Russie-Ouzbékistan. Elle était députée du Soviet suprême de l'URSS de la 6e convocation. Député du peuple de l'URSS (1989-1991). Auteur des livres : « Mes Muses » (1992), « Musique de la vie » (1997), « Une marque appelée « I » » (2005). Le mari de la chanteuse est l'artiste du peuple de l'URSS Vladislav Piavko. Fils - Andrey. Arrière-petite-fille - Irina. Le 19 janvier 2010, Irina Konstantinovna Arkhipova a été hospitalisée pour pathologie cardiaque à l'hôpital clinique de la ville de Botkin. Le 11 février 2010, le chanteur décède. Elle a été enterrée le 13 février 2010 au cimetière de Novodievitchi à Moscou.

Maria Callas (anglais Maria Callas ; nom sur l'acte de naissance - Sophia Cecelia Kalos, anglais Sophia Cecelia Kalos, baptisée Cecilia Sophia Anna Maria Kalogeropoulos - grec Μαρ?α Καλογεροπο?λου ; 2 (4) décembre 1923, New York - septembre 16 janvier 1977, Paris) - Chanteuse d'opéra américaine (soprano). Maria Callas fait partie des réformateurs de l'opéra tels que Richard Wagner et Arturo Toscanini. La culture de la seconde moitié du XXe siècle est inextricablement liée à son nom. Au début des années 1950, à la veille du phénomène du postmodernisme, alors que l’opéra du XIXe siècle devient un anachronisme esthétique, Maria Callas ramène l’art lyrique au sommet de l’Olympe. Après avoir relancé l'ère du bel canto, Maria Callas ne se limite pas à la colorature virtuose dans les opéras de Bellini, Rossini et Donizetti, mais fait de sa voix le principal moyen d'expression. Elle est devenue une chanteuse polyvalente avec un répertoire allant de l'opéra seria classique comme les Vestales de Spontini aux derniers opéras de Verdi, en passant par les opéras véristes de Puccini et les drames musicaux de Wagner. L'essor de la carrière de Callas au milieu du XXe siècle s'est accompagné de l'apparition du disque longue durée dans l'enregistrement sonore et de l'amitié avec une figure éminente de la maison de disques EMI, Walter Legge. L'arrivée sur la scène des opéras d'une nouvelle génération de chefs d'orchestre comme Herbert von Karajan et Leonard Bernstein et de réalisateurs comme Luchino Visconti et Franco Zeffirelli a fait de chaque représentation avec la participation de Maria Callas un événement. Elle fait de l’opéra un véritable théâtre dramatique, faisant même « des trilles et des gammes exprimer la joie, l’anxiété ou la mélancolie ». Maria Callas est née à New York dans une famille d'immigrés grecs. En 1936, la mère de Maria, Evangelia, retourne à Athènes pour poursuivre l'éducation musicale de sa fille. La mère a voulu incarner ses talents ratés chez sa fille et a commencé à l'emmener à la bibliothèque de New York sur la Cinquième Avenue. Maria a commencé à écouter de la musique classique à l'âge de trois ans, à prendre des cours de piano à cinq ans et de chant à huit ans. À l'âge de 14 ans, Maria commence à étudier au Conservatoire d'Athènes sous la direction de l'ancienne chanteuse espagnole Elvira de Hidalgo. En juillet 1941, à Athènes occupée par les Allemands, Maria Callas fait ses débuts à l'Opéra d'Athènes dans le rôle de Tosca. En 1945, Maria Callas retourne à New York. S'ensuit une série d'échecs : elle n'est pas présentée à Toscanini, elle refuse de chanter le rôle de Cio-Cio-San au Metropolitan Opera en raison de son grand poids et espère une renaissance du Lyric Opera de Chicago, où elle avait espérais chanter, ont été déçus. En 1947, Callas fait ses débuts sur la scène de l'amphithéâtre Arena di Vérone dans l'opéra La Gioconda de Ponchielli, dirigé par Tullio Serafina. La rencontre avec Serafin a été, comme le dit Callas elle-même : « le véritable début de ma carrière et le plus grand succès de ma vie ». Tullio Serafin fait découvrir à Callas le monde du grand opéra. Elle chante les premiers rôles d'Aida de Verdi et de Norma de Bellini fin 1948. Au début de l’année 1949, pendant une semaine, les parties vocalement incompatibles de Brünnhilde dans « La Walkyrie » de Wagner et d’Elvira dans « Les Puritains » de Bellini ont donné naissance au phénomène créatif de la chanteuse Maria Callas. Elle a chanté des parties lyriques, dramatiques et coloratures, ce qui était un miracle du chant - « quatre voix dans une gorge ». En 1949, Callas part en tournée en Amérique du Sud. En 1950, elle chante pour la première fois à La Scala et devient la « reine des prima donnas italiennes ». En 1953, EMI publie pour la première fois des enregistrements complets d'opéras avec Maria Callas. La même année, elle perd 30 kilos. La Callas transformée captive le public sur les scènes d'opéra d'Europe et d'Amérique dans les opéras : « Lucia di Lammermoor » de Donizetti, « Norma » de Bellini, « Médée » de Cherubini, « Il Trovatore » et « Macbeth » de Verdi, « Tosca » de Puccini. En septembre 1957, à Venise, lors d'un bal en l'honneur de l'anniversaire de la journaliste Elsa Maxwell, Maria Callas rencontre pour la première fois Aristote Onassis. Au printemps 1959, ils se retrouvèrent à Venise lors d'un bal. Après cela, Onassis se rend à Londres pour un concert de Callas. Après ce concert, il l'a invitée, elle et son mari, sur son yacht. À la fin du mois de novembre 1959, l'épouse d'Onassis, Tina, a demandé le divorce et Callas et Onassis sont alors ouvertement apparus ensemble dans la société. Le couple se disputait presque constamment et en 1968, Maria Callas apprit par les journaux qu'Aristote Onassis avait épousé la veuve du président américain Jacqueline Kennedy. En 1959, un tournant dans une carrière réussie se produit. Cela a été facilité par la perte de sa voix, une série de scandales, un divorce, une rupture avec le Metropolitan Opera, un départ forcé de La Scala, un amour malheureux pour Aristote Onassis et la perte d'un enfant. Une tentative de retour sur scène en 1964 se solde par un nouvel échec. A Vérone, Maria Callas a rencontré l'industriel local Giovanni Batista Meneghini. Il avait deux fois son âge et aimait passionnément l'opéra. Bientôt, Giovanni avoua son amour à Maria, vendit entièrement son entreprise et se consacra à Callas. En 1949, Maria Callas et Giovanni Meneghini se marient. Il est devenu tout pour Maria : un mari fidèle, un père aimant, un manager dévoué et un producteur généreux. En 1969, le réalisateur italien Pier Paolo Pasolini invite Maria Callas à jouer le rôle de Médée dans le film du même nom. Même si le film n'a pas été un succès commercial, il présente un grand intérêt cinématographique, comme toutes les autres œuvres de Pasolini. Le rôle de Médée était le seul rôle en dehors de l'opéra pour Maria Callas. Les dernières années de sa vie, Maria Callas a vécu à Paris, pratiquement sans quitter son appartement, où elle est décédée en 1977. Elle a été incinérée et enterrée au cimetière du Père Lachaise. Plus tard, ses cendres furent dispersées dans la mer Égée. Les phoniatres italiens (médecins spécialisés dans les maladies des cordes vocales) Franco Fussi et Nico Paolillo ont établi la cause la plus probable du décès de la diva de l'opéra Maria Callas, écrit le journal italien La Stampa (traduction en anglais de l'article publié par Parterre Box). Selon leurs recherches, Callas est décédé d'une dermatomyosite, une maladie rare du tissu conjonctif et des muscles lisses. Fussi et Paolillo sont arrivés à cette conclusion en étudiant les enregistrements de Callas réalisés au fil des années et en analysant la détérioration progressive de sa voix. L'analyse spectrographique des enregistrements en studio et des concerts a montré qu'à la fin des années 1960, lorsque la détérioration de ses capacités vocales est devenue apparente, la gamme vocale de Callas était en fait passée de soprano à mezzo-soprano, ce qui expliquait le changement dans le son des notes aiguës de sa voix. De plus, une étude minutieuse des enregistrements vidéo de ses derniers concerts a révélé que les muscles de la chanteuse s'étaient considérablement affaiblis : sa poitrine ne se soulevait pratiquement pas lors de la respiration et lors de l'inspiration, la chanteuse soulevait ses épaules et tendait ses muscles deltoïdes, c'est-à-dire en fait , elle a commis l'erreur la plus courante en soutenant le muscle vocal. La cause du décès de Maria Callas n'est pas connue avec certitude, mais on pense que la chanteuse est décédée d'un arrêt cardiaque. Selon Fussi et Paolillo, les résultats de leurs travaux indiquent directement que l'infarctus du myocarde qui en a résulté était une complication de la dermatomyosite. Il est à noter que Callas a posé ce diagnostic (dermatomyosite) peu avant sa mort par son médecin Mario Giacovazzo (cela n'a été connu qu'en 2002). Rôles d'opéra de Maria Callas Santuzza - "Honour Rusticana" de Mascagni (1938, Athènes) Tosca - "Tosca" de Puccini (1941, Opéra d'Athènes) Gioconda - "La Gioconda" de Ponchielli (1947, Arena di Vérone) Turandot - "Turandot" de Puccini ( 1948, Carlo Felice (Gênes) Aida - Aida de Verdi (1948, Metropolitan Opera, New York) Norma - Norma de Bellini (1948, 1956, Metropolitan Opera ; 1952, Covent Garden), Londres ; 1954, Lyric Opera, Chicago) Brunnhilde - La Walkyrie de Wagner (1949-1950, Metropolitan Opera) Elvira - Les Puritains de Bellini (1949-1950, Metropolitan Opera) Elena - Vêpres siciliennes "Verdi (1951, La Scala, Milan) Kundry - Parsifal de Wagner (La Scala) Violetta - La Traviata de Verdi ( La Scala) Médée - Médée de Cherubini (1953, La Scala) Julia - "La Vestale" de Spontini (1954, La Scala) Gilda - "Rigoletto" de Verdi (1955, La Scala) Madame Butterfly (Cio-Cio-san) - "Madama Butterfly" de Puccini (La Scala) Lady Macbeth - "Macbeth" de Verdi Fedora - "Fedora" de Giordano Anna Boleyn - "Anne Boleyn" de Donizetti Lucia - "Lucia di Lammermoor" de Donizetti Amina - "La Sonnambula" de Bellini Carmen - "Carmen" de Bizet

Natalie Dessay (née Nathalie Dessaix) est une chanteuse d'opéra française, soprano colorature. L'une des chanteuses les plus importantes de notre époque, au début de sa carrière, elle était connue pour sa voix très haute et transparente, maintenant elle chante dans un registre plus grave. Elle est appréciée des téléspectateurs pour ses excellentes capacités dramatiques et son sens de l'humour vif. Nathalie Dessay est née le 19 avril 1965 à Lyon et a grandi à Bordeaux. Alors qu'elle était encore à l'école, elle a supprimé le « h » de son nom, en l'honneur de l'actrice Natalie Wood, et a ensuite simplifié l'orthographe de son nom de famille. Dans sa jeunesse, Dessay rêvait de devenir ballerine ou actrice et prenait des cours de théâtre, mais un jour, alors qu'elle jouait avec ses camarades dans une pièce peu connue du XVIIIe siècle, elle dut chanter, elle interpréta l'air de Pamina de La Flûte enchantée, tout le monde était étonné, on lui a conseillé de porter son attention sur la musique. Nathalie entre au Conservatoire d'État de Bordeaux, effectue en un an seulement un cursus de cinq ans et obtient son diplôme avec mention en 1985. Après le conservatoire, elle travaille avec l'Orchestre National du Capitole de Toulouse. En 1989, elle remporte la deuxième place du concours Voix Nouvelles organisé par France Télécom, ce qui lui permet d'étudier pendant un an à l'École des Arts Lyriques de l'Opéra de Paris et d'y jouer le rôle d'Eliza dans Le Roi Berger de Mozart. Au printemps 1992, elle chante le court rôle d'Olympia des « Contes d'Hoffmann » d'Offenbach à l'Opéra Bastille, son partenaire était José van Dam, la production déçoit la critique et le public, mais la jeune chanteuse reçoit une ovation et se fait remarquer. . Ce rôle deviendra emblématique pour elle ; jusqu'en 2001, elle incarnera Olympia dans huit productions différentes, dont ses débuts à La Scala. En 1993, Nathalie Dessay remporte le Concours international Mozart organisé par l'Opéra de Vienne et reste étudier et se produire à l'Opéra de Vienne. Ici, elle a chanté le rôle de Blonde de L'Enlèvement au sérail de Mozart, qui est devenu un autre de ses rôles les plus connus et les plus fréquemment interprétés. En décembre 1993, Nathalie se voit proposer de remplacer Cheryl Studer dans le rôle déjà célèbre d'Olympia à l'Opéra de Vienne. Sa performance reçoit la reconnaissance du public viennois et les éloges de Placido Domingo, et la même année, elle interprète ce rôle à l'Opéra de Lyon. La carrière internationale de Nathalie Dessay débute avec des représentations à l'Opéra de Vienne. Dans les années 1990, sa reconnaissance ne cesse de croître et son répertoire de rôles ne cesse de s'élargir, de nombreuses offres sont reçues, elle se produit dans toutes les plus grandes maisons d'opéra du monde - le Metropolitan Opera, La Scala, l'Opéra de Bavière, Covent Garden, le Opéra de Vienne et autres. La particularité de l'actrice Dessay est qu'elle estime qu'une chanteuse d'opéra doit être composée à 70 % de théâtre et à 30 % de musique et s'efforcer non seulement de chanter ses rôles, mais aussi de les jouer de manière dramatique, afin que chacun de ses personnages soit une nouvelle découverte. , jamais comme les autres. Au cours de la saison 2001/2002, Dessay commence à éprouver des difficultés vocales et doit annuler ses représentations et ses concerts en solo. Elle quitte la scène et, en juillet 2002, subit une intervention chirurgicale pour enlever les polypes de ses cordes vocales ; en février 2003, elle revient avec un concert solo à Paris et poursuit activement sa carrière. Lors de la saison 2004/2005, Nathalie Dessay a dû subir une seconde opération. Une nouvelle apparition publique a eu lieu en mai 2005 à Montréal. Le retour de Nathalie Dessay s'accompagne d'une réorientation de son répertoire lyrique. Elle refuse les rôles « faciles » sans profondeur (comme Gilda dans Rigoletto) ou les rôles qu'elle ne veut plus jouer (Reine de la nuit ou Olympia) au profit de personnages plus « tragiques ». Au début, cette position a suscité de sérieux désaccords avec certains directeurs et collègues. Nathalie Dessay est aujourd'hui au sommet de sa carrière et est l'une des soprano les plus marquantes de notre époque. Vit et se produit principalement aux États-Unis, mais tourne constamment en Europe. Les fans russes ont pu la voir à Saint-Pétersbourg en 2010 et à Moscou en 2011. Début 2011, elle chante (pour la première fois) le rôle de Cléopâtre dans Jules César de Haendel à l'Opéra Garnier, puis revient au Metropolitan Opera avec son traditionnel " Lucia di Lammermoor ", puis revient en Europe avec une version concert de " Pelléas et Mélisande " à Paris et Londres et un concert à Moscou. La chanteuse a de nombreux projets dans un futur proche : « La Traviata » à Vienne en 2011 et au Metropolitan Opera en 2012, Cléopâtre dans « Jules César » au Metropolitan Opera en 2013, « Manon » à l'Opéra de Paris et à La Scala en 2013. 2012, Marie (« Fille du Régiment ») à Paris en 2013, et Elvira au Métropolitain en 2014. Nathalie Dessay est mariée au baryton-basse Laurent Naouri et ils ont deux enfants. Sur la scène de l'opéra, on les voit très rarement ensemble, contrairement au couple star Alanya-Georgiou, le fait est que pour un baryton-soprano il y a beaucoup moins de répertoire que pour un ténor-soprano. Pour le bien de son mari, Dessay a accepté sa religion, le judaïsme.

Joyce DiDonato est une célèbre chanteuse d'opéra américaine, mezzo-soprano. Considérée comme l'une des plus grandes mezzo-sopranos de notre époque et la meilleure interprète des œuvres de Gioachino Rossini. Joyce DiDonato (née Joyce Flaherty) est née le 13 février 1969 à Prier Village, Kansas, États-Unis, dans une famille d'origine irlandaise, la sixième de sept enfants. Son père était directeur de la chorale de l'église locale, Joyce y chantait et rêvait de devenir une star de Broadway. En 1988, elle entre à l'Université d'État de Wichita, où elle étudie le chant. Après l'université, Joyce DiDonato décide de poursuivre ses études musicales et entre en 1992 à l'Academy of Vocal Arts de Philadelphie. Après l'académie, elle a participé pendant plusieurs années à des programmes de formation de « Jeune Artiste » dans diverses compagnies d'opéra : en 1995 - à l'Opéra de Santa Fe, où elle a suivi une pratique musicale et a fait ses débuts à l'opéra sur la grande scène, mais jusqu'à présent en mineur rôles dans les opéras « Les Noces de Figaro » de W.A. Mozart, « Salomé » de R. Strauss, « Comtesse Maritza » de I. Kalman ; de 1996 à 1998 - au Houston Grand Opera et a été reconnu comme le meilleur « artiste débutant » ; à l'été 1997 - à l'Opéra de San Francisco dans le cadre du programme de formation Merola Opera. Au cours de ses études et de sa pratique initiale, Joyce DiDonato a participé à plusieurs concours vocaux réputés. En 1996, elle s'est classée deuxième au concours Eleanor McCollum à Houston et a remporté les auditions de district du Metropolitan Opera Competition. En 1997, elle remporte le prix William Sullivan. En 1998, elle remporte la deuxième place au concours Placido Domingo Operalia à Hambourg et la première place au concours George London. Au cours des années suivantes, elle a reçu de nombreux autres prix et récompenses. Joyce DiDonato a débuté sa carrière professionnelle en 1998 en se produisant avec plusieurs compagnies d'opéra régionales aux États-Unis, notamment le Houston Grand Opera. Et elle s'est fait connaître d'un large public grâce à son apparition dans la première mondiale télévisée de l'opéra "Little Woman" de Mark Adamo. Durant la saison 2000-2001. DiDonato a fait ses débuts européens, directement de La Scala dans le rôle d'Angelina dans Cendrillon de Rossini. La saison suivante, elle élargit sa connaissance du public européen en se produisant à l'Opéra des Pays-Bas dans le rôle de Sœur dans Jules César de Haendel, à l'Opéra de Paris dans le rôle de Rosine dans Le Barbier de Séville de Rossini et à l'Opéra d'État de Bavière dans le rôle de Chérubin dans Les Noces de Figaro de Mazart. et dans les programmes de concert "Glory" de Vivaldi avec Riccardo Muti et l'Orchestre de La Scala et "Le Songe d'une nuit d'été" de F. Mendelssohn à Paris. Au cours de la même saison, elle fait ses débuts aux États-Unis au Washington State Opera dans le rôle de Dorabella dans « That’s What All Women Do » de W.A. Mozart. A cette époque, Joyce DiDonato était déjà devenue une véritable star de l'opéra de renommée mondiale, aimée du public et saluée par la presse. Sa carrière ultérieure n'a fait qu'élargir la géographie de ses tournées et lui ouvrir les portes de nouveaux opéras et festivals - Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Opéra Bastille (2002), Teatro Real de Madrid, Nouveau Théâtre National de Tokyo, État de Vienne. Opéra et autres Joyce DiDonato a rassemblé une riche collection de diverses récompenses et prix musicaux. Comme le notent les critiques, il s’agit peut-être de l’une des carrières les plus réussies et les plus fluides du monde de l’opéra moderne. Et même l'accident survenu sur la scène de Covent Garden le 7 juillet 2009 lors d'une représentation du Barbier de Séville, lorsque Joyce DiDonato a glissé sur scène et s'est cassé la jambe, n'a pas interrompu cette représentation, qu'elle a terminée avec des béquilles, ni les représentations ultérieures prévues, qu'elle a interprétées en fauteuil roulant, pour le plus grand plaisir du public. Cet événement « légendaire » a été capturé sur DVD. Joyce DiDonato a débuté la saison 2010-2011 avec le Festival de Salzbourg et ses débuts dans le rôle d'Adalgiz dans « Norma » de Belinni avec Edita Gruberova dans le rôle de Norma, puis avec un programme de concerts au Festival d'Edimbourg. À l'automne, à Berlin, elle interprète le rôle de Rosine dans Le Barbier de Séville et à Madrid, celui d'Octavien dans Le Chevalier à la rose. L'année s'est terminée avec une nouvelle récompense, la première de l'Académie allemande d'enregistrement "ECHO Klassik", qui a nommé Joyce DiDonato "Meilleure chanteuse de 2010". Les deux prix suivants lui ont été décernés par le magazine anglais de musique classique "Gramophone", qui l'a nommée "Meilleure artiste de l'année" et a choisi son disque avec les airs de Rossini comme le meilleur "Récital de l'année". Poursuivant la saison aux États-Unis, elle se produit à Houston puis avec un concert solo au Carnegie Hall. Le Metropolitan Opera l'a accueillie dans deux rôles : le page Isolier dans "Comte Ory" de Rossini et le compositeur dans "Ariane auf Naxos" de R. Strauss. Elle termine la saison en Europe avec des tournées à Baden-Baden, Paris, Londres et Valence. Le site Internet de la chanteuse présente un calendrier chargé de ses futures performances ; cette liste uniquement pour le premier semestre 2012 comprend une quarantaine de représentations en Europe et en Amérique. Joyce DiDonato est maintenant mariée au chef d'orchestre italien Leonardo Vordoni, avec qui elle vit à Kansas City, Missouri, États-Unis. Joyce continue d'utiliser le nom de famille de son premier mari, qu'elle a épousé juste après l'université.

Elina Garanca est une chanteuse mezzo-soprano lettone, l'une des principales chanteuses d'opéra de notre époque. Elina Garanča est née le 16 septembre 1976 à Riga dans une famille de musiciens, son père est directeur de chorale et sa mère, Anita Garanča, est professeur à l'Académie lettone de musique, professeure associée à l'Académie lettone de la culture. , et professeur de chant à l'Opéra national de Lettonie. En 1996, Elina Garanča entre à l'Académie lettone de musique de Riga, où elle étudie le chant avec Sergei Martynov, et depuis 1998, elle poursuit ses études avec Irina Gavrilovich à Vienne, puis avec Virginia Zeani aux États-Unis. L'un des événements qui ont le plus profondément influencé Elina au cours de ses études a été l'interprétation en 1998 du rôle de Jane Seymour de l'opéra "Anne Boleyn" de Gaetano Donizetti - Garanča a appris le rôle en dix jours et a découvert une profonde sympathie pour le bel canto. répertoire. Après avoir terminé ses études, Garancza a fait ses débuts professionnels à l'opéra au Théâtre national de Thuringe du Sud à Meiningen, en Allemagne, avec le rôle d'Octavian dans Der Rosenkavalier. En 1999, elle remporte le concours vocal Miriam Helin à Helsinki, en Finlande. En 2000, Elina Garanča a remporté le prix principal du Concours national d'artistes interprètes de Lettonie, puis a été acceptée dans la troupe et a travaillé à l'Opéra de Francfort, où elle a interprété les rôles de la Seconde Dame dans La Flûte enchantée, de Hansel dans Hansel et Gretel de Humperdinck. et Rosina chez le coiffeur de Séville." En 2001, elle devient finaliste du prestigieux concours international de chanteurs d'opéra de Cardiff et sort son premier album solo avec un programme d'airs d'opéra. La percée internationale de la jeune chanteuse a lieu en 2003 au Festival de Salzbourg, lorsqu'elle interprète le rôle d'Annio dans une production de La Clemenza di Tito de Mozart sous la direction de Nikolaus Harnoncourt. Cette performance est suivie par le succès et de nombreux engagements. Le principal lieu de travail était l'Opéra national de Vienne, où Garanča a interprété les rôles de Charlotte dans Werther et Dorabella dans That's What Everybody Do en 2003-2004. En France, elle se produit d'abord au Théâtre des Champs-Élysées (Angelina dans Cenerentola de Rossini) puis à l'Opéra de Paris (Opéra Garnier) dans le rôle d'Octave. En 2007, Elina Garanča s'est produite pour la première fois sur la scène d'opéra principale de sa ville natale de Riga à l'Opéra national de Lettonie dans le rôle de Carmen. La même année, elle fait ses débuts à l'Opéra d'État de Berlin (Sextus) et au Royal Theatre Covent Garden de Londres (Dorabella), et en 2008 - au Metropolitan Opera de New York avec le rôle de Rosina dans " Le Barbier de Séville" et à l'Opéra Bavarois de Munich (Adalgisa). Actuellement, Elina Garanča se produit sur les scènes des plus grands opéras et salles de concert du monde comme l'une des stars musicales les plus brillantes grâce à sa belle voix, sa musicalité et son talent dramatique convaincant. Les critiques ont souligné la facilité, la rapidité et le confort absolu avec lesquels Garanča manie sa voix, ainsi que le succès avec lequel elle a appliqué la technique vocale moderne au répertoire complexe de Rossini du début du XIXe siècle. Elina Garanča possède une importante collection d'enregistrements audio et vidéo, notamment un enregistrement primé aux Grammy Awards de La Bayazet d'Antonio Vivaldi dirigé par Fabio Biondi, dans lequel Elina a chanté le rôle d'Andronicus. Elina Garanča est mariée au chef d'orchestre anglais Karel Mark Chichon et le couple attend leur premier enfant fin octobre 2011.

Elena Vasilievna Obraztsova est une chanteuse d'opéra et mezzo-soprano soviétique et russe. Artiste du peuple de l'URSS, lauréat du prix Lénine, héros du travail socialiste. L'un des chanteurs célèbres de notre époque. Elena Vasilievna Obraztsova est née le 7 juillet 1939 à Léningrad. Pendant la Grande Guerre patriotique, elle et sa famille ont été évacuées de Leningrad vers Ustyuzhna. La musique faisait partie intégrante de l'enfance d'Elena ; son père, ingénieur de profession, avait une belle voix de baryton et jouait aussi bien du violon - elle se souviendra toujours des soirées musicales à la maison. En 1948-1954, elle chante dans la chorale d'enfants du Palais des Pionniers de Leningrad. Les AA Zhdanov (chef de chœur - M.F. Zarinskaya). En 1954-1957, en raison du transfert officiel de son père, la famille vivait à Taganrog, où Elena étudiait à l'école de musique P.I. Tchaïkovski avec la professeure Anna Timofeevna Kulikova. Lors du concert de reportage à l'école de musique, Obraztsova a été entendue par le directeur de l'école de musique de Rostov, M.A. Mankovskaya, et sur sa recommandation en 1957, Elena fut admise à l'école immédiatement en 2e année. Un an plus tard, en août 1958, après avoir réussi une audition, elle entre au département préparatoire du LGK. SUR LE. Rimski-Korsakov. En 1962, elle remporte le premier prix au Concours vocal de toute l'Union. MI. Glinka et une médaille d'or au Festival mondial de la jeunesse et des étudiants à Helsinki. Le 17 décembre 1963, alors qu'elle était étudiante au conservatoire, E. Obraztsova fait ses débuts sur la scène du Théâtre Bolchoï dans le rôle de Marina Mnishek dans l'opéra "Boris Godounov" du député Moussorgski. En 1964, elle est diplômée du Conservatoire d'État de Leningrad en tant qu'étudiante externe. SUR LE. Rimsky-Korsakov, classe du professeur A.A. Grigorieva (classe d'opéra de A.N. Kireev). La présidente du comité de remise des diplômes, Sofya Petrovna Preobrazhenskaya, a attribué à Elena Obraztsova un 5 plus - une note qui n'avait pas été donnée au Conservatoire de Leningrad depuis environ 40 ans. La même année, elle devient soliste permanente du Théâtre Bolchoï. La nature a généreusement offert Elena Obraztsova. Elle a une voix d'une rare beauté de timbre, veloutée, une richesse sonore d'orgue, une apparition scénique lumineuse, conférant à ses héroïnes d'opéra un relief artistique et une expressivité rares, le talent d'une véritable actrice dramatique. En 1964, Elena Obraztsova, au sein de la troupe du Théâtre Bolchoï, se produit sur la scène de La Scala dans le rôle de Marfa dans l'opéra Khovanshchina et de Marie dans l'opéra Guerre et Paix. Les représentations d'Obraztsova en Italie furent un grand succès et, en 1977, elle fut invitée à ouvrir la saison du 200e anniversaire à La Scala dans le rôle de la princesse Eboli dans l'opéra Don Carlos de G. Verdi. En 1975, Elena Obraztsova part en tournée aux États-Unis avec le Théâtre Bolchoï. Pendant la pièce « Boris Godounov », Obraztsova, qui jouait le rôle de Marina Mnishek, a été appelée sur scène à cinq reprises par des spectateurs enthousiastes et la représentation a dû être arrêtée. Le triomphe d'Elena Obraztsova aux États-Unis a finalement fait d'elle une star mondiale de l'opéra. Quelques mois plus tard, Elena Obraztsova se produit dans Il Trovatore, le spectacle qui ouvre la saison de l'Opéra de San Francisco, avec pour partenaires Luciano Pavarotti et Joan Sutherland. En 1976, Obraztsova, déjà soliste invitée au Metropolitan Opera, fait sensation avec son interprétation du rôle d'Amneris dans Aïda de Verdi. En 1977, Obraztsova a joué le rôle de Delilah dans le Metropolitan. Thor Eckert, critique du New York Times, a alors écrit : « Je doute que vous et moi ayons entendu Delilah, qui pouvait si facilement maîtriser deux octaves et demie - Obraztsova interprète cette partie la plus difficile sans l'ombre d'une tension. Franco Zeffirelli a été invité à jouer le rôle de Santuzzi dans le film "Rural Honor" (1982). "Dans ma vie", a écrit Zeffirelli, "il y a eu trois chocs : Anna Magnani, Maria Callas et Elena Obraztsova, qui ont fait un miracle lors du tournage du film "Honneur rural". Au total, le répertoire d'Elena Obraztsova comprend 86 rôles dans des opéras du répertoire classique russe et étranger, ainsi que dans des opéras de compositeurs du XXe siècle ; nombre de ses rôles sont devenus des classiques vivants de la scène lyrique moderne : Marina Mnishek (Boris Godunov , 1963), La Gouvernante, Polina, Milovzor ( 1964), Comtesse (1965, "La Dame de Pique"), Lyubasha ("La Fiancée du Tsar", 1967), Konchakovna ("Le Prince Igor", 1968), Marfa (" Khovanchchina", 1968). Lyubava ("Sadko", 1979), Amneris ("Aida", 1965), Azucena ("Troubadour", 1972), Eboli ("Don Carlos", 1973), Santuzza ("Honneur rural", 1977), Ulrika (" Bal masqué", 1977), Princesse de Bouillon ("Adrienne Lecouvreur", 1977), Adalgiza ("Norma", 1979), Giovanna Seymour ("Anne Boleyn", 1982), Orphée ("Orphée et Eurydice", 1984), Neris ("Médée", 1989), Leonora ("La Favorite", 1992), Duchesse ("Sister Angelica", 1992), Carmen ("Carmen", 1972), Charlotte ("Werther", 1974), Delilah (" Samson et Dalila", 1974), Hérodias ("Hérodias", 1990), Obéron ("Le Songe d'une nuit d'été" de B. Britten, 1965), Zhenya Komelkova ("Les aubes ici sont tranquilles" de K. Molchanov, 1975) , Judith (« Le Château de Barbe Bleue » de B. Bartok, 1978), Jocaste (« Œdipe Roi » de I. Stravinsky, 1980), Eudosia (« Flamme » de O. Respighi, 1990) ; S. Prokofieva : Frosya ("Semyon Kotko", 1970), Princesse Marya (1964), Helen Bezukhova (1971), Akhrosimova (2000, "Guerre et Paix"), Babulenka ("Le Joueur", 1996), le comte Orlovsky ( " Chauve-souris", 2003) et autres. En plus des rôles d'opéra, Elena Obraztsova est active dans les concerts en Russie et dans le monde. Le répertoire de ses concerts solo comprend la musique de plus de 100 compositeurs russes et étrangers : M.I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. Moussorgski, P.I. Tchaïkovski, S.V. Rachmaninov, S.S. Prokofiev, G.F. Handel, W.A. Mozart, L. Beethoven, R. Schumann, R. Strauss, R. Wagner, J. Brahms, C. Weill, G. Mahler, G. Donizetti, G. Verdi, G. Puccini, P. Mascagni, J. Bizet, J. Massenet, C. Saint-Saëns et autres, ainsi que des chansons russes et des romans anciens. Elle a participé à l'interprétation d'oratorios, de cantates, de messes et d'œuvres de musique sacrée russe. Les compositions de jazz ajoutent de nouvelles touches lumineuses à son talent. En 1986, elle fait ses débuts en tant que réalisatrice en mettant en scène l'opéra Werther de J. Massenet au Théâtre Bolchoï. La chanteuse a joué dans les films musicaux télévisés « La Veuve joyeuse », « Ma Carmen », « Honneur rural » et « Tosca », etc. De 1973 à 1994, Elena Obraztsova a enseigné au Conservatoire d'État Tchaïkovski de Moscou. Depuis 1984 - professeur. Depuis 1992, il enseigne à l'Académie de Musique de Tokyo « Musashino » ; donne des master classes en Europe et au Japon, à l'Académie des Jeunes Chanteurs d'Opéra du Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg. Elle a été et est membre du jury de nombreux concours internationaux, dont le Concours international du nom de P.I. Tchaïkovski à Moscou, Concours international de chant à Marseille, Concours international du nom de N.A. Rimski-Korsakov à Saint-Pétersbourg, le Concours international Ferruccio Tagliavini à Deutschlandsberg, le Concours international de chant d'opéra de Montserrat Caballe. En septembre 1999, le 1er Concours international Elena Obraztsova pour jeunes chanteurs d'opéra a eu lieu à Saint-Pétersbourg et le 8e concours a eu lieu en 2011. Elena exemplaire a enregistré plus de 50 disques, dont des opéras, des oratorios, des cantates, des disques solos avec des œuvres de musique de chambre et d'opéra. Ces dernières années, des « enregistrements live » particulièrement précieux ont été publiés. De juin 2007 à octobre 2008, elle a été directrice artistique du Théâtre Mikhaïlovski (anciennement Théâtre d'opéra et de ballet Moussorgski de Saint-Pétersbourg). Aujourd'hui à Saint-Pétersbourg, elle dirige un centre culturel qui porte son nom, où elle travaille avec de jeunes artistes. Le 24 octobre 1981, une planète mineure n° 4623 a été découverte, qui a reçu le nom de « Obraztsova ».

Kiri Janette Te Kanawa est une chanteuse d'opéra et soprano lyrique néo-zélandaise. L'un des principaux chanteurs d'opéra de notre époque, doté d'une belle et chaleureuse voix et d'un très large répertoire de rôles d'opéra dans diverses langues. Kiri Te Kanawa (née Claire Mary Teresa Rostron) le 6 mars 1944 à Gisborne, en Nouvelle-Zélande, d'une mère irlandaise et d'un père maori, mais on sait peu de choses sur ses parents car Elle a été adoptée par la famille Te Kanawa alors qu'elle était enfant ; ses parents adoptifs étaient également maoris et irlandais. Elle a reçu sa formation générale et musicale à Auckland et était déjà une chanteuse populaire dans les clubs néo-zélandais pendant son adolescence et sa jeunesse adulte. En même temps, elle collectionne tous les prix musicaux importants en Australie et en Nouvelle-Zélande. En 1963, elle termine deuxième au concours « Mobil (Lexus) Song Quest », la première place étant alors remportée par un autre chanteur d'opéra célèbre de Nouvelle-Zélande. , Malvina Major. En 1965, Kiri Te Kanawa est elle-même devenue lauréate du même concours avec l'air « Vissi d'arte » de l'opéra « Tosca » de Puccini. En 1966, elle remporte le concours australien « Sun-Aria » et en tant que gagnante, elle reçoit un bourse pour étudier à Londres. La même année, sans audition, elle entre au Centre for Opera Singing de Londres, où les professeurs notent à la fois son talent et son manque initial de technique vocale. Elle fait ses débuts sur la scène de l'opéra en 1968 en tant que seconde dame dans La Flûte enchantée de Mozart au London Theatre. Sadler's Wells", suivi immédiatement par des rôles dans Didon et Enée de Purcell et le rôle-titre dans Anne Boleyn de Donizetti. En 1969, alors qu'il auditionnait pour le rôle de la Comtesse dans Les Noces de Figaro , le chef d'orchestre Colin Davis a déclaré : "Je ne pouvais pas y croire... à mes oreilles, j'ai fait mille auditions et c'était une voix d'une beauté fantastique." Le Royal Opera House Covent Garden a signé un contrat de trois ans avec Kiri Te Kanawa et ses premières représentations sur la scène de ce théâtre ont eu lieu dans le rôle de Ksenia dans "Boris Godunov" et de la jeune fille-fleur dans "Parsifal" en 1970. Te Kanawa a continué à préparer soigneusement le rôle de la Comtesse, dont la première était prévue à Covet Garden en décembre 1971, mais avant cela, il y a eu une représentation au Santa Fe Opera Festival (Nouveau-Mexique, États-Unis), où elle a essayé ce rôle, avec elle Au même festival, la chanteuse américaine Frederica von Stade a joué; plus tard la presse a noté leur performance: "... il y avait deux nouveaux venus qui ont ébloui le public... tout le monde a immédiatement compris qu'il s'agissait de deux trouvailles et d'une histoire ont confirmé leur performance. Ces deux chanteurs sont devenus amis pendant de nombreuses années. Le 1er décembre 1971 à Covent Garden, Kiri Te Kanawa réitère sa performance à Santa Fe et crée une sensation internationale. Ce jour-là, elle a reçu le statut de star incontestée de l'opéra et est devenue l'une des sopranos les plus célèbres au monde, se produisant dans les plus grandes maisons d'opéra du monde - Covent Garden, Metropolitan Opera (débuts en 1974), Opéra de Paris (1975), Sydney. Opera House (1978), Opéra d'État de Vienne (1980), La Scala (1978), Chicago Lyric Opera, San Francisco, Bavarois et bien d'autres. Ses héroïnes comprennent un vaste répertoire pour soprano, parmi lesquels - trois rôles principaux de Richard Strauss - Arabella d'Arabella, le maréchal, la princesse Maria Therese von Werdenberg du Chevalier à la rose et la comtesse de Capriccio ; Fiordiligi de Mozart dans « C'est ce que font toutes les femmes », Donna Elvira dans « Don Giovanni », Pamina dans « La Flûte enchantée » et bien sûr, la comtesse Almaviva dans « Les Noces de Figaro » ; Violetta de Verdi de Triaviatta, Amelia Boccanegra de Simon Boccanegra, Desdemona d'Ottelo ; de Puccini - Tosca, Mimi et Manon Lescaut ; Carmen Bizet, Tatiana Tchaïkovski, Rosalind Johann Strauss et bien d'autres. Sur scène, sa beauté et sa clarté vocales se sont associées aux plus grands orchestres symphoniques du monde de Londres, Chicago et Los Angeles sous la direction de chefs d'orchestre tels que Claudio Abbado, Colin Davis, Charles Duthoit, Georg Solti et d'autres. Elle participe régulièrement aux festivals internationaux d'opéra - à Glidebourne, Salzbourg et Vérone. Au cours de sa longue carrière créative, Kiri Te Kanawa a sorti environ quatre-vingts disques du répertoire d'opéra et de musique de concert - les airs de concert de Mozart, les Quatre dernières chansons de Strauss, le Requiem allemand de Brahms, le Messie de Haendel et d'autres, ainsi que des albums de musique populaire et de chansons maories. comme un hommage à votre peuple. Certains de ses disques ont reçu un Grammy Award. Le dernier album, "Kiri Sings Karl", est sorti en 2006. Il y a eu deux événements importants dans sa carrière, qu'il est presque impossible pour une chanteuse d'opéra de répéter. En 1981, elle se produit en tant que soliste lors du mariage du prince Charles et de la princesse Diana à la cathédrale Saint-Paul de Londres. La retransmission télévisée en direct de l'événement a attiré plus de 600 millions de téléspectateurs. Le deuxième disque - en 1990, elle a donné un concert ouvert à Auckland, 140 000 spectateurs sont venus assister à sa performance solo. Désormais, ses activités en dehors de la scène sont liées à la fondation qu'elle a créée pour soutenir et aider financièrement les jeunes chanteurs et musiciens. Kiri Te Kanawa a reçu de nombreux prix et récompenses pour ses services au développement de l'art, dont les plus élevés sont Dame Commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique (1982), Compagnon de l'Ordre d'Australie (1990) et l'Ordre de Nouvelle-Zélande (1995). Elle a également reçu des diplômes honorifiques de Cambridge, Oxford, Chicago, Nottingham et d'autres universités. Les performances de Kiri Te Kanawa sur scène d'opéra et de concert sont devenues rares ces dernières années, mais elle n'a pas encore annoncé sa retraite de la scène, même si sa dernière représentation aurait eu lieu en avril 2010, mais elle continue de se produire.

Sumi Cho (Jo Sumi) est une chanteuse d'opéra coréenne, soprano colorature. Le chanteur d’opéra le plus célèbre vient d’Asie du Sud-Est. Sumi Cho est née le 22 novembre 1962 à Séoul, en Corée du Sud. De son vrai nom Sujeong Cho (Jo Sugyeong). Sa mère était chanteuse et pianiste amateur, mais n'a pas pu obtenir une formation musicale professionnelle en raison de la situation politique en Corée dans les années 1950. Elle était déterminée à donner à sa fille une bonne éducation musicale. Sumi Cho a commencé les cours de piano à l'âge de 4 ans et le chant à 6 ans. Lorsqu'elle était enfant, elle devait parfois consacrer jusqu'à huit heures à des cours de musique. En 1976, Sumi Cho entre à l'école des arts Sang Hwa de Séoul (académie privée), dont elle sort diplômée en 1980 avec des diplômes de chant et de piano. De 1981 à 1983, elle poursuit sa formation musicale à l'Université nationale de Séoul. Pendant ses études universitaires, Sumi Cho fait ses premiers débuts professionnels, elle se produit dans plusieurs concerts organisés par la télévision coréenne et interprète le rôle de Suzanne dans « Les Noces de Figaro » à l'Opéra de Séoul. En 1983, Cho décide de quitter l'Université de Séoul et s'installe en Italie pour étudier la musique dans la plus ancienne école de musique, l'Académie Nationale de Santa Cecilia à Rome, où il obtient son diplôme avec mention. Ses professeurs d'italien comprenaient Carlo Bergonzi et Gianella Borelli. Pendant ses études à l'académie, Cho pouvait souvent être entendu lors de concerts dans diverses villes italiennes, ainsi qu'à la radio et à la télévision. C'est à cette époque que Cho décide d'utiliser le nom « Sumi » comme nom de scène afin d'être plus compréhensible pour le public européen. En 1985, elle est diplômée de l'académie avec une spécialisation en piano et chant. Après l'académie, elle suit des cours de chant auprès d'Elisabeth Schwarzkopf et remporte plusieurs concours de chant à Séoul, Naples, Barcelone, Pretoria et le plus important en 1986, le concours international de Vérone, dans lequel seuls les lauréats d'autres concours internationaux importants, pour ainsi dire, le meilleur des meilleurs jeunes chanteurs. Les débuts européens de Sumi Cho à l'opéra ont eu lieu en 1986 dans le rôle de Gilda dans Rigoletto au Teatro Giuseppe Verdi de Trieste. Cette performance attire l'attention d'Herbert von Karajan, qui l'invite à jouer le rôle du page Oscar dans l'opéra Un ballo in maschera avec Placido Domingo, présenté au Festival de Salzbourg en 1987. Au cours des années suivantes, Sumi Cho s'est progressivement orientée vers l'opéra Olympus, élargissant constamment la géographie de ses performances et changeant le répertoire des petits rôles aux grands. En 1988, Sumi Cho fait ses débuts à La Scala et à l'Opéra d'État de Bavière, en 1989 à l'Opéra d'État de Vienne et au Metropolitan Opera, et en 1990 au Chicago Lyric Opera et à Covent Garden. Sumi Cho est devenue l’une des sopranos les plus recherchées de notre époque et conserve ce statut jusqu’à aujourd’hui. Les téléspectateurs l'adorent pour sa voix lumineuse, chaleureuse et flexible, ainsi que pour son optimisme et son humour léger sur scène et dans la vie. Elle est légère et libre sur scène, donnant à chacune de ses performances de subtils motifs orientaux. Sumi Cho a visité tous les pays du monde où l'opéra est apprécié, y compris plusieurs fois en Russie ; sa dernière visite remonte à 2008, lorsqu'elle a voyagé dans plusieurs pays en duo avec Dmitry Hvorostovsky dans le cadre d'une tournée. Elle a un horaire de travail chargé, comprenant des productions d'opéra, des programmes de concerts et du travail avec des maisons de disques. La discographie de Sumi Cho comprend actuellement plus de 50 enregistrements, dont dix albums solo et disques crossover. Ses deux albums sont les plus célèbres - en 1992, elle a reçu un Grammy Award dans la catégorie « Meilleur enregistrement d'opéra » pour l'opéra « Die Femme sans Shadow » de R. Wagner avec Hildegard Behrens, Josée van Dam, Julia Varady, Placido Domingo, chef d'orchestre Georg. Solti, et un album avec l'opéra « Un ballo in maschera » de G. Verdi, qui a reçu un prix du Gramophone allemand.

Le Centre national des arts du spectacle (Grand Théâtre national en chinois), appelé « l'Œuf », est un opéra moderne situé à Pékin, en Chine. Considérée comme l'une des merveilles modernes du monde, elle est de forme ellipsoïdale, faite de verre et de titane et entièrement entourée d'un lac artificiel. Construit en 2007. Le Centre national des arts du spectacle est situé à Pékin, à proximité immédiate (légèrement à l'ouest) de la place Tiananmen (la place principale de Pékin et la plus grande du monde) et du Grand Palais du Peuple (parlement chinois) et non loin de la Cité Interdite (complexe de palais historique). Conçu par l'architecte français Paul André et destiné à ressembler à un œuf flottant dans l'eau ou à une goutte d'eau, ce design futuriste a suscité à l'époque de nombreuses controverses quant à sa construction dans le centre historique de Pékin. En effet, l’aspect emblématique et facilement reconnaissable du Centre national des arts du spectacle contraste fortement avec son environnement, ce qui le rend très attractif. La construction du Centre a commencé en décembre 2001 et a été inauguré en décembre 2007. Ce nouveau théâtre miraculeux a été ouvert avec l'opéra historique russe "Le Prince Igor" d'A.P. Borodine, interprété par l'orchestre, le chœur et les solistes du Théâtre Mariinsky sous la direction de Valery Gergiev. L'ensemble architectural comprend le bâtiment principal, les couloirs souterrains et sous-marins, un parking souterrain, un lac artificiel et des espaces verts. Le dôme principal s'étend d'est en ouest et mesure 212 mètres de long, 144 mètres de large et 46 mètres de haut. Il est composé de plus de 18 000 plaques de titane et de plus de 1 200 feuilles de verre transparent, créant un effet visuel spectaculaire.La partie souterraine du Centre atteint une profondeur de 32,5 mètres (comme un bâtiment de 10 étages) et est la plus profonde de Pékin. La superficie totale du complexe est de 118 900 m², la superficie du bâtiment est de 219 400 m². Le centre est entièrement entouré d'un lac artificiel et toutes les entrées sont uniquement souterraines, l'utilisation de technologies modernes rend le lac libre de glace et propre (sans algues) toute l'année. Il y a un carré vert autour le lac, où les gens peuvent se détendre tranquillement du bruit de la ville. À l'intérieur du bâtiment se trouvent trois salles principales - opéra, concert et théâtre, reliées par des couloirs aériens ; le Centre national abrite également une galerie, une salle d'exposition, des salles de conférence, une bibliothèque, un café et d'autres locaux. La salle d'opéra de 2416 places est la plus belle, conçue pour les représentations d'opéra, de ballet et de danse, et sa couleur est majoritairement dorée. Ses murs vous permettent de les utiliser comme décorations pour vous plonger dans une ambiance créative. La salle de concert peut accueillir 2017 pour des concerts classiques de l'orchestre symphonique et de la musique nationale chinoise, et présente une élégante teinte argentée. La salle de réunion abrite le plus grand orgue d'Asie avec 6 500 tuyaux. La salle de théâtre de 1 040 places, sans fosse d'orchestre, est construite dans le style traditionnel chinois et est principalement destinée aux productions dramatiques et musicales folkloriques. Toutes les salles ont été soigneusement conçues pour intégrer parfaitement l’architecture et l’acoustique.

L'Opéra Garnier (Opéra de Paris, Grand Opéra) (Opéra Garnier, Opéra de Paris, Opéra Garnier, Grand Opéra) est un opéra de Paris, l'un des opéras les plus célèbres au monde. Depuis 1989 (après l'ouverture du nouvel opéra « Opéra Bastille » à Paris), il a commencé à porter le nom de l'architecte « Palais Garnier » (Palais Garnier) ou « Opéra Garnier », cependant, les anciens noms sont toujours présents utiliser. Le bâtiment a été construit en 1875 dans le style néo-baroque (Second Empire), est un monument historique et un chef-d'œuvre architectural. Nombre de places - 1900. Aujourd'hui, les deux institutions (Opéra Garnier et Opéra Bastille) sont réunies au sein de l'entreprise publique-commerciale « Opéra d'État de Paris ». Le Palais Garnier a été conçu dans le cadre de la grande reconstruction de Paris sous le « Second Empire », initiée par l'empereur Napoléon III, dirigé par le baron Georges Haussmann (Haussmann). La raison immédiate de la construction du nouveau théâtre fut la tentative d'assassinat de l'empereur, survenue le 14 janvier 1858. Napoléon III allait visiter l'opéra rue Le Peletier, les révolutionnaires italiens dirigés par Felice Orsini lancèrent trois bombes sur le théâtre. la calèche impériale et le cortège accompagnant l'empereur à son approche du théâtre. Huit personnes sont mortes et environ 150 ont été blessées ; par hasard, Napoléon III lui-même et sa famille n'ont pas été blessés ; dès lors, l'empereur a refusé de visiter l'ancien théâtre et a ordonné la construction d'un nouveau. Fin 1860, un concours d'architecture fut lancé pour la conception de « l'Académie impériale de musique et de danse » ; en 1861, l'architecte inconnu Charles Garnier (1825-1898), âgé de 35 ans, fut déclaré vainqueur. Le projet lui-même n'a pas suscité beaucoup de controverse et a été accepté par la majorité, cependant, des désaccords sont survenus entre Garnier et Haussmann sur les environs du palais - Garnier a proposé de créer un parc et Haussmann une place et des immeubles de grande hauteur. La première pierre fut posée en 1861 et la construction proprement dite commença en 1862. La construction de l'opéra a duré près de 15 ans et s'est accompagnée de nombreux problèmes. L'un des premiers et principaux problèmes était le sol marécageux et le lac souterrain, qui ont mis près d'un an à se vider. En 1867 eut lieu l'ouverture préliminaire du théâtre ; pour l'Exposition universelle de Paris, l'empereur ordonna qu'au moins la façade principale soit achevée, et en toute hâte, bien avant que tous les travaux ne soient terminés, la construction de la façade fut achevée. . La légende raconte qu'après la dépose de l'échafaudage, l'épouse de l'empereur, l'impératrice Eugénie, commenta : « Qu'est-ce que c'est, de quel style est-ce ? Ce n'est pas du style ! ... ce n'est ni grec ni romain, ni Louis XV, ni même Louis XVI », ce à quoi Charles Garnier répond : « Ces styles appartiennent au passé... C'est le style de Napoléon III, Madame. » Plus échecs dans le processus La construction du théâtre s'est poursuivie pendant la guerre franco-prussienne, lorsque le bâtiment inachevé abritait des entrepôts militaires, puis après la chute du Second Empire français et de la Commune de Paris. Pendant ce temps, la construction s'est arrêtée et s'est poursuivie de temps en temps et des rumeurs circulaient selon lesquelles la construction d'un opéra pourrait être arrêtée. L'incendie du théâtre Le Pelletier a été une nouvelle incitation à poursuivre la construction. Le théâtre Le Pletier était la salle principale de l'Opéra et du Ballet de Paris depuis 1821, le 29 octobre 1821. En 1873, il y a eu un incendie, l'incendie a fait rage pendant 27 heures et a complètement détruit le bâtiment. Paris avait besoin d'un nouvel opéra, c'était une question de prestige. Le nouveau gouvernement a de nouveau appelé Charles Garnier pour continuer les travaux et a alloué des forces et des fonds importants pour cela. Fin 1874, la construction est achevée. Le Palais Garnier est inauguré le 5 janvier 1875. A l'ouverture il y avait plus de 2 000 invités du monde entier, le concert de gala comprenait plusieurs scènes d'œuvres diverses : "La Muette de Portici" de Daniel Aubert, "Le Juif" de Fromental Halévy, "Guillaume Tell" de Gioachino Rossini , "Les Huguenots" de Giacomo Meyerbeer et le ballet "Le Ruisseau" de Léo Delibes. Lors de l'ouverture, un incident s'est produit - les organisateurs de l'événement ont forcé Charles Garnier à acheter un billet, cet incident a provoqué le ridicule de la presse : « le gouvernement oblige l'architecte à payer de l'argent pour voir l'ouverture de sa création », soulignant ainsi le attitude des nouvelles autorités envers les personnes respectées qui travaillaient avec l'ancien empereur. L'ensemble de la construction du palais a entraîné une dépense totale de 36 millions de francs en or, au lieu des 20 prévus. Il restait des endroits inachevés, par exemple la Rotonde des Miroirs et la Galerie des Fumeurs. Le dernier n'a jamais été terminé. L'Opéra Garnier est un bâtiment d'un luxe exceptionnel tant à l'extérieur qu'à l'intérieur. Le hall de l'escalier principal est l'un des lieux les plus célèbres de l'Opéra Garnier. Revêtu de marbre de différentes couleurs, il accueille un double escalier menant aux foyers et aux étages du théâtre. L'escalier d'honneur est aussi un théâtre, la scène où défilait le public sélect au temps des crinolines. Les quatre parties du plafond peint représentent diverses allégories musicales. Le foyer, où déambulent les spectateurs pendant l'entracte, est spacieux et richement décoré. La voûte du premier foyer est recouverte d'une belle mosaïque à fond doré. De là, vous avez une belle vue sur tout l’espace de l’escalier principal. Le grand foyer a été conçu par Garnier sur le modèle des galeries d'état des anciens châteaux. Le jeu de miroirs et de fenêtres donne visuellement à la galerie encore plus d'espace. Sur le magnifique plafond, peint par Paul Baudry, se trouvent des scènes de l'histoire de la musique, et l'élément décoratif principal est la lyre. Il est partout dans ce royaume décoratif – des arches aux grilles de chauffage en passant par les poignées de porte. Au centre du foyer, près d'une de ces fenêtres qui donnent sur l'avenue de l'Opéra jusqu'au Louvre, se trouve une copie du buste de Charles Garnier par le sculpteur Carpeaux. Au bout de la galerie avec le bar se trouve le Salon des Miroirs - une rotonde propre et lumineuse avec une ronde de bacchantes et de faunes au plafond peint par Clairin, avec des images sur les murs de diverses boissons (thé, café, orangeade, champagne...), ainsi que des scènes de pêche et de chasse. Achevé après l'ouverture de l'Opéra, le salon continue de conserver l'esprit de 1900. L'auditorium rouge et or de style italien a la forme d'un fer à cheval. Elle est éclairée par un immense lustre en cristal pesant six tonnes et le plafond a été peint en 1964 par Marc Chagall. Les chaises sont recouvertes de velours. Un magnifique rideau en tissu peint imite une draperie rouge avec des galons et des pompons dorés. L'Opéra Garnier est devenu un exemple architectural inspirant dans la construction de nombreux autres théâtres. Les architectes ont entièrement ou partiellement utilisé des éléments de ce style. En Pologne, plusieurs bâtiments sont basés sur les plans de Garnier - le théâtre de Cracovie (1893) et la Philharmonie de Varsovie (1901, détruite par les bombardements en 1939 et reconstruite dans un style différent), en Ukraine - l'Opéra de Lviv (1901) et l'Opéra de Kiev (1901), au Brésil - le Théâtre Amazone de Manaus (1896) et le City Opera de Rio de Janeiro (1909), aux États-Unis - le Jefferson Building (1897) et la Bibliothèque du Congrès de Washington, à Vietnam - l'Opéra de Hanoï (1911) et l'opéra de Hô Chi Minh-Ville (1897), construits pendant la colonisation du Vietnam (le Vietnam était une colonie française), tous sont des copies plus petites de l'Opéra Garnier.

Le Théâtre académique d'opéra et de ballet de Samara est un théâtre musical situé à Samara, en Russie. Le Théâtre académique d'opéra et de ballet de Samara est l'un des plus grands théâtres musicaux russes. L'ouverture du théâtre eut lieu le 1er juin 1931 avec l'opéra Boris Godounov de Moussorgski. A ses origines se trouvaient d'éminents musiciens russes - un élève de Taneyev et Rimsky-Korsakov, le chef d'orchestre et compositeur Anton Eikhenwald, le chef d'orchestre du Théâtre Bolchoï Ariy Pazovsky, le célèbre chef d'orchestre russe Isidor Zak, le directeur du Théâtre Bolchoï Joseph Lapitsky. Des maîtres tels que les chefs d'orchestre Savely Bergolts, Lev Ossovsky, le réalisateur Boris Ryabikin, les chanteurs Alexander Dolsky, l'artiste du peuple de la RSS d'Ukraine Nikolai Poludenny, l'artiste du peuple de Russie Viktor Chernomortsev, l'artiste du peuple de la RSFSR, la future soliste du Théâtre Bolchoï Natalya Shpiller, Larisa Boreyko a inscrit leurs noms dans l'histoire du théâtre et bien d'autres. La troupe de ballet était dirigée par la soliste du Théâtre Mariinsky, participante aux légendaires saisons Diaghilev à Paris, Evgenia Lopukhova. Elle a ouvert une série de brillants chorégraphes de Saint-Pétersbourg qui, au fil des années, ont dirigé le ballet de Samara. Les chorégraphes du Théâtre Samara étaient un chorégraphe talentueux, élève d'Agrippine Vaganova Natalya Danilova, la légendaire ballerine de Saint-Pétersbourg Alla Shelest, le soliste du Théâtre Mariinsky Igor Chernyshev, l'artiste du peuple de l'URSS Nikita Dolgushin. Le théâtre élargit rapidement son répertoire. Les productions des années 1930 comprenaient des classiques de l'opéra et du ballet : opéras de Tchaïkovski, Glinka, Rimsky-Korsakov, Borodine, Dargomyzhsky, Rossini, Verdi, Puccini, ballets de Tchaïkovski, Minkus, Adan. Conformément aux exigences de l’époque, le théâtre accorde une grande attention au répertoire moderne. Dans la période d'avant-guerre, les opéras « La Steppe » de A. Eichenwald, « Tanya » de Kreitner, « La Mégère apprivoisée » de Shebalin et d'autres ont été mis en scène pour la première fois dans le pays. aux chefs-d'œuvre inconnus ou injustement oubliés était une caractéristique du théâtre de l'après-guerre. Ses affiches contiennent des dizaines de titres, issus des classiques du XVIIIe siècle. (« Médée » de Cherubini, « Le Mariage secret » de Cimarosa) et des œuvres rarement interprétées de compositeurs russes du XIXe siècle. (« Servilia » de Rimski-Korsakov, « L'Enchanteresse » de Tchaïkovski, « L'Arbre de Noël » de Rebikov) à l'avant-garde européenne du XXe siècle. (« Le Nain » de von Zemlinsky, « Le Noces » de Stravinsky, « Harlecchino » de Busoni). Une page particulière de la vie du théâtre est la co-création avec des auteurs nationaux modernes. Les compositeurs russes exceptionnels Sergei Slonimsky et Andrey Eshpai, Tikhon Khrennikov et Andrey Petrov ont confié leurs œuvres à notre scène. L'événement le plus important, bien au-delà des frontières de la vie culturelle de Samara, a été la première mondiale de l'opéra « Visions d'Ivan le Terrible » de Slonimsky, interprété par le grand musicien du XXe siècle Mstislav Rostropovitch en collaboration avec le remarquable metteur en scène Robert Sturua et artiste Georgiy Aleksi-Meskhishvili. Au début de la Grande Guerre patriotique, la situation culturelle de la ville changeait radicalement. En octobre 1941, le Théâtre Bolchoï d’État de l’URSS fut évacué vers Kuibyshev/Samara (« capitale alternative »). L'initiative artistique revient aux plus grands maîtres de la scène de l'opéra et du ballet soviétique. Pour 1941 - 1943 Le Théâtre Bolchoï a présenté 14 opéras et ballets à Samara. Les chanteurs de renommée mondiale Ivan Kozlovsky, Maxim Mikhailov, Mark Reisen, Valeria Barsova, Natalya Shpiller, la ballerine Olga Lepeshinskaya se sont produits sur la scène de Samara, sous la direction de Samosud, Fire, Melik-Pashayev. Jusqu'à l'été 1943, le personnel du Théâtre Bolchoï vivait et travaillait à Kuibyshev. En remerciement pour l'aide des résidents locaux dans cette période difficile, ses artistes sont venus plus d'une fois dans la Volga après la guerre avec leurs nouvelles œuvres, ainsi qu'avec le répertoire historique de la guerre. En 2005, pour commémorer le 60e anniversaire de la Victoire dans la Grande Guerre patriotique, le Théâtre Bolchoï de Russie a offert au public de Samara une nouvelle rencontre avec son art. Les tournées et les concerts (le ballet "Le Courant lumineux" de Chostakovitch, l'opéra de Moussorgski "Boris Godounov", la grande Symphonie de la Victoire - la Septième Symphonie de Chostakovitch, un concert d'une fanfare et de solistes d'opéra) ont été un succès triomphal. Comme l'a noté le directeur général du Théâtre Bolchoï de Russie A. Iksanov : « Pour l'ensemble du personnel du Théâtre Bolchoï, cette tournée est une autre occasion d'exprimer sa profonde gratitude aux habitants de Samara pour le fait que, dans les moments difficiles de guerre, le Théâtre Bolchoï Le théâtre a trouvé ici une deuxième maison. L’apogée de la vie musicale de Samara au XXe siècle, un événement véritablement historique, a été la représentation de la Septième Symphonie (« Leningrad ») de Dmitri Chostakovitch sur la scène de l’Opéra de Samara. La grande œuvre, reflétant les événements tragiques de la guerre, véhiculant toute la grandeur de l'exploit des soldats soviétiques, a été achevée par le compositeur en décembre 1941 lors de l'évacuation à Samara et interprétée par l'orchestre du Théâtre Bolchoï sous la direction de Samuil Samosud le 5 mars. , 1942. Le théâtre vit une vie intense. La reconstruction s'achève, de nouveaux noms apparaissent sur l'affiche, des chanteurs et des danseurs remportent de prestigieux concours internationaux et panrusse et de nouvelles forces créatrices rejoignent la troupe. Le personnel du théâtre peut être fier de la concentration de créatifs talentueux et brillants. Les artistes émérites de Russie Mikhaïl Gubsky et Vasily Svyatkin sont des solistes non seulement du Théâtre de Samara, mais également du Théâtre Bolchoï de Russie et de l'Opéra Novaya de Moscou. Anatoly Nevdakh participe aux représentations du Théâtre Bolchoï et Andrei Antonov se produit avec succès sur les scènes de théâtres russes et étrangers. Le niveau de la troupe d'opéra est également prouvé par la présence d'un grand nombre de chanteurs « titrés » : 5 Artistes du peuple, 8 Artistes émérites, 10 lauréats de concours internationaux et panrusse. La troupe compte de nombreux jeunes talentueux, avec lesquels l'ancienne génération d'artistes partage volontiers les secrets de leur métier. Depuis 2008, la troupe de ballet du théâtre a considérablement placé la barre plus haut. L'équipe du théâtre était dirigée par l'artiste émérite de Russie Kirill Shmorgoner, qui a longtemps honoré la troupe de ballet du Théâtre de Perm. K. Shmorgoner a invité au théâtre un grand groupe de ses étudiants, diplômés de l'un des meilleurs établissements d'enseignement du pays - l'école chorégraphique de Perm. Les jeunes danseurs de ballet Ekaterina Pervushina et Viktor Malygin sont devenus lauréats du prestigieux concours international "Arabesque", tout un groupe de danseurs de Samara s'est produit avec succès au festival panrusse "Delphic Games". Ces dernières années, le théâtre a accueilli plusieurs premières qui ont reçu un grand écho du public : les opéras « Mozart et Salieri » de Rimski-Korsakov, « Le Maure » de Stravinsky, « La Pucelle et Maîtresse » de Pergolèse, « Eugène Onéguine » de Tchaïkovski. , « Rigoletto » de Verdi, « Madame Butterfly » de Puccini, la cantate chorégraphique « Le Noces » de Stravinsky, le ballet de Hertel « Une vaine précaution ». Le théâtre collabore activement à ces productions avec les maîtres moscovites du Théâtre Bolchoï, du Nouvel Opéra et d'autres théâtres russes. Une grande attention est accordée à la production de contes de fées musicaux pour enfants. Des artistes d'opéra et de ballet se produisent également sur scène. Parmi les itinéraires de tournée du théâtre figurent la Bulgarie, l'Allemagne, l'Italie, l'Espagne, la Chine et les villes russes. Les tournées intensives du théâtre ont permis aux habitants de la région de Samara de se familiariser avec les dernières œuvres. Les festivals sont une page lumineuse de la vie du théâtre. Il s'agit notamment du festival de ballet classique Alla Shelest, du festival international « Basse du 21e siècle », « Cinq soirées à Togliatti » et du festival d'opéra du Printemps de Samara. Grâce aux initiatives du théâtre en matière de festival, le public de Samara a pu se familiariser avec l'art de dizaines des plus grands maîtres de l'opéra et du ballet nationaux et étrangers. Les projets créatifs du théâtre comprennent des productions de l'opéra "Prince Igor", des ballets "Don Quichotte", "La Belle au bois dormant". Pour son 80e anniversaire, le théâtre prévoit de présenter l'opéra Boris Godounov de Moussorgski, revenant ainsi à ses racines dans un nouveau cycle de son développement historique. Sur la place centrale de la ville s'élève un immense bâtiment gris - selon les critiques d'art, « un monument grandiose du dernier « style pylônade », auquel ont été ajoutés des classiques brutaux », « un exemple frappant de l'architecture des années 30 ». » Les auteurs du projet sont les architectes de Léningrad N.A. Trotsky et N.D. Katsenegbogen, qui remporta en 1935 le concours pour la création du Palais de la Culture. Le théâtre était situé dans la partie centrale du bâtiment. Pendant quelque temps, dans l'aile gauche se trouvait une bibliothèque régionale, dans l'aile droite il y avait une école de sport et un musée d'art. En 2006, la reconstruction du bâtiment a commencé, ce qui a nécessité l'expulsion de l'école de sport et du musée. En 2010, saison anniversaire du théâtre, la reconstruction était terminée. Source : site officiel du Théâtre d'Opéra et de Ballet de Samara

Le Teatro Goldoni est l'un des opéras les plus importants et les plus anciens de Venise, en Italie. Le théâtre date de 1622, a changé plusieurs fois de nom et est situé dans le centre historique de Venise, près du pont du Rialto. Le théâtre est exploité par et constitue la scène principale de la compagnie d'opéra Teatro Stabile del Veneto. Historiquement, tous les grands théâtres vénitiens appartenaient à d'importantes familles patriciennes. Par exemple, les théâtres aujourd'hui connus sous le nom de Teatro Malibran et Teatro San Benedetto appartenaient à la famille Grimani, le Teatro La Fenice appartenait à la famille Venier. Outre les théâtres privés, le premier opéra public au monde, San Cassiano, a été construit à Venise en 1637. La famille Vendramin était propriétaire du théâtre, aujourd'hui appelé Goldoni. Le théâtre a été construit en 1622 et inauguré avec la comédie d'Antonio Chiofo. Au cours de son histoire, le théâtre a changé de nom à plusieurs reprises, il s'agissait du théâtre Vendramin, San Luca, San Salvatore, Apollo, jusqu'à ce qu'en 1875 il reçoive son nom actuel après le dramaturge Carl Goldoni. En 1652 (après un incendie) et en 1684, le bâtiment du théâtre fut restauré à deux reprises. Durant cette première période de son existence, le théâtre mettait principalement en scène des opéras, mais au XVIIIe siècle, il accueillait principalement des représentations dramatiques. Dans les années 1720, le Teatro San Luca fut reconstruit et rebaptisé Teatro Apollo. Ce bâtiment a survécu jusqu'à ce jour. En 1752, les propriétaires du théâtre purent embaucher Carlo Goldoni, alors considéré comme le dramaturge le plus célèbre de Venise, pour diriger le théâtre. Ce fut un événement majeur dans la vie théâtrale de la ville et peut-être la plus belle période du théâtre. Cependant, le propriétaire du théâtre de l'époque cherchait lui-même à participer directement à la gestion et à la production des spectacles et, pour cette raison, il entretenait des relations difficiles et des conflits fréquents avec le metteur en scène embauché. Carlo Goldoni quitte le théâtre et Venise en 1761 et se rend à Paris. Au XIXe siècle, le théâtre a subi de nombreuses reconstructions et rénovations, parmi les plus importantes fut la reconstruction de 1818 sous la direction de l'architecte Giuseppe Borsato, en 1826 un éclairage au gaz fut installé dans le théâtre, considéré comme le premier en Italie, en En 1833, l'intérieur fut rénové sous la direction du designer Francesco Bagnara. En 1875, lors de la célébration de l’anniversaire du dramaturge, le théâtre fut rebaptisé Théâtre Carl Goldoni. La famille Vendramin fut propriétaire du théâtre jusqu'en 1937, date à laquelle il devint propriété de la ville. En 1957, le théâtre ferme ses portes en raison de l'usure. En 1979, après une importante reconstruction, le théâtre rénové rouvre ses portes. L'intérieur du Théâtre Goldoni est un théâtre italien typique du XVIIIe siècle, à quatre niveaux, d'une capacité de 800 personnes, avec une scène de 12 mètres de large et 11 mètres de long. Actuellement, il accueille des représentations dramatiques, des productions d'opéra, des fêtes d'enfants et d'autres événements organisés par la compagnie d'opéra Teatro Stabile del Veneto.

Théâtre d'opéra et de ballet d'État de Bachkirie Le Théâtre d'opéra et de ballet d'État de Bachkirie (Oufa, République de Bachkirie, Russie) a été ouvert en 1938. Le 14 décembre 1938 eut lieu la première de l'opéra de Giovanni Paisiello « La belle femme de Miller » (en bachkir). Le Studio d'Opéra Bashkir a été créé en 1932 à l'initiative du chanteur, compositeur et personnalité publique G. Almukhametov afin de former le personnel artistique et compositeur national de la république. Au cours des deux premières années, le Théâtre de l'Opéra Bachkir a donné 13 premières et plus d'un demi-million de spectateurs ont visité le théâtre. L'affiche comprenait des œuvres de classiques russes et étrangers, des opéras de compositeurs soviétiques : « Le Mariage secret » de Cimarosa, « Faust » de Gounod, « Rigoletto » de Verdi, « Eugène Onéguine » de Tchaïkovski, « Arshin Mal Alan » du fondateur. de l'école nationale azerbaïdjanaise de composition U. Hajibekov, les opéras « Er Targyn » du compositeur kazakh E. Brusilovsky et « Kachkyn » du compositeur tatar N. Zhiganov et d'autres. Le 8 février 1940, eut lieu sur la scène du théâtre la première du premier opéra bachkir « Khak-mar » de M. Valeev, et quelques mois plus tard, en décembre, l'opéra « Mergen » d'A. Eikhenwald a été mis en scène. Dans les premières années, la troupe de ballet du théâtre comprenait des diplômés du département bachkir de l'école chorégraphique de Leningrad, du département de ballet de l'école de théâtre bachkir et un groupe de danseurs d'un ensemble de danse folklorique. Parmi les premiers diplômés de la célèbre école Vaganova figurent Z. Nasretdinova, Kh. Safiullin, T. Khudayberdina, F. Sattarov, F. Yusupov, G. Khafizova, R. Derbisheva. La première production de ballet du théâtre, « Coppelia » de L. Delibes, a lieu en 1940. Pendant la Grande Guerre patriotique, le Théâtre national de l'Opéra et du Ballet de Kiev a été évacué vers Oufa. T. Shevchenko, qui a eu une grande influence sur le processus de formation de l'opéra bachkir. La troupe venue à Oufa comprenait le célèbre chef d'orchestre d'opéra V. Jorish, les metteurs en scène N. Smolich et son fils D. Smolich, les célèbres chanteurs M. Litvinenko-Wolgemut, I. Patorzhinsky, Z. Gaidai, K. Laptev, A. Ivanov, jeune L. Rudenko, I. Maslennikova. En mars 1944, eut lieu la première du premier ballet bachkir « Crane Song » de L. Stepanov et Z. Ismagilov. Après la guerre, G. Khabibullin devient directeur artistique et metteur en scène du théâtre ; les représentations ont été dirigées par Kh. Faizullin, L. Insarov, Kh. Khammatov. Les artistes G. Imasheva et M. Arslanov ont travaillé ici. Toute une galaxie d'interprètes talentueux a grandi dans le théâtre. Aux côtés des chanteurs de l'ancienne génération - G. Khabibullin, B. Valeeva, M. Khismatullin, M. Saligaskarova et des artistes plus jeunes ont joué avec succès : Kh. Mazitov, Z. Makhmutov, N. Abdeev, N. Byzina, I. Ivashkov, S. Galimova, N. Allayarova et d'autres. Le parcours du ballet bachkir est inextricablement lié aux noms de Z. Nasretdinova, T. Khudaiberdina, G. Suleymanova, F. Nafikova, M. Tagirova, Kh. Safiullina, F. Sattarov. Le nom du danseur exceptionnel du XXe siècle, Rudolf Noureev, est inextricablement lié à l'histoire du Théâtre national d'opéra et de ballet de Bachkir. Pendant quatre ans, il a étudié au studio de ballet du théâtre (professeurs Zaytuna Bakhtiyarova et Khalyaf Safiullin). En 1953, Noureev est accepté dans la troupe de ballet du théâtre. C'est sur cette scène qu'il fait ses premiers pas vers une carrière mondiale de ballet. Dans le rôle de Dzhigit dans le ballet « Le Chant de la grue », Rudolf Noureev a attiré l'attention des spécialistes lors de la célèbre Décennie de l'art bachkir à Moscou en 1955 et a été invité à étudier à l'École chorégraphique de Leningrad. Depuis 1991, les festivals d'opéra «Soirées Chaliapine à Oufa» ont lieu chaque année à Oufa, avec la participation de stars de l'opéra des théâtres russes et étrangers. L’idée du festival est liée aux débuts à l’opéra de Fiodor Chaliapine à Oufa le 18 décembre 1890 (le rôle de Stolnik dans l’opéra « Galka » de Moniuszko). Pendant le festival, les artistes du peuple de l'URSS Irina Arkhipova, Vladislav Piavko et Maria Bieshu, des artistes de Lettonie, de Géorgie, d'Allemagne, des solistes des théâtres Bolchoï et Mariinsky, ainsi que des théâtres musicaux de Saratov, Samara, Perm et d'autres villes, se sont produits sur la scène du Théâtre d'Opéra et de Ballet d'État Bachkir de Russie. En décembre 2001, a eu lieu le festival du dixième anniversaire. Il s'est ouvert avec la première de La Traviata de Verdi en italien. Depuis mars 1993, des festivals d'art de ballet portant le nom de Rudolf Noureev ont lieu. Le premier festival a été organisé sur proposition du président d'honneur du comité de danse de l'Institut international du théâtre de l'UNESCO, membre de l'Académie internationale de danse de Paris, héros du travail socialiste, artiste du peuple de l'URSS et de la République de Biélorussie Yuri Grigorovich et s'est déroulé avec la participation de sa troupe du Ballet Grigorovitch. En 1993, à l'occasion du 55e anniversaire du Théâtre national d'opéra et de ballet de Bachkir, un musée du théâtre a été ouvert. Il est situé dans deux salles au premier étage du théâtre, à gauche de l'escalier central. Voici des accessoires et effets personnels d'artistes célèbres, des récompenses du groupe, des croquis de décors et de costumes de théâtre, des photographies et des affiches de représentations des années 30-70. La fierté du musée est la salle de l'Ermitage, située au deuxième étage. Depuis 2008, une exposition des effets personnels de Rudolf Noureev a lieu. 156 objets de la vie et de l'œuvre du brillant danseur du XXe siècle - un cadeau au théâtre de la Fondation internationale du nom de R. Noureev (Grande-Bretagne). En 2004, l'opéra « Kakhym-turya » de Zagir Ismagilov est devenu lauréat du Prix national du Théâtre « Masque d'or » dans la catégorie « Meilleure œuvre d'un chef d'orchestre ». En 2006, la pièce « La Flûte enchantée » de W.-A. Mozart, mise en scène par W. Schwarz, a été nominée dans trois catégories. "Masque d'or" - "Pour le soutien de l'art théâtral national" - décerné au Président de la République du Bachkortostan M.G. Rakhimov. En 2007, l'opéra Un ballo in maschera de Giuseppe Verdi a été nominé pour le prix dans cinq catégories. En 2008, l'artiste du peuple de l'URSS Zaituna Nasretdinova a reçu le Golden Mask Award dans la catégorie « Pour l'honneur et la dignité ». Pour sa contribution exceptionnelle aux réalisations culturelles, le Conseil du Centre biographique international (Cambridge, Royaume-Uni) a décerné à Zaytuna Nasretdinova le titre honorifique de « Professionnelle internationale ». En 2007, le comité de rédaction et le conseil créatif du magazine « Ballet » lui décernent le prix « Soul of Dance » dans la catégorie « Master of Dance ». En 2008, le prix « Âme de la danse » dans la catégorie « Chevalier de la danse » a été décerné à l'artiste émérite de Russie, artiste du peuple du Bachkortostan, Shamil Teregulov. En 2006, le théâtre a reçu le prix du gouvernement russe du nom de F. Volkov dans la catégorie « Meilleure équipe créative ». Il a été décerné au VIIe Festival international Volkov à Yaroslavl, qui s'est ouvert avec le ballet « Arkaim » de L. Ismagilova. En 2008, l'orchestre symphonique s'est produit avec succès lors d'une tournée en Corée du Sud et a reçu une grande récompense - une copie de la couronne du premier empereur coréen. En 2009, la Petite Salle du théâtre a ouvert ses portes. De nouvelles représentations ont déjà lieu dans la nouvelle salle : « L'Elisir d'Amour » de G. Donizetti, « Bacchanales » de C. Saint-Saëns, « La Nuit de Walpurgis » de C. Gounod, « L'Anniversaire de Léopold le Chat » de B. ... Savelyev. Les principes créatifs formés au cours de sept décennies vivent et se développent. Respect des traditions imposées par les générations précédentes, expérience, amélioration constante des compétences, renforcement du professionnalisme. La clé du succès du théâtre réside dans des équipes créatives hautement professionnelles. Les artistes BGTOiB sont lauréats, diplômés de concours républicains, russes et internationaux, titulaires de prix d'État et républicains. Les maîtres de scène ont reçu des titres honorifiques, dont 1 Artiste du peuple de la Fédération de Russie, 7 - Artistes émérites de la Fédération de Russie, 4 - Artistes émérites de la Fédération de Russie, 15 - Artistes du peuple de la République de Biélorussie, 50 - Artistes émérites de la République de Biélorussie, 4 - Artistes émérites de la République de Biélorussie. Comme auparavant, l'équipe se concentre sur la mise en scène des meilleurs exemples de classiques étrangers et nationaux, dans l'incarnation scénique desquels les metteurs en scène et les interprètes parviennent à atteindre une véritable maîtrise.

Le Nouvel Opéra de Moscou porte son nom. E.V. Kolobov a été créé en 1991 à l'initiative du directeur artistique du théâtre Evgeny Kolobov (1946-2003) et du maire de Moscou Yuri Luzhkov et est rapidement devenu l'une des meilleures troupes d'opéra de Russie. En 1991, le chef d'orchestre du MAMT du nom de Stanislavsky et Nemirovich Danchenko, Evgeny Kolobov, a quitté le théâtre en raison de divergences créatives, emmenant avec lui une partie de la troupe et tout l'orchestre. Kolobov trouve le soutien du maire de Moscou Youri Loujkov et fonde le Nouvel Opéra Théâtre, dont il devient le chef d'orchestre et directeur artistique. L'épouse de Kolobov, Natalya Popovich, est nommée au poste de chef de chœur. Au début, le théâtre ne disposait pas de locaux propres ; des concerts d'opéras et de divertissements costumés (« Rossini ») apparurent. En 1997, le Nouvel Opéra acquiert un bâtiment dans le jardin de l'Ermitage. Le nouveau bâtiment du théâtre est une salle de 660 places, équipée d'un équipement d'éclairage et d'une mécanique de scène modernes, qui permettent de mettre en scène des spectacles avec des effets scéniques complexes. Le théâtre possède ses propres studios audio et vidéo. S'appuyant sur des partitions d'opéra inconnues en Russie, Kolobov présente au public moscovite les opéras « Les Deux Foscari » (Verdi), « Marie Stuart » (Donizetti), « Valli » (Catalani), ses éditions des opéras « Eugène Onéguine » de Tchaïkovski, « La Traviata » de Verdi . En 2000, lors de la première de l'opéra Rigoletto, le rôle principal a été interprété par Dmitry Hvorostovsky. En 2003, à la suite du décès du fondateur, le théâtre commence à faire face à une crise. La pièce « Les pêcheurs de perles » de Bizet est perçue de manière critique et « La Fiancée du tsar » est perçue négativement. En 2005, la direction artistique du théâtre a invité les metteurs en scène allemands Yossi Willer et Sergio Morabito (directeur musical et chef d'orchestre de la production Felix Korobov) à mettre en scène l'opéra Norma de Bellini. L'opéra a suscité l'admiration des Moscovites. Et pour le rôle difficile de soprano, Tatyana Pechnikova a reçu le prix Golden Mask. En mars 2006, le chef d'orchestre principal du théâtre est devenu l'artiste du peuple de l'URSS Eri Klas, qui a introduit dans le répertoire des spectacles aux nuances comiques ("La Flûte enchantée" de Mozart, "L'Elisir d'amour" de Donizetti, "Le Barbier de Séville". " de Rossini, " Gianni Schicchi " de Puccini, " Die Fledermaus " " Strauss). En 2008, l'opéra Lohengrin de Wagner a été mis en scène au théâtre par le metteur en scène Kasper Holten, dirigé par le brillant maestro Jan Latham-Koenig (Grande-Bretagne), qui est devenu chef invité permanent du théâtre. Au printemps 2009, la première de l'opérette « Die Fledermaus » a suscité le mécontentement du public en raison de la traduction gratuite des dialogues, mais les critiques de la musique ont été positives. Récemment, le théâtre a commencé à proposer des concerts d'opéras fréquemment joués mais désormais non réclamés en Russie : « Il Trovatore », « Prince Igor », « La Pucelle d'Orléans », etc. Depuis 2005, chaque mois de janvier, le théâtre accueille le Festival international. "Semaine de l'Epiphanie." à l'Opéra Novaya", dédiée au fondateur du théâtre Evgeny Kolobov, né le 19 janvier, jour de l'Epiphanie. Depuis 2006, le théâtre porte le nom de son fondateur. Nom complet du théâtre : Théâtre de l'Opéra Novaya de Moscou. E.V. Kolobova. Le répertoire du théâtre comprend des chefs-d'œuvre des classiques de l'opéra ; des œuvres d'opéra jusqu'alors inconnues en Russie (« Hamlet » de A. Thom, « Mary Stuart » de Gaetano Donizetti, « Valli » de A. Catalani) ; performances basées sur des éditions musicales originales d'E.V. Kolobova (« Oh Mozart ! » Mozart, « Ruslan et Lyudmila » de M. I. Glinka, « La Traviata » de G. Verdi, « Eugène Onéguine » de P. I. Tchaïkovski). Le théâtre possède les premières productions russes des opéras « Marie Stuart » de G. Donizetti, « Valli » de A. Catalani, « Les Deux Foscari » de G. Verdi, « Boris Godounov » de Moussorgski (dans l'édition originale) , « Hamlet » de A. Thom. Un nouveau genre théâtral a également été créé - un portrait créatif unique de compositeurs et musiciens célèbres ("Maria Callas", "Viva Verdi!", "Viva Puccini!", "Vincenzo Bellini", "Richard Wagner", "Rossini", «Bravissimo!») . Au total, le répertoire du Novaya Opera Theatre comprend plus de 70 œuvres de genres d'opéra et de concert. Chaque année en janvier, le théâtre organise le festival international « La Semaine de l'Épiphanie au Nouvel Opéra », auquel participent des maîtres exceptionnels de la culture musicale. Les solistes du Nouvel Opéra - Artistes du peuple de Russie Yulia Abakumovskaya, Emma Sarkisyan, Artistes émérites de Russie Marat Gareev, Marina Zhukova, Elena Svechnikova, Margarita Nekrasova - ont reçu des titres honorifiques pour leurs années de travail au théâtre. Les jeunes solistes d'opéra engagés de manière permanente dans le théâtre sont lauréats de concours vocaux internationaux et lauréats de prestigieux prix de théâtre tels que « Golden Mask », « Casta Diva », « Triumph ». De nombreux solistes du théâtre peuvent à juste titre être considérés parmi les meilleures voix de Russie - Tatyana Pechnikova, Elena Popovskaya, Tatyana Smirnova, Elvira Khokhlova, Margarita Nekrasova, Irina Romishevskaya, Alexander Bogdanov, Roman Shulakov, Andrzej Beletsky, Vitaly Bily, Andrey Breus, Vasily Ladyuk, Oleg Didenko, Vladimir Kudashev et d'autres ; beaucoup d'entre eux sont également impliqués dans le Théâtre Bolchoï de Russie, le Metropolitan Opera, l'Arène de Vérone, etc. Le rôle particulier attribué à l'orchestre est associé à la variété des intérêts créatifs des chefs d'orchestre travaillant dans le théâtre - le chef d'orchestre de le théâtre, l'artiste du peuple de l'URSS Eri Klas, l'artiste du peuple de Russie Anatoly Gus, les artistes émérites de Russie Evgeny Samoilov et Sergey Lysenko, Dmitry Volosnikov, Felix Korobov, Valery Kritskov, Nikolai Sokolov. En plus de participer à des représentations d'opéra, l'orchestre se produit dans les meilleures salles de concert de Russie avec des programmes symphoniques : dans la Grande Salle du Conservatoire de Moscou, la Salle de Concert. P.I. Tchaïkovski, dans la salle de la Philharmonie de Saint-Pétersbourg. Le répertoire de concert de l'orchestre est varié : symphonies de P. I. Tchaïkovski, D. D. Chostakovitch, S. V. Rachmaninov, L. van Beethoven, W. A. ​​​​Mozart, œuvres de I. F. Stravinsky, P. Hindemith, A. Honegger, F. Chopin, E. Lalo, concert programmes avec la participation de solistes de théâtre, de chœurs et de musiciens invités. Lors de tournées indépendantes, l'orchestre s'est rendu en Espagne (les villes de Saragosse, Barcelone, La Corogne, Saint-Sébastien, 1992), au Portugal (Porto, 1992) et en Allemagne (Karlsruhe, 2006). Avec le Ballet impérial russe, l'orchestre s'est rendu en Turquie (Istanbul, 2000), en Finlande (Festival annuel de ballet Mikkel, 2000-2006) et en Thaïlande (Bangkok, 2005). En 2001, l'orchestre a participé aux représentations de la Los Angeles Opera Company de « Don Giovanni » de W. A. ​​​​Mozart et « Salomé » de R. Strauss au Festival d'opéra de Savonlinna en Finlande. La chorale du théâtre est un participant constant à toutes les représentations, un groupe de professionnels partageant les mêmes idées. Conformément à l'esthétique du théâtre, la chorale est impliquée à tous les niveaux de la production. Une grande importance dans la formation professionnelle d'un chœur est attachée à l'exécution de programmes de concerts à partir d'œuvres de classiques choraux russes et étrangers, d'œuvres sacrées, de grandes cantates-oratorio, telles que « Jean de Damas » de S. I. Taneyev, « Requiem » de G. Verdi, « Printemps » et « Trois chants russes » de S. V. Rachmaninov, « Requiem » de V. A. Mozart, « Danses polovtsiennes » de A. P. Borodine, « Alexandre Nevski » de S. S. Prokofiev, « Moscou » de P. I. Tchaïkovski, « Carmina Burana » par C. Orff. L'Opéra Novaya se caractérise par une approche moderne de la scénographie et de la mise en scène. Le théâtre collabore avec des maîtres célèbres dans le domaine de l'art théâtral pour créer des représentations de différentes directions et styles : ce sont des metteurs en scène - Stanislav Mitin, Sergey Artsibashev, V. Vasilyev [qui ?], Valery Belyakovich, Mikhail Efremov, Alla Sigalova, Roman Viktyuk , Yuri Grymov, Andreys Žagars, Yuri Alexandrov, Achim Freier, Yossi Wheeler et Sergio Morabito, Ralf Lyangbaka, K. Heiskanen, Kasper Holten, Elijah Moshinsky, Gennady Shaposhnikov ; artistes - Sergey Barkhin, Alla Kozhenkova, Eduard Kochergin, Ernst Heydebrecht, Victor Gerasimenko, Maria Danilova, Eleonora Maklakova, Marina Azizyan, V. Okunev, S. Pastukh, A. Freier, A. Fibrok, A. Freybergs, S. Aarfing, E. Tilby. Des maîtres exceptionnels de la culture musicale travaillent avec l'équipe du Nouvel Opéra : les chefs d'orchestre Yuri Temirkanov, Eri Klas, Gintaras Rinkevičius, Daniel Lipton ; les instrumentistes Eliso Virsaladze et Nikolai Petrov, Tatyana Sergeeva (piano), Natalya Gutman (violoncelle), le jazzman finlandais Antti Sarpila (clarinette, saxophone) ; les chanteurs d'opéra José Cura, Placido Domingo, Mario Frangulis, Dmitry Hvorostovsky (environ 10 représentations communes), Franz Grundheber, Paata Burchuladze, Ferruccio Furlanetto, Deborah Myers, Lyubov Kazarnovskaya et Anastasia Volochkova ; Le compositeur grec Mikis Theodorakis, ainsi que les solistes de la compagnie d'opéra afro-américaine new-yorkaise Ebony Opera. Nouvelle carte de la tournée de l'Opéra : Grèce (clôture du festival annuel de musique à l'Odéon d'Hérode Atticus à Athènes avec les concerts anniversaires de Mikis Theodorakis en 2005), Chypre (le théâtre participe depuis plusieurs années à des festivals d'opéra avec Mario Frangoulis et Deborah Myers, et a également participé au concert triomphal dédié à la visite du remarquable compositeur grec Mikis Theodorakis à Chypre en 2005), en Italie (festival Musicale Umbra à Pérouse), en France (théâtre des Champs-Élysées, Paris), en Allemagne (salle Reithalle, Munich), Israël (Rishon LeZion), Finlande (Savonlinna Opera Festival, Kuopio Concert Hall, festival annuel de ballet à Mikkeli), États-Unis (14 représentations d'« Eugene Onegin » au Martin Beck Theatre de Broadway, New York), Estonie (Birgitta Festival à Tallinn), en Espagne, au Portugal, en Yougoslavie, en Turquie, en Thaïlande, en Biélorussie, en Ukraine, ainsi que dans des villes de Russie. Les compétences performantes de la troupe et l'originalité des solutions scéniques ont valu au théâtre une renommée bien méritée. L'équipe du théâtre est lauréate du Prix National du Théâtre Masque d'Or, du Prix de l'Opéra Russe « Casta Diva », du Prix Indépendant « Triumph », du « Prix Sony BMG Grèce » (Grèce) et du diplôme « Étoile de la semaine ». du journal allemand Abendzeitung. En 1999, le théâtre a été accepté dans la communauté lyrique européenne Opera Europa. En 2003, par décret du Président de la Fédération de Russie, le fondateur du théâtre Evgeny Kolobov (à titre posthume), le directeur du théâtre Sergei Lysenko et la chef de chœur Natalya Popovich ont reçu le Prix d'État de la Russie. Fédération pour la création du Théâtre de l'Opéra Novaya. En 2006, le théâtre porte le nom de son fondateur Evgeniy Kolobov.

Le Metropolitan Opera est une salle de théâtre musical située au Lincoln Center à New York, New York, États-Unis. L'opéra le plus spacieux du monde. On l’appelle souvent « Meth » pour faire court. Le théâtre fait partie des scènes d'opéra les plus célèbres au monde. Le directeur artistique du théâtre est James Levine. Le PDG est Peter Gelb. Créé avec les fonds de la société par actions Metropolitan Opera House Company. Subventionné par des entreprises et des particuliers fortunés. Le Metropolitan Opera a débuté avec une représentation de Faust de Charles Gounod le 22 octobre 1883, avec la soprano suédoise Christina Nilsson dans le rôle principal féminin. Le théâtre est ouvert sept mois par an : de septembre à avril. Environ 27 opéras sont mis en scène par saison. Des représentations ont lieu quotidiennement, avec environ 220 représentations au total. De mai à juin, le théâtre part en tournée. De plus, en juillet, le théâtre donne des représentations gratuites dans les parcs de New York, attirant des foules immenses. Des émissions de radio et de télévision en direct sont régulièrement diffusées. L'orchestre et le chœur du théâtre travaillent en permanence, et solistes et chefs d'orchestre sont invités sous contrat pour une saison ou pour des représentations spécifiques. Les opéras sont traditionnellement joués dans la langue originale. Le répertoire est basé sur des classiques mondiaux, notamment des compositeurs russes. Le premier Metropolitan Opera House, conçu par J. Cleveland Cady, était situé à Broadway, entre la 39e et la 40e rue. En 1966, le théâtre a déménagé dans le nouveau Lincoln Center de Manhattan et dispose d'une scène principale et de trois scènes auxiliaires. L'auditorium principal peut accueillir 3 800 personnes et, malgré sa taille, est connu pour son excellente acoustique.

Le Théâtre national d'opéra et de ballet de Voronej a parcouru un long chemin dans son développement. En septembre 1931, un théâtre de comédie musicale commença à fonctionner à Voronej, organisé sur la base d'une communauté d'artistes professionnels, dirigée par le talentueux organisateur, metteur en scène et acteur Lazar Arkadyevich Lazarev. Au début des années 30 du siècle dernier, Voronej était le centre de la région centrale de la mer Noire, qui comprenait des villes qui devinrent plus tard des centres régionaux : Koursk, Orel, Tambov, Lipetsk. L'une des principales tâches créatives du Théâtre de comédie musicale de Voronej était de servir les travailleurs de la région de la Terre Noire. À cette époque, le répertoire du théâtre comprenait non seulement des opérettes classiques, mais aussi des comédies musicales modernes. Le haut niveau des interprètes a contribué au fait que les représentations ont toujours été un grand succès. En 1958, un reportage créatif du théâtre a eu lieu à Moscou. Ce fut un succès et fut très apprécié par le public et la communauté musicale de la capitale. Au cours de la tournée, le président de l'Union des compositeurs de l'URSS, T.N. Khrennikov, a proposé de réorganiser le théâtre de comédie musicale en théâtre musical. Cette proposition a été soutenue par le ministère de la Culture et les dirigeants de la région de Voronej. La décision de réorganiser le théâtre de comédie musicale en Théâtre Musical a été prise en 1960. La première représentation qui a marqué la naissance d'un nouveau théâtre sur le sol de Voronej a été l'opéra « Eugène Onéguine » de P. Tchaïkovski, mis en scène par le premier chef d'orchestre du théâtre V. Timofeev. La première a eu lieu le 25 février 1961. Cette date est l'anniversaire du théâtre. Avec le spectacle «Le Lac des Cygnes», la troupe de ballet, dirigée par le talentueux chorégraphe T. Ramonova, a commencé son voyage vers le grand art. Dans les années soixante, des directeurs créatifs talentueux, largement connus dans le pays, travaillaient au théâtre : metteur en scène - Artiste du peuple de Biélorussie S.A. Stein, chorégraphe en chef - Artiste émérite de Biélorussie K.A. Muller, artiste en chef - Artiste émérite de la RSFSR V.L. Tsybine. La période de formation créative du jeune ensemble est associée au nom de l'Artiste du peuple de la RSFSR, lauréat du Prix d'État Anatoly Alekseevich Lyudmilin - un excellent chef d'orchestre, un professeur sensible et un organisateur talentueux. Il a jeté les bases du répertoire classique de l'opéra et du ballet au théâtre et s'est tourné à plusieurs reprises vers les œuvres de ses contemporains. Sous sa direction, plus de 10 représentations ont été organisées, dont « Aida », « Rigoletto », « La Traviata » de G. Verdi, « Carmen » de G. Bizet, « Tosca » et « Cio-Cio-San » de G. . Puccini, « Reine de pique » P. Tchaïkovski, « Démon » de A. Rubinstein, « Lud Hydia » du compositeur bulgare P. Hadzhiev, « Années de feu » de A. Spadavecchia. En 1967, l'artiste du peuple de l'URSS Yaroslav Antonovich Voshchak a été invité au poste de chef d'orchestre. Il a poursuivi les traditions de A. Lyudmilin, dont la principale est la haute culture musicale du théâtre. Les opéras "Mazeppa" de P. Tchaïkovski, "Il Trovatore" de G. Verdi et "La Femme russe" de K. Molchanov, qu'il a mis en scène, sont devenus de véritables événements théâtraux, ils ont été accompagnés de l'amour du public et des éloges de la part de critiques. Sous Y.A. Voshchak, en 1968, le théâtre musical a été rebaptisé Théâtre d'opéra et de ballet de Voronej. Dans les années 70, les principaux chefs d'orchestre, l'artiste émérite de la RSS du Kazakhstan I.Z. Ostrovsky et l'artiste émérite de la Fédération de Russie V.G. Vasiliev, directeur en chef, artiste émérite de la RSS de Moldavie G.M. chorégraphe, ont joué un rôle important dans la vie créative du théâtre. - Artiste émérite de la Fédération de Russie G.G. Malkhasyants, artiste en chef - N.I. Kotov, chef de chœur, artiste émérite de la Fédération de Russie L.L. Ditko. Dans les années 90, de nouveaux dirigeants sont arrivés : le chef d'orchestre, artiste émérite de la Fédération de Russie Yu.P. Anisichkin, directeur en chef, artiste émérite de la Fédération de Russie A.N. Zykov, artiste en chef, artiste émérite de la Fédération de Russie V.G. Kochiashvili. Pendant plus de 10 ans, le directeur artistique du ballet a été l'Artiste du peuple de la Fédération de Russie N.G. Valitova. En 1999, le groupe choral était dirigé par le lauréat des concours internationaux V.K. Kushnikov. Depuis son ouverture, plus de 200 représentations ont été présentées sur la scène du théâtre, dont l'ensemble du répertoire populaire d'opéra et de ballet classique. Dès les premières années de son activité, le théâtre a considéré comme une tâche importante dans la formation de son répertoire la combinaison organique des traditions classiques avec les tendances modernes de l'art musical et théâtral. Les opéras « Fille de Cuba » de K. Listov, « Forteresse de Brest » et « Femme russe » de K. Molchanov et « Le Journal d'Anne Frank » de G. Fried, créés pour la première fois sur la scène de Voronej, ont reçu le prix de toute l'Union. reconnaissance. La production de l'opéra « Forteresse de Brest » (réalisateur S. Stein, chef d'orchestre G. Orlov, artiste V. Tsybin, chef de chœur V. Izhogin) a reçu un large écho. La presse de la capitale et la presse locale ont souligné non seulement les compétences vocales des interprètes, mais également le talent artistique de haut niveau qui a permis de créer des images de héros vivants. Le spectacle a reçu un diplôme honorifique au Concours de théâtre de toute l'Union. Le théâtre travaille en étroite collaboration avec les compositeurs de Voronej. En 1971, création du ballet « Chanson de l'amour triomphant » sur la musique du compositeur et chef d'orchestre de théâtre M. Nosyrev basé sur les travaux de I. Tourgueniev. Le spectacle a été très apprécié par la critique et le public et est resté au répertoire pendant plus de 10 ans (chef d'orchestre M. Nosyrev, chorégraphe D. Aripova, artiste B. Knoblock). En collaboration avec le compositeur G. Stavonin, le premier opéra de Voronej « Oleko Dundich » (1972), que T.N. Khrennikov a qualifié de « merveilleux événement dans la vie musicale du pays », et le ballet-symphonie « Le Conte de la terre russe » (1982) ont été mis en scène. Pour le 400e anniversaire de Voronej et le 300e anniversaire de la marine russe en 1986, le théâtre a mis en scène l'opéra « Vivat, Russie ! » de G. Stavonine. Aujourd'hui, le répertoire du théâtre comprend plus de 40 titres - des classiques russes et étrangers, des œuvres de nos contemporains. Au cours des dernières décennies, des solistes d'opéra et de ballet ont travaillé dans le théâtre, largement connu dans le pays, qui ont gagné la reconnaissance de leur talent : solistes d'opéra Artistes du peuple de la Fédération de Russie E. Poimanov, S. Kadantsev, Artistes émérites de la RSFSR F. Sebar, A. Matveeva, L. Kondratenko, E. Svetlova, V. Ryzvanovich, Y. Danilova (Artiste du peuple de Bouriatie), I. Monastyrnaya, V. Egorov, B. Erofeev, I. Denisov, I. Nepomnyashchiy, G. Kolmakov ; solistes de ballet, Artistes du peuple de la Fédération de Russie N. Valitova, A. Golovan, M. Leonkina - lauréate de concours internationaux de ballet à Moscou, Paris, Varna, son nom a été inclus dans le livre « Les meilleurs interprètes de Giselle » publié dans le États-Unis, artistes émérites de la Fédération de Russie L. Maslennikova, S. Kurtosmanova, V. Dragavtsev. De jeunes interprètes viennent au théâtre chaque année : diplômés de l'Académie des arts de Voronej et des conservatoires du pays - à la troupe d'opéra, à l'école chorégraphique de Voronej - au ballet, au Collège de musique de Voronej du nom de Rostropovitch - à l'orchestre et au chœur du théâtre. La géographie des tournées du théâtre est vaste. L'art des habitants de Voronej a été applaudi en Allemagne, en Espagne, en République tchèque, en Pologne, en Autriche, au Japon, en Finlande et dans les pays africains. En 1996, le ballet « La Belle au bois dormant » est présenté dans 38 villes de France et part en tournée en Inde en 1997 et 1999. Depuis 2000, le ballet de Voronej tourne en Hollande, en Allemagne et en Belgique avec les représentations « Giselle », « Casse-Noisette » et « La Belle au bois dormant ». En mai 2005, le groupe de ballet a participé au Festival international consacré à l'œuvre de P.I. Tchaïkovski, qui s'est tenu en Allemagne. En 2006 et 2009, le théâtre a effectué une tournée aux États-Unis et au Canada, où il a présenté les ballets « Cendrillon » de S. Prokofiev, « Giselle » de A. Adam et « Mille et une nuits » de F. Amirov. Représentations d'opéra « Troubadour » (direction Mieczyslaw Nowakowski (Pologne), mise en scène A. Zykov), « Othello » (direction Yu. Anisichkin, mise en scène F. Safarov), « La Dame de Pique » (direction Yu. Anisichkin, réalisé par A. Zykov) ont été projetés aux Pays-Bas en 1999 et 2001. Le Théâtre d'opéra et de ballet de Voronej, le seul de la région centrale de la Terre noire, considère que sa tâche est de promouvoir l'art de l'opéra et du ballet dans toutes les régions de la région, en organisant des spectacles en visite et en élargissant constamment la géographie des tournées. Troupe d'opéra du Théâtre national d'opéra et de ballet de Voronej Soprano colorature Ekaterina Gavrilova Artiste émérite de la Fédération de Russie Lyudmila Marchenko Elena Petrichenko lauréate du Concours international Elena Povolyaeva Elena Seregina Kristina Panova Oksana Shaposhnikova Soprano lauréate du Concours panrusse Alexandra Dobrolyubova Galina Kunakovskaya Olga Maksimenko Artiste du peuple de la Fédération de Russie Zoya Mitrofanova Irina Romanovskaya Nina Skrypnikova artiste étamée de la Fédération de Russie Alexandra Tyrzyu lauréate du concours international Lyudmila Solod Natalia Tyutyuntseva Anastasia Chernovolos Mezzo - soprano Tatyana Kibalova lauréate du concours international Elena Knyazeva Yulia Pronyaeva Tenors lauréate du concours international concours Dmitry Bashkirov Evgeny Belov Alexey Ivanov Artiste émérite de la Fédération de Russie Yuri Kraskov Artiste émérite de la Fédération de Russie Mikhail Syrov Igor Khodyakov Barit ils sont un artiste émérite de la Fédération de Russie Alexander Anikin Leonid Vorobyov Oleg Guryev Lauréat des concours internationaux et panrusse Igor Gornostaev Sergei Meshchersky Alexey Tyukhin Diplôme du Concours International Roman Dyudin Bass Nikolay Dyachok Artiste émérite de la Fédération de Russie Alexander Nazarov Artiste émérite de Bouriatie Mikhail Turchanis Ivan Chernyshov Chef de la troupe d'opéra Nadezhda Kopytina Directeurs Alfred Meluha Sofya Shalagina Directeur adjoint a , présentateur du spectacle, Travailleuse émérite de la culture de la Fédération de Russie Tatyana Kolesnichenko Premier violon, lauréate du diplôme du Concours pan-syndicat Svetlana Andreeva Victoria Maryanovskaya Anatoly Maltsev

L’un des bâtiments les plus intéressants du XXe siècle se trouve en Australie. Construit entre 1957 et 1973, l'Opéra de Sydney est entouré d'eau et ressemble fortement à un voilier. L'architecte de la structure légendaire était Jorn Utson du Danemark.

Histoire de la construction

Jusqu'au milieu du XXe siècle, il n'existait à Sydney aucun bâtiment adapté aux productions d'opéra. Avec l'arrivée du nouveau chef d'orchestre de l'Orchestre Symphonique de Sydney, Eugene Goosens, le problème a été rendu public.

Mais la création d’un nouveau bâtiment destiné à l’opéra et à l’orchestre n’était pas une priorité. À cette époque, le monde entier était en train de se remettre de la guerre, l'administration de Sydney n'était pas pressée de commencer les travaux et le projet était gelé.

Le financement de la construction de l'Opéra de Sydney a commencé en 1954. Ils se sont poursuivis jusqu’en 1975 et ont récolté au total environ 100 millions de dollars.

Le cap Bennelong a été choisi comme site pour l'un des plus grands édifices culturels. Selon les exigences, le bâtiment devait comporter deux salles. Le premier d'entre eux, destiné aux représentations d'opéra et de ballet, ainsi qu'à la musique symphonique, était censé accueillir environ trois mille personnes. Dans la seconde, avec des représentations dramatiques et de la musique de chambre, il y a 1 200 personnes.

Jorn Utson, selon la commission, est devenu le meilleur architecte sur 233 ayant envoyé leurs œuvres. Il a été inspiré pour créer ce projet par les voiliers se trouvant dans le port de Sydney. Il a fallu 14 ans aux constructeurs pour réaliser le projet.

La construction a commencé en 1959. Immédiatement, des problèmes commencèrent à surgir. Le gouvernement a exigé que le nombre de salles passe de deux à quatre. De plus, les ailes conçues se sont révélées impossibles à mettre en œuvre, il a donc fallu plusieurs années d'expérimentation pour trouver la bonne solution. En raison du déclenchement d'une procédure en 1966, Utson a été remplacé par un groupe d'architectes australiens, dirigé par Peter Hull.

Le 28 septembre 1973, l'Opéra de Sydney ouvrait ses portes. La première a été la production de l'opéra « Guerre et Paix » de S. Prokofiev. La cérémonie d'ouverture officielle s'est tenue le 20 octobre en présence d'Elizabeth II.

Quelques chiffres

L'opéra construit s'est immédiatement immortalisé dans l'histoire. Il s'agit véritablement d'un immense complexe contenant 5 halls et environ 1 000 pièces à des fins diverses. La hauteur maximale du bâtiment de l'Opéra est de 67 mètres. Le poids total du bâtiment est estimé à 161 000 tonnes.

Salles de l'Opéra

1 salle

La plus grande salle de l'Opéra de Sydney est la salle de concert. Il accueille 2679 visiteurs. Le Grand Orgue de Concert se trouve également ici.

Salle 2

La salle de l'Opéra, qui peut accueillir 1 547 spectateurs, est utilisée pour des représentations d'opéra et de ballet. La salle abrite le plus grand rideau-tapisserie de théâtre au monde, le Rideau du Soleil.

Salle 3

La salle de théâtre peut accueillir 544 spectateurs. Des spectacles de théâtre et de danse ont lieu ici. Il existe également un autre rideau en tapisserie, également tissé à Aubusson. En raison de ses tons sombres, on l’appelait « Rideau de la Lune ».

Salle 4

La salle Playhouse peut accueillir 398 spectateurs. Il est destiné aux miniatures théâtrales, aux conférences, ainsi qu'à une utilisation comme cinéma.

Salle 5

La salle la plus récente, « Studio », a ouvert ses portes en 1999. 364 spectateurs peuvent y assister à des pièces de théâtre dans l'esprit de l'art d'avant-garde.

Depuis 1973, l'Opéra de Sydney est utilisé presque 24 heures sur 24 sans interruption. Outre les amateurs de culture et d'art, le bâtiment est apprécié par des milliers de touristes visitant Sydney. L'Opéra de Sydney est devenu un véritable symbole de l'Australie.

Vidéo sur l'Opéra de Sydney

La plus grande ville d'Australie a sa propre carte de visite : l'Opéra de Sydney. C'est l'un de ces bâtiments dont l'apparence est familière à tout le monde. Beaucoup admirent l'aspect inhabituel de cette structure architecturale, mais il y a aussi ceux qui qualifient son apparence de malentendu. Quoi qu’il en soit, c’est un de ces lieux qui fait débat depuis le tout premier jour de son existence. Pour la plupart des gens, ce bâtiment est fortement associé à la belle Australie.
L'Opéra est situé dans le port australien, au cap Benelong. Ses coordonnées sont 33 51′ 24,51′′ S. sh., 151 12′ 54,95′′ e. d.

Toit unique

L'Opéra de Sydney est devenu largement connu dans le monde entier grâce à son toit inhabituel, qui ressemble à d'énormes coquilles blanches, comme rejetées sur le rivage par les vagues géantes de l'océan. Le toit est ce qui distingue ce bâtiment de tous les autres. L’esprit d’innovation et d’expressionnisme semble planer entre les éléments convexes et blancs comme neige du toit. Le bâtiment est inscrit au patrimoine mondial de l'UNESCO depuis 2007.
L'idée de construire un bâtiment dans un style aussi inhabituel est venue à l'esprit de l'architecte Jorn Watson, qui a reçu un prix prestigieux pour ce bâtiment en 2003.

Caractéristiques

Le bâtiment de l'opéra est unique en ce sens qu'il est entouré d'eau sur trois côtés et qu'il est lui-même construit sur pilotis. Cette conception est très complexe dans son exécution technique, mais l'apparence, grâce à ces astuces, surprend et dépasse les attentes les plus folles. Le théâtre a une superficie immense - 2,2 hectares. La longueur dépasse 180 mètres et la largeur dépasse 120 mètres. Le poids du bâtiment frappe également par sa puissance - environ 160 000 tonnes. Les pieux sur lesquels il repose sont au nombre de 58 centaines.

Il est intéressant de noter que l'électricité nécessaire au fonctionnement de ce bâtiment est à peu près égale à la quantité d'énergie que pourrait fournir une ville de 25 000 habitants. Le bâtiment lui-même abrite un grand nombre de salles de concert différentes, de petits studios de danse et de théâtre. De plus, tout a été fait pour rendre le bâtiment intéressant aux yeux des touristes. Vous pouvez acheter des souvenirs dans des boutiques spécialisées ou déjeuner dans un restaurant avec vue sur les vagues.

Intérieur

Il y a de nombreuses pièces à l'intérieur de l'immense bâtiment, mais quatre sont considérées comme les principales :

• La salle de concert est considérée comme la plus grande en termes de capacité : elle peut accueillir environ 2 700 visiteurs.
• Le Théâtre d'Opéra et de Ballet accueille des productions mondiales de renommée mondiale. La salle peut accueillir plus de 1 500 personnes.
• Il existe également à Sydney un célèbre théâtre dramatique de 500 places.
• Studio de théâtre de 300 places.

L'Opéra de Sydney est devenu l'opéra le plus reconnaissable au monde grâce à sa structure de toit unique. La forme du toit ressemble à de grosses coquilles disposées les unes après les autres ou à des voiles géantes tendues par le vent. Le toit de ce toit s'élève à 67 m, le diamètre du toit est d'environ 150 m, il comporte plus de 2 000 sections et son poids est proche de 30 tonnes. Des câbles métalliques, dont la longueur avoisine les 350 km, maintiennent cette structure en place.
Si vous étudiez attentivement l'emplacement des lavabos, vous comprendrez que les deux plus grands couvrent les plus grandes salles du théâtre.

D'autres parties sont situées au-dessus de locaux réservés à de petits studios, restaurants et boutiques de souvenirs. Le dôme est recouvert de carreaux de céramique et ressemble de loin à une structure unique. Sous un éclairage différent, les tuiles peuvent changer de teinte et donner au toit un aspect complètement différent. À cet effet, des combinaisons de ces carreaux sont spécialement pensées : au centre se trouve un carreau brillant et plus près du bord se trouve sa version mate. Au cours des dernières décennies, le spectacle laser sur le toit de l'Opéra s'est généralisé ; il s'agit d'un spectacle véritablement spectaculaire, grâce à la disposition des carreaux de céramique sur le toit.

Solutions acoustiques

De nombreuses personnes ayant au moins quelques connaissances en construction comprennent qu'une conception aussi unique peut poser de nombreux problèmes lors de son aménagement de l'intérieur. En raison des différentes hauteurs de plafond dans les pièces, il a fallu le recouvrir d'un matériau réfléchissant le bruit et réaliser des gouttières spéciales. Ces gouttières remplissent deux fonctions : elles réfléchissent le son et ombragent les arches situées au-dessus de la scène. Quant à la décoration intérieure, elle est réalisée avec des matériaux qui sont fabriqués en Australie. Il s'agit de granit rose, ainsi que de panneaux de bois et de contreplaqué.

Début du chantier

La construction du théâtre a commencé lorsque le chef d'orchestre de la radio Eugene Goosens, arrivé en Australie, a contacté les autorités avec l'idée de construire un théâtre. De nombreuses personnes travaillant au sein du gouvernement ont convenu avec le musicien que Sydney avait besoin de la construction d'une telle structure. Un lieu de construction fut immédiatement trouvé, le choix se porta sur le remblai près du cap Bennelong.

Après un certain temps, un concours a été annoncé, sur la base des résultats duquel le meilleur projet devait être sélectionné. Malheureusement, le sort de celui qui a eu l'idée de la construction n'a pas fonctionné en Australie. Il est contraint de quitter le pays sans attendre le début des travaux de construction de l’opéra.

Sélection de projets

Le concours a réuni plus de 220 œuvres du monde entier, mais beaucoup d'entre elles étaient trop banales, tandis que d'autres, au contraire, n'étaient pas réalisables. La tâche était compliquée par le fait que le plan initial comprenait plusieurs salles, mais la superficie était limitée du fait que le futur théâtre était entouré d'eau sur trois côtés. De nombreux projets semblaient trop volumineux, car les architectes essayaient de répartir les pièces sur plusieurs étages.

La commission a apprécié le projet de Jorn Watson, car il était proposé de placer les pièces les unes après les autres comme doublures, et le problème de l'aspect volumineux a été résolu en mettant l'accent sur le toit en forme de voile.

Le croquis présenté par Jorn Watson a été immédiatement calculé, son coût approximatif était d'environ 7 millions de dollars. Selon l'architecte lui-même, l'idée des doublures hémisphériques lui est venue à l'esprit après avoir coupé une orange. Ce sont les tranches d'orange qui l'ont aidé à imaginer les locaux du théâtre situés les uns après les autres. Il a également admis qu'en travaillant sur ce projet, il rêvait d'emmener le spectateur dans le monde de la musique ; ce n'est pas pour rien que de nombreux musiciens appellent ce bâtiment « musique figée ».

La construction a ensuite apporté de nombreuses surprises. L'argent alloué à la construction n'était pas suffisant, le manque de fonds a donc été comblé grâce à une loterie organisée parmi la population australienne.

Après l’approbation officielle de la conception architecturale, il était temps de commencer la construction. Il s'est avéré que la technologie permettant de construire des formes sphériques n'existait tout simplement pas, alors Watson a eu recours à quelques astuces techniques. Chaque coque avait une forme strictement triangulaire, assemblée à partir d'autres triangles plus petits. Ici, une méthode mécanique a été utilisée pour la pose des carreaux, ce qui a considérablement réduit la charge des travailleurs et réduit le temps de réalisation de ces travaux.

Le destin de l'architecte

Mais même de telles astuces n’ont pas aidé l’architecte à faire face aux problèmes qui se sont posés. Le travail a été considérablement compliqué par le fait qu'en raison de la forme unique du plafond, des problèmes d'acoustique sont survenus. Bien sûr, ce problème a été résolu en utilisant un matériau réfléchissant le son au plafond, mais cela dépassait le coût prévu et ajoutait des problèmes à l'architecte en chef.

En 1966, Watson quitta complètement l'Australie après une autre querelle majeure avec des membres du gouvernement insatisfaits du rythme et des résultats de la construction. Lors de l'ouverture de l'Opéra, le nom du premier et principal architecte, dont la main appartient à l'ensemble du projet, n'a pas été mentionné, il n'a pas été invité à l'ouverture, mais la même année il a reçu un prix d'architecture pour cette création. .

Quelques décennies plus tard, on lui demande de reconstruire l'une des salles destinées aux réceptions. Il a accepté et a réalisé le plan de travail ; plus tard, cette salle a commencé à être nommée en son honneur. Mais Watson ne s'est jamais rendu en Australie après son départ. Le jour de ses funérailles, les projecteurs situés sur les murs de l'Opéra Théâtre ont été éteints pendant plusieurs heures pour honorer la mémoire de l'homme qui a créé et inventé ces murs. C'est la contradiction dans l'histoire de la construction de cette structure.

Le fait est qu’au fil du temps, la construction de l’opéra est devenue le principal projet de construction du continent et tous les regards étaient tournés vers lui. Au lieu de construire le théâtre en 4 ans, comme prévu initialement, la construction a duré 14 ans. Le coût total des travaux s'élève à cent millions de dollars, au lieu des sept prévus. Après le départ de Watson, une équipe de jeunes a commencé la construction, dirigée par l'architecte Hall. Son travail est jugé satisfaisant par de nombreux experts. Beaucoup ont remarqué que les modifications qu'il avait apportées modifiaient le projet initial et l'aggravaient.

L'importance de l'Opéra Théâtre pour la culture mondiale

L'ouverture officielle du théâtre a eu lieu en octobre 1973. Lors de la cérémonie d'ouverture, la neuvième symphonie de Bach a été jouée ; ce fut un événement unique et inimitable. Chaque année, environ 300 000 touristes s'efforcent de visiter cette attraction en Australie et des excursions y sont organisées quotidiennement. Vous pouvez choisir différentes combinaisons intéressantes pour vos visites. Par exemple, l'opéra du soir de Mozart, La Flûte enchantée, se marie bien avec un dîner dans un restaurant raffiné appelé Mozart's.

En raison des éléments qui ont présidé à la construction de ce célèbre bâtiment et du caractère unique du projet, il est compréhensible que les opinions à son sujet puissent être extrêmement opposées. Certains pensent que les voiles du toit sont belles et ressemblent à une vraie voile qui flotte au vent. Mais il y a des gens qui croient que l'apparence du théâtre ressemble à une énorme baleine de mer échouée sur le rivage. Malgré tout, la polémique autour de l’Opéra de Sydney continue. De plus, le bâtiment a atteint la finale du concours pour trouver de nouvelles merveilles du monde et se classe parmi les dix meilleurs. Ce concours a été organisé par une organisation à but non lucratif début 2007 et a été organisé auprès de la population du monde entier grâce à des gadgets électroniques.